El dibujo implicado. La obra de César del Valle. Por: Lucrecia Piedrahita. Museóloga. 10/09/2010

ORIGINAL: Letras Anónimas

LUCRECIA PIEDRAHÍTA

El dibujo implicado. La obra de César del Valle
Por: Lucrecia Piedrahita. Museóloga. 10/09/2010

El dibujo es acción, desplazamiento, interrupción, movimiento. Es la línea que encierra y delimita, es herramienta que organiza el pensamiento. El dibujo contemporáneo se construye con el lápiz y la tinta sobre papel, es la reproducción fotostática de unas líneas, la gráfica escrita en la piel y el trazo que deja un dedo sobre la arena. Definir el dibujo es ampliar el campo de posibilidades del sistema de representación en el arte.

En Papel Calco está la obra de César del Valle. El repertorio de su producción permite entender la imagen como un escenario de reflexión en donde las estructuras de significados y sus efectos textuales implican la figuración, el gesto, la temporalidad del trayecto que recorre la línea, el juego de escala y la vinculación del espacio vacío y escenográfico que otorga un balance preciso a la imagen.

El campo visual en la obra del artista establece relaciones con la historia del arte, con el cine, con la música y con los actos fotográficos presentes en textos como “Las ruinas circulares”, de J.L. Borges que ha sido referente constante en la producción plástica de César del Valle para mantener vigente la tensión entre realidad y ficción: “El propósito que lo guiaba no era imposible, aunque sí sobrenatural. Quería soñar un hombre: quería soñarlo con integridad minuciosa e imponerlo a la realidad. Ese proyecto mágico había agotado el espacio entero de su alma; si alguien le hubiera preguntado su propio nombre o cualquier rasgo de su vida anterior, no habría acertado a responder. Le convenía el templo inhabitado y despedazado, porque era un mínimo de mundo visible; la cercanía de los leñadores también, porque éstos se encargaban de subvenir a sus necesidades frugales. El arroz y las frutas de su tributo eran pábulo suficiente para su cuerpo, consagrado a la única tarea de dormir y soñar.”

Así mismo, los dibujos de César del Valle operan directamente en la concepción de un encuadre cuidadosamente pensado que deriva no solo de un espacio minimalista y desnudo en donde se inscriben sus personajes sino del conocimiento de la composición, de los planos que definen la relación de llenos y vacios para subrayar un dominio de la perspectiva y de los dispositivos ópticos de los que se sirve para segmentar el espacio y componer una imagen que roza el campo cinematográfico.

El recurso sistemático del vacío que sirve como pared, telón, profundidad de campo, arquitectura o espejo sobre la que se recompone la imagen denota el dominio del artista para captar el instante, la precisión de la línea y la capacidad de síntesis. En sus Retratos se re – trae el gesto intimista de quien es observado por la cámara-ojo del artista quien emplea un –tracking shot – para explorar en el papel de marco amplio sobre el que se expande la imagen y poner la mirada en movimiento (…) Aprender mirando. Aprender a mirar: es el tema (…) del “descubrimiento de lo visual por el medio artístico”, de la similitud entre ver y comprender”. “… La capacidad de la nueva pintura de atrapar el momento que huye y, en ello, comprenderlo como momento fugitivo y cualquiera (al contrario del momento esencial). Esta revolución se puede verificar con el paso del esbozo al estudio. El esbozo recoge la impresión que produce algo, pero con miras a realizar un futuro cuadro; el estudio recoge igualmente esa impresión, pero tiene una finalidad en sí mismo, tiene valor por sí solo, no como herramienta para un futuro cuadro; es un género pictórico.” (Jacques Aumont, L’oeil interminable. Cinema et peinture (1989). Y es precisamente en el estudio como obra final donde se instala la validez de la obra de César del Valle. Un estudio en donde la imagen se re-construye con y desde el vacío para emerger en objeto pictórico. Igualmente la contemporaneidad de su obra instalada en la tradición figurativa se soporta en que profundiza la función de la mirada, la hace móvil, le exige trayectos, le permite ser más consciente y selectiva. El movimiento se liga necesariamente al concepto de tiempo y representarlo es tarea del artista. César del Valle, captura la fugacidad del instante.

Montaje digital. Juan Pablo García.

