lunes 6 de febrero de 2012

El Colombiano, cien años de “Comunicación, opinión pública y cultura política”



febrero 5, 2012 7:10 pm 
Letras Arte y curaduría, La Historia del Arte todos los dias, Mirada Crítica, Prácticas Artísticas Contemporáneas 

Celebramos todos el centenario de El Colombiano y para ello, desde Letras Anónimas, rindo un homenaje reflexionando a partir de un texto fundamental de Jesús Martín-Barbero. Este es mi análisis.   

Comunicación, opinión pública y cultura política[1]
Des-figuraciones de la política y nuevas figuras de lo público[2]

La esfera pública entre la opinión y la publicidad
La opinión pública como escenario es una metáfora que lleva a pensar en un espacio específico, la vida política, lleno de contradicciones. Así lo advierte Jesús Martín-Barbero al explicar que en ese espacio “convergen la racionalidad de las encuestas, sus cálculos de probabilidad, con los más diversos intereses y las artimañas de los sondeos de toda laya, a toda hora, desde todos los medios”[3].

Agrega que allí confluyen también restos de ideologías y convicciones de los militantes de partido “con las emociones, sentimientos y posiciones que los medios buscan suscitar en las audiencias”[4].

El autor intenta demostrar cómo hoy el concepto de opinión pública, definido de diversas maneras a través del tiempo, no es más que un elemento de la vida social manipulado por los medios de comunicación.

El autor, citando a Jean Baudrillard, recoge sus opiniones sobre la capacidad de opinión y representación de las masas – “ni son representables ni capaces de expresión sino sólo sondeables”[5] – para tocar el tema que considera de fondo: ¿Puede la opinión pública sobrevivir al vaciado simbólico de la política y a su incapacidad de convocar, interpelar/construir sujetos sociales? Para responder a esta pregunta, Martín-Barbero recurre a Jürgen Habermas para mostrar la evolución del concepto de opinión pública.

Habermas, en su libro Historia y crítica de la opinión pública[6], cuenta que la esfera pública burguesa es una instancia “mediante la cual el interés público de la esfera privada en la sociedad burguesa deja de ser percibido exclusivamente por la autoridad y comienza a ser tomado en consideración como algo propio por los súbditos”[7]. No obstante, quienes ejercían ese derecho eran aquellas personas que tenían educación y poseían propiedades.

Esta situación cambia un siglo después con la aparición de la masa urbana y la modernización de la prensa, ambas transformaciones mediadas por la refinación de la publicidad, tanto en el ámbito comercial como en el político.

Aparece entonces el concepto de opinión pública, no ya como una acción que se oponía a la práctica del secreto propia de los Estados absolutistas sino como principio de la crítica como derecho del público a debatir las decisiones políticas, esto es, el diálogo ciudadano.

Esta consideración redefine el concepto de opinión pública y la convierte en un espacio de articulación entre la sociedad civil y la sociedad política.

A juicio de Martín-Barbero, es Gabriel Tarde quien ubica a la opinión pública en el ámbito de la comunicación al analizar el cruce de la transformación de las creencias en opiniones públicas y el desarrollo del medio en que ésta se expresa: la prensa.

Carente de aquellos poderes que en el pasado representan el Estado, la Iglesia y los partidos políticos, lo público se identifica más con lo escenificado en los medios y el público con sus audiencias.

Concluye Martín-Barbero que “la opinión pública que los medios fabrican con las encuestas y sondeos tiene así cada vez menos debate y crítica ciudadana y más de simulacro”[8].

¿A qué conduce todo esto? A la desconfiguración de la política, pues ante el vacío social de la representación, se impondrá el discurso político que proponen la televisión y la publicidad, con los efectos que ello pueda tener en el tejido social.

Cambios en el tejido cultural y comunicacional de la política
Martín-Barbero replantea las relaciones entre comunicación y política a partir de las que considera las dos transformaciones socioculturales de mayor calado en la actualidad: los procesos de des-encantamiento del mundo que hoy culminan con la globalización, y la desestabilización del sentido del trabajo.

2.1.        La política en un mundo social desencantado

En un mundo globalizado, donde la racionalización y la administración se unen para enfrentar las expresiones sociales, es lógico que el discurso político y su vehiculización mediática se transformen de tal manera que pierdan sentido.

