Japanese shadow dancer

ORIGINAL: Science Dump

by Tom

Fri, 10/12/2012

Very innovative usage of technology in this performance. Projector is used to generate "shadows" on stage that take active part in the choreography.

John Cage, la desobediencia como norma. Por: Lucrecia Piedrahita Orrego. Directora / Curadora del Homenaje a John Cage, Maestro del azar planeado

ORIGINAL: Letras Anónimas. LUCRECIA PIEDRAHÍTA

mayo 29, 2012

John Cage, la desobediencia como norma

“No entiendo por qué la gente se asusta de las nuevas ideas. A mí me asustan las viejas”. John Cage

Por: Lucrecia Piedrahita Orrego. Museóloga / Curadora / Candidata a Magister en Teoría Crítica (México, D.F)

Si usted piensa que unos cubos de hielo rugen en la licuadora, que el sonido de la cuerda de un juguete mecánico produce música, que el torrente de su sangre amplificado por micrófonos simula una sinfonía, usted ha entendido el mensaje de la música experimental: desafiar las nociones ya establecidas de la música y estar atento ante lo imprevisible.

Así, John Cage, desató los conceptos del arte a velocidades incontroladas en la segunda mitad del siglo XX para convertirse en una bisagra fundamental del arte moderno y contemporáneo.

Innovaciones en el campo de la música, desmaquillador de las venas de la tecnología para ofrecerle al público la poética contenida en las estructuras de los dispositivos tecnológicos: monitores, pantallas, cuerdas, micrófonos, videos, y medios fotoeléctricos para teatralizar la música y conformar escenografías futuristas que tenían su punto más alto al intervenir la arquitectura del gran piano de concierto introduciéndole borradores, puntas de madera, corchos, piedras y tornillos. Toda esta parafernalia tenía un sentido, implicaba conocer la norma para saber destruirla y ante todo un espíritu tranquilo con una altísima capacidad de resistir frente a los auditorios que lo tildaron de irresponsable y juguetón. Tras esa primera fachada que veían algunos sectores del público culto y también del ambulante, se filtraba

• un pensador de la cultura, 
• un absolutista con batuta, 
• un constructor de puentes para la música, las artes y la tecnología del futuro, 
• una autoridad sin límites que supo componer con una caligrafía distinta para mostrarnos que todo es susceptible de reorganizarse, de repensarse para generar estados emotivos y sensoriales, y ante todo para crear un objeto nuevo que ya no pertenece a nadie. 

Estas herencias que hoy recogen la cultura y la contracultura son producto de las relaciones estrechas entre el artista y la ciudad. En el siglo XX, el espacio urbano fue el escenario vivo en el que el artista produjo su obra, el marco desde donde se inspiraron las vanguardias y posvanguardias y el lugar por excelencia para la experimentación y el antiarte en donde predominaba la sorpresa, lo absurdo y el escándalo. Fue la época de la pasión por los objetos encontrados y transfigurados en arte a través del gesto, de la palabra y de las miradas del espectador. El arte se convirtió en el escenario para confrontar los horrores de la guerra sirviéndose del juego, del inesperado final y desechando todo condicionamiento social para instalarse en el campo de la anarquía y el anticonformismo.

Hoy nada de esto le es extraño a un espectador que ha visto cómo un urinal se instala en la galería de arte para elevarse a la categoría estética, cómo en un cubo de madera cabía todo el sistema planetario materializado en pompas de jabón y cómo las cajas de productos comerciales daban cuenta del nuevo gusto del público para coleccionarlas como piezas de arte, únicas e irrepetibles.

Pocas veces y con lapsos de tiempos largos nace una figura que trastoca los órdenes establecidos y nos enseña que el arte es un acto colectivo y que una de las formas para comprender el mundo es alfabetizando los sentidos. Uno de esos seres fue John Cage, el artista moderno más influyente en los años 40 y 50, perteneciente a la Generación Beat, la misma que habló del rechazo a la idea de una América prediseñada.

Cage es el artista que cruzó las barreras en búsqueda de una profunda renovación espiritual, materializada en la potencia experimental que él mismo significó y que tuvo sus raíces en el budismo Zen inspirada por el famoso libro “El espíritu Zen”, de Alan Watts. El descubrimiento de este mundo espiritual, diametralmente opuesto a lo que vivía Estados Unidos, lo motivó a cambiar su práctica artística con una notable consistencia para crear trabajos musicales, marcados por la serenidad y la apertura como objetivo principal de la experiencia misma. ¿El resultado? Frescura y autenticidad.