“¿Qué pasa durante una mirada?, ¿Qué relación existe entre el tiempo de la mirada y el tiempo de la representación?, ¿entre el tiempo de la mirada y el espacio de la representación?. Ha surgido un problema nuevo: (…) La gestión de una mirada prolongada.”

Aumont 1989, 59

CESAR DEL VALLE
Pereira. 18 de diciembre de 1985
ESTUDIOS
Universitarios: 2010 Artes Plásticas. Universidad de Antioquia.
EXPOSICIONES
Colectivas
2009
SALÓN ARTECÁMARA. Proyecto de Investigación Jóvenes Artistas 2009. Artbo. Bogotá
PRUEBA DE AUTOR. Muestra del Taller de Grabado la Estampa. Alianza Francesa. Medellín
PROYECTO TESIS. Museo de Arte Contemporáneo Minuto de Dios. Bogotá
CASA DE CITAS. Museo de Antioquia. Medellín
VAMOS. Galería Nueveochenta. Bogotá
CORTE/50. Colección del Museo de Arte Moderno de Medellín. Museo de Arte Moderno de Medellín
REINTERPRETANDO LA COLECCIÓN. Museo de Arte Universitario. U. de A. Medellín
2008
LA OTRA. FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO. Stand Galería La Cometa. Bogotá
3D. Exposición de dibujo. Casa Tres Patios. Medellín
REFLEXIONES DESDE LA REALIDAD Y LA FICCIÓN. Jóvenes artistas colombianos. Galería La Cometa; Naranjo y Velilla Galería de Arte. Bogotá; Medellín
ACADÉMICA VIII. Muestra de procesos académicos de artes plásticas y creatividad. Museo de Arte Moderno de Medellín
LA LÍNEA CONTINÚA. Exposición colectiva de dibujo. Cámara de Comercio de Bogotá
IMAGIN+A. Umbral Gráfico Colombiano. Museo de Arte Moderno de Medellín
PEQUEÑO FORMATO. Museo El Castillo, Medellín
2007
TERCER SALÓN DE ARTE BIDIMENSIONAL. Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Bogotá
2006
ANONYME ZEICHNER. Exposición itinerante de dibujo. Alemania
PROTAGONISTA EL DIBUJO. Muestra del Taller de Dibujo del Maestro Oscar Jaramillo. Biblioteca U. de A. Medellín
SALÓN DEPARTAMENTAL DE ARTES VISUALES. Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe. Medellín
DISTINCIONES
2007
MENCIÓN. TERCER SALÓN DE ARTE BIDIMENSIONAL. Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Bogotá
COLECCIONES
Colección del Museo de Arte Moderno de Medellín

Ha muerto a los 85 años Benoit Mandlebrot, quien dió vida a los fractales

ORIGINAL: FinancialTimes / revtyson

Father of fractals Mandelbrot dies at 85

By Clive Cookson

Published: October 17 2010 19:12 | Last updated: October 17 2010 19:12

Benoît Mandelbrot, one of the most original and influential mathematicians of the 20th century, has died of pancreatic cancer at the age of 85. He was the father of fractal geometry – finding underlying patterns in roughness and irregularity – and was a key figure in the broader field of chaos theory.

Mandelbrot had enormously wide interests. Over a 60-year career, working first in France and then the US, he applied his findings to physics, biology and economics, publishing devastating critiques of modern mathematical finance.

A fractal – the term comes from the Latin for broken – is essentially a fragmented shape whose structure remains the same however much it is blown up or scaled down. Fractal analysis has become a powerful tool to measure and model apparently chaotic shapes and patterns. It is used in the computer industry for internet signal compression, in aerospace for modelling turbulent flow, and in the financial markets.

His most famous creation is the “Mandelbrot set”, a mathematical creation of infinite complexity. The patterns created have brought mathematics into popular culture and fractals have become a standard feature of school curriculums.

His family said Mandelbrot saw himself as a scientific “maverick”, “moving across many disciplines at once to find new insights, and seeking always a measure of order in physical, mathematical or social phenomena that are characterised by abundant data but wild variability”.

Benoît Mandelbrot was born in Warsaw on November 20 1924 but moved as a child with his Jewish family to France, where he survived the second world war and began his mathematical career with the Centre National de la Recherche Scientifique in Paris.