A propósito de mi Maestría en Teoría Crítica, en Ciudad de México, les comparto este interesante texto. Sobre 17 (en) obra* – Marcela Quiroz Luna

ORIGINAL: Letras Anónimas - LUCRECIA PIEDRAHÍTA


enero 29, 2012 Letras Arte y curaduría, La Historia del Arte todos los dias, Mirada Crítica, 

Hace poco regresé de Ciudad de México donde asistía a mi segundo año de Maestría en Teoría Crítica. Allí tuve la oportunidad de conocer personalmente a Marcela Quiroz, ya doctorada en Teoría Crítica y a quien invité al Homenaje que preparo desde el AUDITORIUM MAXIMUM para John Cage. 
Les comparto este interesante artículo y bello manejo de la escritura, autoría de esta destacada crítica y curadora que presentó en nuestro período de Coloquio en el D.F. 

*Ponencia presentada por Marcela Quiroz Luna en el marco del XII coloquio de 17, Instituto de Estudios Críticos  Casa Refugio Ciltlatépetl | México DF, enero 2012 |  imágenes: cortesía del artista


“…y si, para que algo pase, hiciera yo una promesa?” Roland Barthes. Fragmentos de un discurso amoroso

 La sola intención por pensar en 17 como se aproxima uno a una obra, supondría, por principio, colocar en el arte una importante apuesta de esperanza. Esa misma esperanza por la que Theodor W. Adorno –a pesar de creer, en alguna devastada medida, que efectivamente después de Auschwitz era ya imposible escribir poesía– continuó, sin embargo, escribiendo sobre los acordes fundantes de Beethoven y las palabras desiertas de Celan.

Intuyo así que aquella urgencia –acaso aún más íntima que ‘institucional’– que me entregó en las manos Benjamín Mayer una tarde hace no muchos jueves, apelaba a esa misma y precisa esperanza –radical hasta la médula– que finca en el arte su último y definitivo bastión. Esa tarde, a diez años de historia del 17, Instituto de Estudios Críticos, su fundador hablaba (utilizando conceptos derivados del mundo de la música, respondiendo a su formación/pasión como jazzista) [hablaba] de la necesidad de reconocer ese acorde compartido que, aún cuando silencioso o ensordecido, anima el encuentro entre una obra y su creador. Ese acorde que él mismo hace más de una década concibió como una ‘máquina productora de silencio’ consumada en el tenderse de sí como lazo social.[1] Una máquina –nunca solo individual– ejercitándose en la aventura inter e intra-disciplinar preocupada (es decir, de antemano ocupada por atender ese lugar-en-escucha al cuerpo del otro, el par); preocupada por poner en marcha una discursividad situada al cruce de los caminos académico, cultural y psicoanalítico.



Para iniciar, entendamos al creador no sólo como aquel que ‘factura’ sino también aquel que recibe la obra –y en este sentido es co-partícipe de su creación. Ello nos permitirá entender la obra de arte sobre una temporalidad potenciada ad infinitum que, como ciertos textos ‘escribibles’ –siguiendo a Roland Barthes– conforman y confirman su existencia en activo solamente si acontecen al encuentro con su lector. Así, para seguir las intenciones argumentales de este escrito, entendámonos también como (co)creadores de la obra que hoy es 17; es decir, en tanto nuestra presencia entre sus apuestas ha dejado ya su huella al tiempo del intercambio intelectual y por tanto nos destina creadores-en-compañía, colindancia, confidencia, confabulación y complicidad.

Volvamos así a la búsqueda de ese acorde que con esclarecida intuición me remitió a una suerte de ‘aura’ (siguiendo a Walter Benjamin) detrás de las palabras de Benjamín Mayer conforme ansiaba explicar(me)(se) la naturaleza del encuentro que incansablemente busca ofrecer 17, fincando sus anhelos en la experiencia de compenetración profunda que sucede dentro de quien dispone no sólo su tiempo sino por completo su cuerpo para recibir una obra de arte. Diez años después de fundado 17, quienes lo hemos ido conformando sabemos bien que no es sino en la apuesta radical que involucra la entrega del cuerpo entero, ‘dónde’, cómo y cuando sucede en potencia su ‘obrar virtual’. Ante la propuesta que habría de germinar en estas letras, comprendí que sobre los ejemplos, anécdotas, memorias y planes que entonces me compartía Benjamín, lo que en realidad me entregó esa tarde para poder contar (en cuento y entre cifras) el valor de 17, fue el ‘aura’ de un tiempo creativo (des)andado una y mil veces. Escuchándolo comprendí que el aura que emana la historia temporal de 17, precisa ante todo de cuerpos (como historias) a los cuales enamorar y hacerse en ellos como un juego de variables infinitas que hoy afirmaremos convoca a 17 (en) obra.