Un hacedor del oficio que equiparó la grafía de la música al dibujo contemporáneo para difundir la alegría y la revolución al mismo tiempo, mediante una sistemática falta de respeto a las tradiciones académicas y con un profundo sentido de la libertad artística. Sus referentes independentistas fueron Marcel Duchamp y Erik Satie.

Cage, el espejo para mirarse hoy

Su obra propone un retorno a la creatividad, al origen, y son precisamente sus semillas las que permitieron que la música y las artes visuales sigan un territorio del control y el descontrol, de la armonía y la disonancia, de la anti – norma y la medida que, unidas al azar planeado, representa el lenguaje ampliado de la obra de arte total. Irrupciones, extrañamiento, respiración entrecortada, gente que corre en distintas direcciones, la acción se interrumpe, un pájaro corta el horizonte. Cage respira. 

Su obra puede generar emociones, rabia, insatisfacción, alegría, pasión pero nunca pasará inadvertida.

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Con un homenaje a John Cage, el Centro Cultural Auditorium Maximum del Colegio Alemán Deutsche Schule – Medellín abrirá sus puertas al país y al mundo, para reflexionar por la obra del maestro del azar planeado. Desde el sábado 28 de abril y hasta el mes de noviembre el público vivirá el Homenaje: música, danza, artes visuales, acciones performáticas, poesía, literatura, diseño y encuentros académicos. 

PROYECTO DE CIUDAD LIDERADO POR EL AUDITORIUM MAXIMUM

El Auditorium Maximum. Cultura de Autor, presenta "Cage's Work" Homenaje a John Cage (1912-1992)

ORIGINAL: Letras Anónimas

'Chess Pieces', John Cage

John Cage 1989

Cage vs Duchamp. Toronto, 1968

Cage vs Duchamp. Toronto, 1968

John Cage, Artista plástico / músico / compositor / instrumentista / filósofo / poeta estadounidense.

Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación el coreógrafo Merce Cunningham. ) Si Duchamp se ha revelado como la figura fundamental de principios-mediados del siglo XX, el trabajo de Cage aparece actualmente como un paradigma indispensable de finales del siglo XX y principios del XXI.

Espéralo este año y participa de todas las actividades: conciertos, conferencias, exposiciones de artes visuales, lecturas para difundir su pensamiento filosófico y acciones performáticas que incluirán danza, teatro y nuevos medios.

Cage’s Work. tiene como objetivo revisar la obra de Cage desde la interdisciplinariedad del arte, la ciencia y la técnica.

“Compongo música con agua de la jarra, una pipa de hierro, una llamada a las gallinas, una botella de vino, un mezclador eléctrico, un silbato, una regadera, cubos de hielo, dos platillos, un pez mecánico, una llamada de codorniz, un pato de goma, una grabadora, un florero, un sifón, cinco radios, una bañera y un gran piano.” J. Cage.

John Cage - Klosty

SQVPA

HGXMN

Piano Preparado

El sitio donde la Ciencia y el Arte colisionan

ORIGINAL: CultureOfScience (Sheril Kirshenbaum)

Esta nota es por la invitada Susana Simões Pereira.

¿Has oído hablar de la utilización de la danza para estudiar la ciencia, como, por ejemplo, los movimientos de las células? Bueno, John Bohannon lo hace. De hecho, recientemente presentó su proyecto "Dance Your PhD" en TEDxBrussels, cuyo objetivo es utilizar la danza como una manera de estudiar y comunicar la ciencia de manera eficiente.


TEDx Brussels - John Bohannon & Black Label Movement - "Dance Your PhD"

 

Música: Greg Brosofske Minneapolis, compositor con sede en EE.UU..

Bailarines: Jessica Elhert, Godbout Bryan, Laager Stephanie, Eduardo Bruno Oroyan
Nelle gallinas, Camille Prieux, Blaise Mariel, Nenaks Gabson, Zagari David y Canabarro Marcio

Esta actuación se llevó a cabo originalmente en TEDxBrussels el 22 de noviembre 2011
info: http://www.tedxbrussels.eu

Sin embargo, el  uso del arte como un medio para comunicar la ciencia a científicos y no científicos, niños y adultos, es el propósito de algunos proyectos interesantes como "El motel para los insectos" en la ciudad de Nueva York. Este proyecto, "fuee hecho realidad" por Brandon Ballengée, permite a las personas entrar en contacto y aprender sobre la vida de los artrópodos, mientras se divierten.