Nicolas Sarkozy, the French president, said Mandelbrot’s was “a powerful, original mind that never shied away from innovation and battering preconceived ideas”.

“France is proud to have received Benoît Mandelbrot and to have allowed him to benefit from the best education,” said Mr Sarkozy.

In 1958 Mandelbrot emigrated to the US, where he spent most of his professional life working for IBM at its main research centre at Yorktown Heights, New York. Although his work there was valuable for IBM, for example on the suppression of electronic “noise” in computing and telecommunications, the company also gave him considerable time and freedom to develop his interests and take part-time academic fellowships.

Towards the end of his career, after leaving IBM, Mandelbrot taught mathematics at Yale University. He finally accepted a tenured academic job in 1999 at Yale as Sterling Professor of Mathematical Sciences: at the age of 75, he was one of the oldest people ever to begin his first full-time professorship.

Mandelbrot published several books, of which the most celebrated was The Fractal Geometry of Nature in 1982. While he had studied markets throughout his career, starting with a 1962 paper on cotton prices, financial mathematics became a pressing interest during the last decade of his life. In 2004 he published with Richard Hudson The (Mis)Behaviour of Markets: A Fractal View of Risk, Ruin and Reward – a devastating attack on the failure of mainstream economists and mathematicians to understand the likelihood of wild swings in prices and the risk of financial disaster.

Mandelbrot felt vindicated by subsequent events, such as the near collapse of the global banking system in 2008.

Mr Hudson, publisher of the Science Business media group, described his co-author as “the ultimate interdisciplinary scientist. The scientific world is built in silos, and he made a career out of going into other people’s silos uninvited and coming up with insights they did not have. In economics he was an outsider – and often not a welcome one”.

Mandelbrot is survived by his wife Aliette, sons Laurent and Didier, both medical doctors, and three grandchildren.

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Arquitectura Verde Interactiva en la Bienal Iberoamericana de Arquitectura.

ORIGINAL: Letras Anónimas.

LUCRECIA PIEDRAHÍTA

Grupo Mente Nómada + Universidad Pontificia Bolivariana
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Un grupo de científicos, ingenieros, museólogos y arquitectos fuimos invitados para estar presentes en la Bienal Iberoamericana de Arquitectura.

“Entidades ejecutoras: Universidad Pontificia Bolivariana y Grupo Mente Nómada.

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Arquitectura Verde Interactiva

como eje interdisciplinar para propiciar diálogos entre Cultura, Ciencia y Tecnología

Una de las experiencias de las prácticas artísticas contemporáneas está en la búsqueda de un lenguaje preciso, personal, perfectamente comunicable, sin residuos de ambigüedad, obscuridad u arbitrio, riguroso en la definición y consecuente con los resultados demostrables en su obra o proceso. De igual manera el artista, entendido como un –constructor social- debe producir un trabajo que permita múltiples lecturas ante el ojo, la necesidad y la sensibilidad del espectador, donde su producción sea, cada vez que se expone, objeto de nuevas observaciones, nuevas reacciones y ante todo un documento actual.

El espesor sensorial que conlleva el observar las formas y los fenómenos que se presentan en la naturaleza, nos ofrece, de acuerdo con sus condiciones, experiencias estéticas. Es imponente el contemplar la simetría o asimetría de una flor o de un árbol. El color, su forma, su textura que tienen su origen en la fotosíntesis, así como los procesos de mirar la lluvia, el movimiento de las ramas y las hojas debido a los vientos, se constituyen en ejercicios de observación que potencian la mirada cada vez más consciente y selectiva.

La ciudad es un ámbito de comunicación fundamental para entender los problemas que nos plantea la contemporaneidad, es un objeto de interpretación, lugar de la diversidad, del encuentro entre el espacio público y el espacio privado. Es un fenómeno espacial donde interactúan los sujetos de una colectividad, que tienen como funciones conocer y reconocer su espacio, palparlo como territorio, como sitio comunicacional, como escenario plural. El hombre contemporáneo está sujeto a los cambios del entorno. El cambio climático, el aumento poblacional y de insumos requeridos, afectan el espacio en el cual el hombre se desenvuelve y habita.