jueves 2 de febrero de 2012

Dibujos en la arena: la obra de Jim Denevan

ORIGINAL: Jim  Denevan - Texto: PijamaSurf

Lo que más disfruta el talentoso Jim Denevan, después de montar olas con su tabla, es trazar espectaculares dibujos en la arena que manifiestan discursos geométricos.

dubujos gigantes sobre la arena en la playa

Jim Denevan es un buen surfer, lleva ya varios años montando las olas del norte de California. Sin embargo, su mayor talento, a pesar de estar íntimamente relacionado con el mar, no se manifiesta sobre su tabla, sino sobre la arena en la playa, que Denevan transforma, cuando hay marea baja, en un gigantesco lienzo.

Equipado con trozos de madera que el mar arroja a tierra, Denevan realiza trazos que terminan por desdoblarse en una especie de increíbles mapas geométricos. Algo notable de la obra de Denevan es su relación con dos conceptos fundamentales para distintas corrientes artísticas.

  • Por un lado lo sustentable: sobra decir que su trabajo es 100% orgánico. 
  • Y el otro aspecto, aún más admirable, es la impermanencia: a pesar de que cada pieza le toma un gran cantidad de horas, Jim sabe que su trabajo esta completamente expuesto a elementos como la marea o el viento. 

Lo anterior de algún modo recuerda la obra de los monjes budistas, que luego de pasar días creando complejos mandalas con arena de colores, cuando han terminado y luego de rezar, barren su obra para siempre. 

Durante los últimos 17 años Jim ha realizado cientos de trazos sobre playas, principalmente, de su natal California, pero también ha llevado su obra a una decena de países alrededor el mundo. Así que si algún día te llegas a encontrar con sus inconfundibles dibujos sobre la arena, te recomendamos que te sientes a disfrutarlos, ya que la próxima marea podría diluirlos en un instante.

viernes 20 de enero de 2012

Formas de arte de la Naturaleza - La colección de Ernst Haeckel

ORIGINAL: Kuriositas

Crédito de la imagen del usuario de Flickr Rutger_vos 
Ernst Haeckel - filósofo, profesor, médico, naturalista, biólogo y artista. El pináculo de su trabajo - Formas de Arte de la Naturaleza - comenzó a publicarse en 1899 y sigue siendo un record asombroso de la vida en la tierra. Cuando el arte y ciencia se combinan, algo sublime puede llegar a pasar.

Crédito de la imagen del usuario de Flickr Rutger_vos 
Ciencia y el arte - una brecha, algunos podrían decir que es un abismo, siempre ha existido entre ambos. Luego de vez en cuando, sólo de vez en cuando, aparece alguien que intenta (y logra) para cerrar la brecha entre los dos. Así fue con el alemán Ernst Haeckel. En 1899 comenzó a publicar las Formas de Arte de la Naturaleza (Kunstformen der Natur en su alemán nativo). Un contemporáneo de Darwin, Haeckel que, a través de sus litografías, cambiar la forma en que muchos consideran la relación entre el arte y la ciencia.

Crédito de la imagen de Wikimedia
Haeckel produjo ilustraciones que la gente pueda tomar y comprender, las imágenes que brillaban con el color y llevó lo exótico y remoto a las bibliotecas del mundo. En realidad, no había habido nada antes de estas extraordinarias impresiones. Ellas fueron la culminación de décadas de trabajos de Haeckel, contemporáneo de Darwin y él hizo mucho para popularizar la obra del naturalista Inglés - aunque sus ideas se modificaron en varios puntos importantes, como más adelante se descubre. La anterior es la placa 89a de  Formas de Arte de la Naturaleza y muestra una gran variedad de especies de tortugas. Desde el laúd en la parte superior izquierda a la tortuga mordedora común (abajo a la derecha), Haeckel los captura maravillosamente. Esto no fue un intento de realismo fotográfico, sin embargo. Note cómo el mar y la tierra (sin problemas) se funden en la imagen. En sus imágenes logró, sin embargo, que encerraran su sentido del orden.
Crédito de la imagen de Wikimedia

miércoles 18 de enero de 2012

Esculturas de Nathalie Miebach, bandas sonoras para tormentas

ORIGINAL: BrainPickings
por Maria Popova


¿Qué tiene que ver el mal tiempo con "Stormy Weather" y la polinización cruzada entre la poesía y la precisión?