Otro tipo de proyecto Ciencia-Arte es el desarrollado por Luke Jerram. A través de una maravillosa colección de estructuras de microbiología en vidrio, nos proporciona una comprensión visual de la estructura de algunos virus y bacterias desagradables de las cuales hemos oido y que tienen que ver cin  nuestras vidas.

Estos son algunos de los muchos ejemplos que muestran que el aprendizaje  de la ciencia puede ser divertido y en realidad tienen lugar en contextos muy diferentes a las que estamos acostumbrados. Por lo tanto, gózalos!

Susana Simões Pereira es una matemática portuguesa y estudiante de doctorado en Ciencias de la Comunicación. Ella trabaja para llevar la ciencia al público en Portugal y está interesada en  las maneras de compartir la ciencia a través de los medios de comunicación social, así como la intersección del arte y la ciencia.

[Nota de Sheril: Esta es una fenomenal charla en TED - Haga clic en el juego]

La Gaitana Primer Grito de Libertad. Suplemento Generación. El Colombiano

ORIGINAL: Suplemento Generación - El Colombiano. Mayo 16 de 2010

La Gaitana
Primer grito de libertad

En el Teatro Metropolitano, se presenta el 20, 21 y 22 de mayo la obra La Gaitana, un grito de libertad. Una propuesta de danza contemporánea dirigida por Peter Palacio, en el año del Bicentenario de la Independencia.

BEATRIZ MESA MEJÍA
FOTOGRAFÍAS DE ALEJANDRO MANOSALVA

Ella es un símbolo que tiene una doble vía. Por un lado, representa la lucha de los indígenas en contra del poder español, en tiempos de la Conquista, por otro, es un manifiesto de la fuerza que tienen las mujeres cuando se trata de luchar por sus derechos, de defender lo suyo.

La Gaitana, lo que fue esta heroína indígena de origen colombiano, y lo que es con el paso de los siglos, se recrea ahora en una puesta dirigida por el bailarín y coreógrafo barranquilleroPeter Palacio, en un trabajo en el que se unieron su grupo, Danza Concierto, y el Departamento de Música de la Universidad Eafit, que dirige Andrés Posada.

Sí, vuelven Peter y Andrés a trabajar juntos, una alianza que viene de tiempo atrás, pues muchas de las obras llevadas a escena por el bailarín han contado con la música de este compositor que, por cierto, acaba estrenar la Misa de los cantares, creada especialmente para celebrar el aniversario número 50 de Eafit.

En este montaje titulado La Galiana, un grito de libertad, Andrés decidió trabajar con tres alumnos aventajados del Departamento de Música que dirige: Juan David Manco, Juan David Osorio y Víctor Agudelo, vinculados al Taller de Composición de Eafit. Así que la música para esta obra de danza contemporánea resulta de una creación colectiva, en un trabajo muy interesante por los retos que propone, por el conjunto de sensibilidades que se expresa en cada nota.

LA HISTORIA

Peter Palacio, quien fundó y dirigió el Festival Internacional de Danza Contemporánea de Medellín, cuenta en esta conversación que, pensando en el Bicentenario, quiso buscar un personaje fuerte, significativo. Tenía claro que quería una mujer, una heroína. Por su cabeza se cruzaron algunos nombres, pero ninguno se perfilaba bien. Hasta que apareció La Gaitana y en su mente la vio en la escena. Es, en el caso de lo artístico, un momento de revelación, sin duda.

Así, comenzó a investigar. Leyó crónicas de indias, algunas tesis, documentos sobre los movimientos que defendieron a los indígenas y, muy especialmente, las reseñas de Fray Pedro Simón, que le dieron la base fundamental para hacer el perfil de esta mujer, que hizo parte de las tribus precolombinas y que es considerada la Primera heroína de América. Era, dice Fray Pedro Simón, una gran señora (Cacica) a quien obedecían sus vasallos.

Peter y Andrés dicen que tenían el reto de no caer en los clichés de lo indígena. Difícil, sin embargo, creen que lo logran.