Los paisajes tradicionales urbanos están perdiendo los niveles de confort y de calidad de vida para sus habitantes, dado que las condiciones ambientales locales están presentando alteraciones causadas por la contaminación del aire, el agua, el suelo, la pérdida de la biodiversidad, disminución de la fijación de CO2, aumento de carga pluvial, la pérdida de espacios verdes, entre otros, que hoy hacen ver a las ciudades como sistemas grises. Ya no se trata sólo de lograr calidad de vida sino de mantenerla en el tiempo. La búsqueda de equilibrio ambiental urbano ha estado mediada e interpretada subjetivamente por cada disciplina que ha reflexionado sobre él. La antropización del territorio, la modificación de paisaje natural a paisaje urbano, ha impactado la totalidad de los elementos tangibles e intangibles que componen la calidad de vida.

Dentro de la línea de investigación Arquitectura Verde se propone el desarrollo de prototipos del concepto de Techo Verde como solución a problemas en paisajes urbanos. Los Techos Verdes presentan muchos beneficios ambientales: contribuyen a la producción de oxígeno, remueven partículas contaminantes del aire, disminuyen el efecto invernadero al captar las plantas grandes cantidades de CO2. Retienen agua lluvia, aumentan la biodiversidad de insectos benéficos y de pequeñas aves, mejoran el paisaje de la ciudad, disminuyen el efecto de isla térmica e impactan positivamente a las comunidades.

El componente tecnológico de la propuesta de Techos Verdes, en el contexto de lo Micro/Macro, plantea un recorrido desde las estructuras de los cuerpos vegetales que tradicionalmente observamos en la escala macroscópica hasta alcanzar los menores niveles en los cuales es posible visualizar estructuras ordenadas y que corresponden a la celulosa nanométrica (una billonésima parte de un metro). Aunque este ordenamiento puede ser evidenciado tanto en plantas como en árboles, en este apartado se realiza a partir de residuos generados por la agroindustria de banano y plátano como son los vástagos o raquis de dichas plantas que incluso pueden ser empleados como materiales para el desarrollo de elementos no estructurales al interior de las viviendas y como manto fértil que contribuye con el mejoramiento de las condiciones ambientales propiciadas por la presencia de Techos Verdes.

El concepto interactivo asociado a Arquitectura Verde se refiere específicamente a que se espera que las estructuras desarrolladas dispongan de los recursos tecnológico que permitan conformar un sistema urbano de medición ambiental.
 

El proyecto Arquitectura Verde Interactiva desarrolla el componente cultural + paisajístico + humano como eje trasversal de todo el proceso revalorando desde el campo antropológico, social, arquitectónico y estético los conceptos de ciudad y espacio público, paisaje rural y urbano, territorio y memoria y poéticas del paisaje, como ejes temáticos que son abordados en la investigación y para ello referencia a los artistas que marcan una plataforma de discusión conceptual, ambiental y formal en la vinculación de paisaje, naturaleza y ciudad:

• Proyecto del artista alemán Joseph Beuys: 7,000 robles, 1982.
• Natalie Jermijenko, artista y científica norteamericana, con sus proyectos ambientales: One Trees 2003 y Urban Space Station, 2008, y
• el proyecto del artista colombiano Hugo Zapata: Sendero, 1991.

Arquitectura Verde Interactiva, BIAU21010. Nota en Televisión

ORIGINAL: SmartGreenUrbanism

Los Investigadores de la Universidad Pontificia Bolivariana, la Arquitecta Clara Duque y el Ingeniero Robin Zuluaga hacen sus comentarios sobre el propósito de la exhibición del proyecto "Arquitectura Verde Interactiva" realizado por el equipo interdisciplinario conformado por el Grupo Mente Nómada y la Universidad Pontificia Bolivariana y que hace parte de la muestra de la Bienal Interamericana de Arquitectura y Urbanismo 2010 en Medellin.

El guión museográfico y su realización estuvieron a cargo de la Museóloga Lucrecia Piedrahíta

SEAQUENCE: Ecosistema musical

ORIGINAL: Seaquence

Seaquence es una experimentación musical en una placa de Petri (virtual) creada por Ryan Alexander, Dunne Gabriel y Daniel Massey. Con la adopción de una metáfora biológica, Seaquence le permite crear y combinar formas de vida musical en composiciones dinámicas.