Las visualizaciones de música, la generación creativa de notación y el arte a partir de datos físicos son todos temas recurrentes aquí en Brain Pickings. Naturalmente, el trabajo de la artista Nathalie Miebach con sede en Boston, es uno de los cultivos de este año de extraordinaria becarios TED Global, es un favorito instantáneo. Miebach traduce el clima y los datos sobre el cambio climático de las ciudades en las partituras musicales, que luego se traduce en esculturas vibrantes, caprichosa y los utiliza como base para la colaboración con músicos en un amplio espectro de estilos y géneros.

La notación musical me permite de una manera más matizada la traducción de la información sin comprometer la misma. "Ella utiliza estas calificaciones para colaborar con los músicos en un amplio espectro de estilos y géneros." ~ Nathalie Miebach

Tiempo externo, tormentas internas
Reed, metal, madera, los datos | 2009
Boya musical en la búsqueda hacia una nueva orilla
(Dedicado a Melvin Maddocks)

Madera, datos, caña | 2009



Notación 3D Musical del paso del huracán Noel por el Golfo de Maine, noviembre 6 hasta 8, 2007. Los datos meteorológicos provienen de dos estaciones meteorológicas en Hyannis, MA y Natashquan, Quebec, así como una boya anclada mar adentro en el Banco de George en el Golfo de Maine. Los datos traducidos incluyen viento, temperatura del aire, presión barométrica, altura de las olas, nubes, datos históricos de huracanes y el azimut solar.
Cada escultura no sólo despliega mapas meteorológicos de un determinado tiempo y lugar, sino que también es una partitura musical completamente funcional para ser tocada e interpretada por musicos en instrumentos tan variados como el piano, trompa y guitarra electrica. Usted puede escuchar y descargar las canciones que resulta en el sitio de Miebach.

Ella se está volviendo fuerte,
9'x9'x1 "papel, madera, datos de 2011
Esta pieza es una partitura musical que sigue los caminos del huracán Grace y de la tormenta de Halloween, que juntos crearon la 'tormenta perfecta'.

Miebach utiliza técnicas de cestería y materiales para interpretar los datos en un espacio tridimensional, con la óptica del arte y la artesanía para mirar con ojos nuevos científicos y recoger nuevos conocimientos.
Praderas urbano El tiempo - Estudios Sinfónica de D .
16'x15'x15 ", caña, madera, datos de 2009
Praderas urbano El tiempo se basa en datos recogidos en Omaha, Nebraska, durante un período de 2 meses (mayo / junio de 2008), mientras que yo era un artista en residencia en el Centro de Arte Contemporáneo Bemis. Elegí traducir los datos que recogí en el formato de una orquesta como una forma de articular con mayor veracidad la forma un tanto peculiar que obtenía sentido de mis observaciones meteorológicas diarias. Al igual que cada instrumento en una sinfonía juega parte de la partitura, cada escultura y la pieza de la pared dice parte de la historia, con la totalidad de la pieza de unión a través de los grandes patrones de comportamiento que emergen lentamente a lo largo del tiempo. El espacio de la pared utiliza el rectángulo como varía mapas de Nebraska o de los centros urbanos de Nebraska.

Lo que me gusta de este trabajo es que desafía nuestra hipótesis sobre el tipo de vocabulario visual pertenece en el arte contra la ciencia. "~ Nathalie Miebach

En conjunto, las esculturas Miebach a explorar la intersección fascinante de arte y la ciencia - otro tema recurrente aquí - con la poesía a partes iguales y precisión, por lo que la ciencia sea más accesible y el arte más cerebral - el pináculo de la polinización cruzada de las disciplinas en el corazón de Pickings cerebro.