La forma en que cada forma de vida se ve y suena está determinada por el patrón de paso secuenciador de crear, y otros parámetros que puede modificar incluso su forma de onda de audio, octava, la melodía, sobre, volumen, y mucho más. Las composiciones pueden ser salvados por la creación de un simple enlace, que puede ser compartido con otros.

Seaquence Demo from Daniel Massey on Vimeo.

Creado en colaboración con Gray Area Foundation for the Arts

Créditos

Creado por

Ryan Alexander

Gabriel Dunne

Daniel Massey

En colaboration con

Gray Area Foundation for the Arts

Contacto

ping@seaquence.org

Pruébalo aquí http://seaquence.org

La Imagen y sus Efectos

ORIGINAL: Arteria Nº25

Por Lucrecia Piedrahíta

Imagen: Ethel Gilmour. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín

Geoimaginación

El arte conlleva una categoría experiencial. La obra de Ethel Gilmour expuesta en el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) permite reconstruir un diario íntimo en donde la artista ofrece la iconografía de lo privado resuelto en sus objetos domésticos cargados de recuerdos, en la observación precisa sobre sus emociones, en la persistencia por las imágenes irrevocables de la política y en la singularidad poética con que vivió y comunicó la realidad.

La obra de esta artista constituye un manifiesto sobre la invención de lo cotidiano1. Es Michel de Certeau quien contribuye a construir una teoría del consumo y una teoría de la vida cotidiana y, es en la pintura y en los objetos desarrollados por Ethel Gilmour en donde se evidencian las dimensiones de la cotidianidad: la dimensión pública, la dimensión doméstica, la dimensión familiar y la dimensión tecnológica… “todas ellas atravesadas por procesos de rutinización y de memoria sin los cuales la cotidianidad no tendría existencia”2.

Imagen: Ethel Gilmour. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín

La exposición ‘Flores para Ethel Gilmour. Homenaje’3, que se realiza como parte del proyecto de investigación del Grupo Estudios Culturales de la Universidad EAFIT titulado ‘La obra de Ethel Gilmour y sus públicos’ permite levantar un mapa de visualidades éticas. La producción de la artista está constituida de duelos por el dolor del –otro-, de irrupciones estéticas encontradas en los gestos mínimos de una señora de pueblo y su vida en medio de los paisajes rurales, en la poética inscrita en el objeto encontrado o recuperado, en sus recuerdos escritos en pintura para definir así la imagen como un escenario de reflexión, para hacer pensar visualmente al espectador y llevarlo a un ejercicio de opinión pública porque por entre su obra, Ethel Gilmour nos hace andar sobre imágenes acústicas, planimétricas, profundas, rotundas, enclavadas en la memoria colectiva y política de la historia reciente del país y así nunca pasar inadvertidos.

Ethel Gilmour afirmó: “Matisse no puede pintar en ninguna parte de la tierra” y ella, la mujer que sólo pintó en el cielo, fue una investigadora minuciosa de las prácticas cotidianas. Parafraseando a Jesús Galindo, “El reto básico de la investigación es la creatividad, la capacidad de configurar posibilidades a partir de posibilidades… El investigador es un creador altamente reflexivo, un observador que nunca pierde detalle de lo que le sucede a su interior y de lo que acontece en su exterior”4.

Su obra propone desde las subjetividades y este es precisamente el espacio de las micropolíticas cuyo lema es: lo personal es lo político. Relaciones familiares, identidades locales, consciencia sobre su propia cotidianidad, son características presentes en la producción plástica de esta artista que levantó sus cartografías para identificar territorios en donde tuviera cabida un contramapa de la geopolítica a partir de las micropolíticas para llegar al tránsito de la imaginación, entendida esta última, en términos de Hannah Arendt, como la facultad de hacer presente aquello que está ausente. Tanto Arendt como Kant plantean una interpretación de la imaginación como facultad política, es decir, la imaginación es el puente entre la estética y la ética. (…) “la imaginación es la facultad de tener intuiciones sin la presencia del objeto”. Es “la condición de la memoria”. De ahí el concepto que acuño de la geoimaginación al referenciarla temporal y espacialmente para otorgarle sus múltiples sentidos y de materializarla como facultad que tiene de dar cuerpo a lo que está ausente.

Por ello la geoimaginación es un aporte definitivo a la imagen en el arte de Ethel Gilmour cuya obra es una mirada al mundo mismo, un ensayo visual que recoge las locaciones de su intimidad.

Taxonomía visual

En la Sala de Arte de Suramericana se expone la 7ª Bienal. 21 Salón Colombiano de Fotografía 20105. En esta muestra, las obras de Camilo Restrepo, Andrés Sierra, Lina María Vélez yNora Elena Múnera constituyen un ejercicio de taxonomía visual. En sus fotografías la obra de arte aparece como un pensamiento actual desde el proceso creativo del artista, desde el análisis formal de la obra y desde “las alternativas de atención”6, modos que involucran lo reflexivo, lo interpretativo, lo analítico y lo meramente visual.

Imagen: Lina Ma. Vélez. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín

“Dos Duelos”, de Lina María Vélez plantea una relación binaria entre maquetas y juegos de escala a través del manejo de la fotografía en segundo plano que remite a la memoria, a la temporalidad y a la ubicación en primer plano de maquetas para buscar soluciones visuales en la representación de los tiempos, en la simultaneidad que ofrece la cámara cinematográfica, en la mirada que se desplaza.

Camilo Restrepo con su obra ‘Esto es una pipa’ se instala en la producción de significados para reabrir fronteras a la imagen que es en sí misma verosimilitud, engaño, ficción, modelo de maquetación y a su vez realidad objetivable escenificada en un fondo vacío para otorgarle validez documental y subrayar una mirada aguda a sus objetosretratos.

Imagen: Nora Múnera. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín

Nora Elena Múnera nos ofrece la arquitectura como paisaje al fotografiar lugares amplios y desolados que adquieren espesor sensorial y perceptivo a través de la mirada.

La casa se instala en un plano central y retorna de manera fantasmal para reconvertirse –visualmente- en una maqueta proyectual de lo real.

Imagen: Andrés Sierra. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín

Andrés Sierra Siegert presenta dos series. Un tríptico de narración polivalente en donde el retrato doble está presente en los fragmentos de un cuerpo que aparece en planos secuenciales y la presencia constante del retrato que se asocia al documento de identidad adherido a la pared que observa con desdén su propio cuerpo mutilado. El resultado es una –naturaleza muerta- cuya emergencia estética está cargada de potencia conceptual y formal. Así mismo presenta una orgía de retratos colectivos dibujados y desdibujados por la luz en donde ésta no redime la miseria contenida en la mirada de quienes son protagonistas de folios precarios que determinan su existencia.

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1. Parafraseando la obra de Michel de Certeau. Michel de Certeau, Luce Girad y Pierre Mayol, La invención de lo cotidiano. En Relecturas de Michel de Certeau, Carmen Rico de Sotelo, coordinación e introducción. En La puesta en relato de lo cotidiano, Por Mónica Maronna – Rosario Sánchez Vilela.
   Universidad iberoamericana. Universidad Católica de Uruguay, Pontificia Universidad Javeriana – Instituto de Estudios Sociales y Culturales PENSAR.
   Universidad Iberoamericana, A.C. 2006 Págs. 9-126
2. La puesta en relato de lo cotidiano, Mónica Maronna – Rosario Sánchez Vilela. Universidad iberoamericana. Universidad Católica de Uruguay. Investigación, aún en curso, se desarrolla en el Programa de Investigación Medios y Vida Cotidiana, en la Universidad Católica de Uruguay. 2006 Págs. 9-126. En Relecturas de Michel de Certeau, Carmen Rico de Sotelo, coordinación e introducción. Universidad iberoamericana. Universidad Católica de Uruguay, Pontificia Universidad Javeriana – Instituto de Estudios Sociales y Culturales PENSAR. Universidad Iberoamericana, A.C. 2006 Págs. 9-126
3. La exposición ‘Flores para Ethel Gilmour. Homenaje’. 18 de agosto - 31 de octubre de 2010. Lugar: MAMM
4. [2]. Galindo, Jesús. Técnicas de investigación en sociedad, cultura y comunicación. Consejo Nacional para las Artes. Addison Wesley Logma. México, 1998. Pág. 11.
5. 7ª Bienal. 21 Salón Colombiano de Fotografía. Exposición del 3 al 28 de agosto. Sala Suramericana. Medellín
6. Ver Galindo, Jesús. Técnicas de investigación en sociedad, cultura y comunicación. Consejo Nacional para las Artes. Addison Wesley Logman. México, 1998.