Arte Bacterial por Fernan Federici

ORIGINAL: HuffingtonPost


Las bacterias crecen por división en el medio, su población duplicada en un tamaño tan rápido como cada veinte minutos. En unas pocas horas, un cultivo de bacterias puede ir desde una simple célula a miles de millones, y de ser invisible para el ojo humano a la formación de densas colonias en una placa de Petri, a veces centímetros de diámetro. Estas colonias pueden ser pequeños montículos circulares relativamente monótonos, enjambres que forman las ondas de bordes irregulares, o patrones fractal ramificada [PDF].


Crecimiento fractal de B. subtilis, de Fujikawa y Matsushita, Revista de la Sociedad de Física de Japón, 1989.

Estas colonias fractal se forman por la bacteria Bacillus subtilis el suelo, formando diferentes formas dependiendo de las condiciones de la placa de Petri, la presencia de nutrientes y la humedad. Dependiendo de estas condiciones externas y las reglas de cómo las células crecen y responder después de chocar entre sí, pueden surgir patrones sorprendentes.

Fernán Federici, un investigador en el Laboratorio de Haseloff la Universidad de Cambridge y uno de los residentes sintética estética, los estudios de cómo las células crecen y se desarrollan en formas complejas y estructuras. Mediante microscopía confocal, que sigue el crecimiento de las células y los tejidos de plantas, la creación de modelos de cómo se forman estructuras celulares y bellas imágenes, entre ellos dos ganadores de los Premios Imagen Wellcom en 2011.


Imágenes Galardonadas por Fernan Federici

En colaboración con el científico informático Tim Rudge, Fernan también estudia cómo los patrones se forman en las colonias de B. subtilis y biofilms, con el objetivo de finalmente ser capaz de modificar las reglas de cómo estas células interactúan para diseñar los nuevos modelos emergentes. Sus imágenes de las células bacterianas fluorescentes son increíbles, y usted puede comenzar a ver cómo los patrones complejos se forman a partir de la interacción de las células que crecen a gran aumento:

A la interacción cada vez mayor de dos tipos de células, una etiqueta con una proteína fluorescente de color rojo y verde:

, Alejándose aún más con colores más añadido, la creación de patrones que se asemejan a tejidos Missoni (y que me encantaría tener un vestido hecho de él):





Para ver más fotos increíbles, echa un vistazo a imágenes de plantas o bacterias de Fernan en su página de Flickr.


martes 10 de enero de 2012

Las elegidas

ORIGINAL: Revista Arcadia
Obra de María José Arjona que hace parte de libro de Diego Garzón.
50 años de arte colombiano
¿Cuáles han sido las preocupaciones y los intereses de los artistas contemporáneos colombianos? ¿Qué han buscado expresar con su obra? En su nuevo libro, "De lo que somos", Diego Garzón encuentra respuestas que nadie había reunido en el papel.

Por: Micah Malone, Bogotá
Publicado el: 2011-12-16

Los libros de arte de gran formato se han caracterizado por tener títulos tontos: Crema, Vitamina P o ¡Arte Ahora! Brillantes, gruesos y llenos de provocativas fotos de artistas internacionales, estos libros regordetes personifican la siempre cambiante y a veces excesiva representación del arte contemporáneo. Mientras que otros títulos que pertenecen a este extenso género suelen pasar desapercibidos, el nuevo libro de Diego Garzón, "De lo que somos", merece un reconocimiento por enfocarse exclusivamente en el arte contemporáneo colombiano, un tema que no ha sido tratado por la máquina publicitaria actual.

Diego Garzón ha escrito por varios años acerca de la escena artística colombiana. Después de graduarse de la Facultad de Comunicación de la Universidad Javeriana, fue periodista cultural de Semana y editor de la revista Plan B. Durante los últimos cinco años ha trabajado como editor general de Soho. Su primer libro, Otras voces otro arte, fue publicado en 2005 y consistía en extensas entrevistas a diez de los más brillantes artistas colombianos.

El proceso de compilar De lo que somos empezó hace tres años, cuando Garzón contactó a diez importantes curadores y críticos que le ofrecieron sugerencias acerca de aquellos trabajos que ellos consideraban que eran fundamentales para el arte contemporáneo colombiano. Al final, se eligieron 110 obras, de 49 artistas.