Blogs culturales en Europa por Annette Wolfsberger

ORIGINAL: LabForCulture

Nueva publicación: "Cultural Bloggers Interviewed"

Los blogs culturales (aún) no son una categoría bien conocida en la blogosfera y LabforCulture quería saber más. ¿Quién bloguea? ¿Sobre qué? ¿El interés de qué públicos y comunidades captan? ¿Cuáles son sus modelos económicos y cómo son de sostenibles? Éstas son algunas de las preguntas que se estudian en la nueva publicación Cultural Bloggers Interviewed.

Con Annette Wolfsberger, exploramos el escenario de los blogs culturales en una serie de entrevistas a nueve blogueros europeos de renombre: Anne Helmond, Robert Misik, Alek Tarkowski, Marta Peirano y José de Vicente, Alessandro Ludovico y Régine de Batty.

Durante el 2009 se entrevistó a los blogueros y se les retó a responder preguntas sobre su motivación, sus modelos de negocio y las oportunidades que les han abierto sus blogs. Esta publicación, que empieza con una estimulante introducción sobre el papel de los blogs del periodista de Guardian y la bloguera Mercedes Bunz, es indispensable para cualquier persona interesada en el futuro papel de los autores de blogs culturales y de la publicación en línea.

Entrevista: Régine Debatty, we-make-money-not-art

“Los blogueros (...) no disfrutan necesariamente del mismo reconocimiento y privilegios que los periodistas..”

Régine Debatty, fundadora del muy influyente blog we-make-money-not-art.com, recibe el apodo de “Reina de los blogueros”. Escribe con pasión sobre la intersección entre arte, diseño y tecnología; es comisaria de eventos artísticos, y habla en congresos así como festivales sobre la forma en la que los artistas, hackers y diseñadores interactivos utilizan –y malutilizan– la tecnología. En LabforCulture habla sobre cómo elige lo que entra en su blog, su modelo económico (o la ausencia del mismo) y cómo siente que su blog forma tanto parte de ella que es como un brazo o un pulmón...

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Entrevista: Alessandro Ludovico, Neural

“Al principio lo impreso era lo que mandaba y lo que se hacía en línea, accesorio. Ahora exactamente lo contrario.”

LabforCulture entrevista al crítico media italiano Alessandro Ludovico, que edita la revista en línea y fuera de línea de arte multimedia Neural. Alessandro empezó a publicar Neural en versión impresa en 1993, cuando la cultura digital aún estaba en sus inicios. Actualmente Neural se distribuye por todo el mundo en su encarnación impresa y la página web de Neural se ha convertido en un enorme recurso en línea de temas culturales seguido por miles de lectores. Alessandro habla sobre cómo la relación entre publicar en línea y fuera de línea ha cambiado en los últimos 16 años y sobre cómo Neural ha conseguido sobrevivir donde otras aventuras han fracasado.

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Entrevista con los dos cofundadores de Elastico

"Twitter es más como una charla de café, bloguear como un periódico."

LabforCulture habla con los blogueros culturales españoles Marta Peirano y José Luis de Vicente, decisivos en el lanzamiento del influyente blog colectivo español ELASTICO en 2003. En un momento en el que la blogosfera aún está dando sus primeros pasos en España, los escritores de ELASTICO empezaron a bloguear sobre derechos digitales y copyleft, arte digital, juegos de vídeo y multimedia.

Actualmente, los cuatro escritores fundadores han pasado a tener influencia en la escena cultural por derecho propio, por lo que actualizan su blog colectivo menos a menudo ya que lo utilizan como depósito para ensayos largos y elementos para la reflexión. Así, pues, ahora que tienen menos tiempo, han dirigido su atención hacia Twitter o Facebook con el fin de publicar mensajes cortos y actualizaciones.

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Entrevista: Robert Misik

Necesitas tener tu estilo realmente propio. Sino, te ahogas en la blogosfera.

LabforCulture entrevista al videobloguero austriaco Robert Misik residente en Austria. Misik, de 43 años y famoso en este país por su trabajo como periodista de prensa escrita, empezó su blog como un archivo en línea para sus artículos periodísticos. Hace unos 18 meses, se convirtió en el primer periodista austriaco en publicar un videoblog semanal, que puede visitarse en la página web del periódico austriaco Der Standard. Misik cree que bloguear es una vía extraordinaria para que puedan oírse las voces de nuevos escritores.

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Entrevista: Anne Helmond

“Creo que mucho de lo que se comentaba o muchas de las conversaciones han pasado de los blogs a otras plataformas como Twitter y FriendFeed.”

LabforCulture habla con la 'hard bloggin’ scientist' Anne Helmond, que escribe un blog de investigación sobre nuevos medios desde su posición privilegiada como New Media Lecturer de la Universidad de Ámsterdam. Anne revela cómo empezó a bloguear cuando era estudiante de máster y utilizó su blog como archivo de investigación, así como para plataforma para sus opiniones. Aunque Twitter está empezando a suplantar algunos aspectos de los blogs, Anne piensa que los blogs tienen un papel vital en el sector cultural y cree que los blogueros tendrían que ser vistos como periodistas con unos conocimientos distintos.

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Entrevista: Marco Mancuso, Digicult

“Considero que bloguear o el periodismo y la crítica en la web son el presente y el futuro (…) una de las voces más importantes de sector cultural.”

LabforCulture habla con el crítico, comisario de arte y periodista instalado en Italia Marco Mancuso, especialista en arte y cultura digitales. Marco es el fundador y director de Digicult, un canal de comunicación múltiple sobre arte y cultura digitales que incluye un canal de noticias, una revista en línea mensual, un podcast audiovisual y una agencia de arte. Más de 40 periodistas, artistas, comisarios de arte y críticos contribuyen de forma voluntaria a Digicult, lo cual hace que los costes de funcionamiento del proyecto sean extremadamente bajos. Marco revela que esto es crucial para el funcionamiento de Digicult, que no tiene ningún tipo de financiación externa. Marco también comparte los secretos de su exitosa estrategia de marketing para atraer a más visitantes, desde listados para mailings a búsquedas en Google o networking social.

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Entrevista: Alek Tarkowski, Kultura 2.0

“...si hay debate, casi siempre tiene lugar en los comentarios, y no entre blogs.”

En la tercera entrega de entrevistas semanales de LabforCulture sobre blogs culturales, preguntamos al experto en nuevos medios residente en Polonia Alek Tarkowski sobre su blog de prácticas culturales relacionadas con los nuevos medios. Alek escribe Kultura 2.0 desde 2006, cuando coorganizó un congreso con el mismo nombre que exploraba la cultura en la era de la Web 2.0. Lean la entrevista de Alek para descubrir cómo utiliza su blog para introducir nuevos temas en el debate cultural debate en Polonia.

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Entrevista: Michelle Kasprzak, Curating.info

“Bloguear es una forma excelente de establecer distintas corrientes de discurso. Ya no hay sólo críticas de arte en los periódicos.”

En la segunda de las entrevistas semanales de LabforCulture sobre blogs culturales, conocimos a la artista y comisaria Michelle Kasprzak, que vive en Escocia. Desde 2006, Michelle ha estado publicando sus opiniones sobre el papel de los comisarios en el arte contemporáneo en su blog, Curating.info. En esta entrevista a fondo, Michelle explica cómo nació su blog, cómo se las arregla para combinar su blog con su trabajo cotidiano en el Scottish Arts Council, y cómo ha empezado a promocionar su blog utilizando Facebook y Google AdWords.

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Entrevista: Claire Welsby, InterventTech.net

“Creo que bloguear es importante si tienes algo que decir que no se ha dicho.”

Lanzamos la serie con una entrevista con Claire Welsby, creadora y principal contribuidora de InterventTech.net. Claire tiene estudios en Historia del Arte Contemporáneo y es productora digital en Kew.

InterventTech.net se creó en 2007 como plataforma para el movimiento artístico y tecnológico del Reino Unido. En esta entrevista, Claire explica por qué creó este sito web; las dificultades de establecer una comunidad de usuarios activa y leal, y cómo alcanzar más visitantes, aunque actualmente los blogs culturales siguen siendo un nicho de mercado para muchos visitantes. Claire también explica cómo elige los temas de los blogs y varias formas de conseguir financiación.

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