Empezando en 1966 con Bernardo Salcedo, las obras están organizadas cronológicamente y las acompaña un texto corto que contextualiza y explica brevemente en qué consiste cada pieza. Además, entremezcladas con las obras se encuentran preguntas curiosas en negrilla, como la siguiente, que cuestiona al Fausto de Nadín Ospina: “¿Por qué un artista decidió comprar una pintura, dividirla en partes y exponerla nuevamente”. Responder esta pregunta, no obstante, requiere una investigación cuidadosa que el libro señala solo de manera superficial. Sin embargo, esa falta de profundidad no debería considerarse necesariamente una debilidad. Después de todo, la función primordial de estos libros de arte no es la erudición rigurosa, sino la presentación de cada obra en su máximo esplendor.

Es un libro diverso y atractivo que reúne obras controversiales, como el trabajo en el que María Elvira Escallón documenta el proceso en el que un cuarto se va llenando con la arena que cae de un hueco en el techo; los provocativos performances de Rosemberg Sandoval con indigentes, y el proyecto de bordado de Milena Bonilla, quien intentó reparar los forros de los asientos de los buses de diferentes rutas de Bogotá.

Las obras de los más grandes nombres colombianos están bien representadas: cinco ingeniosas obras de Antonio Caro, seis piezas poéticas y elegiacas de Óscar Muñoz, y seis complejas instalaciones de Alejandro Restrepo. Ningún artista está más representado que Doris Salcedo, con siete icónicos trabajos extendidos a lo largo del libro. El peso gráfico proporcionado a Salcedo sin duda representa el respeto que siente Garzón por la artista, cuyo prominente éxito internacional desencadena complejas preguntas acerca de la percepción del arte colombiano en el exterior.

La lucha por la representación se siente a lo largo del libro. En esta búsqueda ninguna obra parece más pertinente que la polémica Rebeldes del Sur, de Wilson Díaz, que fue censurada en Inglaterra por ser percibida por la Embajada de Colombia como una propaganda a las FARC. El video de Díaz mostraba a algunos miembros de la guerrilla cantando vallenato en la Zona de Distensión. La grabación, que representaba de una manera benigna a la guerrilla, es asombrosa en su modestia.

Abrir el libro produce placer. Dan ganas de buscar, de aprender, de entender. Esas preguntas que Garzón lanza al aire y no resuelve en detalle hacen parte de un juego que invita a reflexionar sobre el arte contemporáneo nacional sin imponer máximas absolutas. No obstante, la minuciosa elección de las piezas propone, inevitablemente, un canon, que puede tener detractores pero que surge de un selecto grupo de conocedores; por lo tanto, es un canon que pesa, que hacía falta y que no solo convierte a este libro en un documento de consulta imprescindible, revelador y divertido para los interesados en el arte colombiano, sino en una pieza histórica que desde la cultura se aproxima a la realidad nacional de los últimos cincuenta años. |



El Auditorium Maximum. Cultura de Autor, presenta "Cage's Work" Homenaje a John Cage (1912-1992)

ORIGINAL: Letras Anónimas
'Chess Pieces', John Cage
John Cage 1989
Cage vs Duchamp. Toronto, 1968
Cage vs Duchamp. Toronto, 1968
John Cage, Artista plástico / músico / compositor / instrumentista / filósofo / poeta estadounidense.

Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación el coreógrafo Merce Cunningham. ) Si Duchamp se ha revelado como la figura fundamental de principios-mediados del siglo XX, el trabajo de Cage aparece actualmente como un paradigma indispensable de finales del siglo XX y principios del XXI.

Espéralo este año y participa de todas las actividades: conciertos, conferencias, exposiciones de artes visuales, lecturas para difundir su pensamiento filosófico y acciones performáticas que incluirán danza, teatro y nuevos medios.

Cage’s Work. tiene como objetivo revisar la obra de Cage desde la interdisciplinariedad del arte, la ciencia y la técnica.

Compongo música con agua de la jarra, una pipa de hierro, una llamada a las gallinas, una botella de vino, un mezclador eléctrico, un silbato, una regadera, cubos de hielo, dos platillos, un pez mecánico, una llamada de codorniz, un pato de goma, una grabadora, un florero, un sifón, cinco radios, una bañera y un gran piano.” J. Cage.
John Cage - Klosty

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Piano Preparado