El coreógrafo señala que quiso dar cuenta en la escena de lo que significó La Gaitana para la reivindicación de las tribus iniciales. Una mujer luchadora que convocó y lideró la Federación Pijao. logrando reunir varios caciques y un ejército conformado por miles de hombres, entre 1539 y 1540, según cuenta la historia.

Una líder innata que se alzó en contra del poderío español, ante el asesinato de su hijo Timanco, que fue quemado vivo en su presencia por resistirse a pagar los tributos o encomiendas. Vivían en el sur de Colombia, entre los departamentos de Huila, Cauca y Tolima, donde tenían influencia grupos como los Pijaos, Guambianos, Andaquíes y Paeces, entre otros, que se opusieron al tirano, Pedro de Añasco, quien fuera nombrado por Sebastián de Belalcázar para dominar estas tierras y crear allí una villa.

La Gaitana se enfrenta a él y lo domina hasta matarlo y luego siguió luchando por la libertad de los indígenas en la Provincia de Timaná, en una ardua batalla que duró varios años, en la cual, si bien dieron algunos golpes al invasor, no pudieron dominarlo.

LA OBRA

¿Cómo trabajar en conjunto una obra que es danza y música? Bueno, lo hicieron parecido a como trabajaron el año pasado La casa de Bernarda Alba, del poeta español Federico García Lorca. Ahora se enfrentaron a la creación de un propuesta totalmente libre, pues no hay un texto literario que la sustente.

Peter Palacio, que es el director general, dio las bases al grupo de compositores, en una reunión en donde describió lo que quería en la escena y cómo se soñaba la música que acompañaría a sus bailarines.

Peter adjetiva para hacer ver lo que desea. Habla de una obra llena de contrastes, heroica, enérgica, lenta por momentos, rápida en otros; una puesta intensa y dramática, apoteósica, épica, lírica, tensa. Y de todo esto dan cuenta los bailarines y los compositores.

Juan David Manco y Juan David Osorio explican que en la construcción de escalas y acordes que le dieran unidad a la composición, el músico Víctor Agudelo, quien es el coordinador de montaje de la obra, pensó en varias figuras como totems: el águila, el cóndor, la serpiente y el jaguar, que les permitieron integrar cuatro sonidos, cuatro escalas, que son la base de la propuesta musical, donde los sonidos conversan y adquieren vida propia, para ser soporte a lo que ocurre en la escena.

Peter, los bailarines y el grupo de compositores trabajan con un material abstracto. No es fácil. Para continuar con los adjetivos, se podría decir que la música crea atmósferas a partir de una melodía y un ritmo que le dan una armonía y entonación.

Se hace una representación gráfica para encontrar motivos musicales, así, a la figura de los animales, se unen fuego, canoa y río, por ejemplo.

Desde la danza, dice Peter, hay descripción y abstracción, todo en un lenguaje muy contemporáneo y en medio de una coreografía minimalista.

Una hora y diez minutos en una obra donde participan 20 bailarines, entre ellos, Beatriz Vélez, como La Gaitana y Luis Viana, como el bárbaro Pedro de Añasco. En vivo, está el grupo Periscopio, Ensamble de Música Nueva, de Eafit. Los músicos interpretan flauta, clarinete, fagot, trombón, violonchelo, percusión múltiple, sintetizador. Y a ellos se suma el coro masculino, la soprano María Alejandra Velásquez y José Gallardo, en lo electroacústico.

Es una reflexión sobre la vida y la muerte, sobre el ser pacífico y su transformación violenta. Se quiere, dice Peter, recuperar una conexión con la tierra. Es una obra, advierten Peter y Andrés, de un profundo simbolismo y de una enorme vigencia. Están la tierra y la madre, está la comunidad y su significado para el individuo; están, también, el dolor y el destierro, la devastación, la lucha por el poder.

Un montaje con dirección ejecutiva de Lucrecia Piedrahíta, que tiene un valor aproximado de unos 200 millones de pesos, para el que se han unido Danza Conciertoy la Universidad Eafit, con Hans Steinhäuser, como socio benefactor, y Medellín Cultural-Teatro Metropolitano José Gutiérrez Gómez, como productor asociado, entre otras entidades y personas que apoyan.

Las Escenas

Une lo figurativo y lo abstracto

PUESTA. La Gaitana, un grito de libertades una obra que está dividida en once escenas, en las cuales se combinan lo figurativo y lo abstracto, con los parámetros de la danza contemporánea.

• Introducción:Entierro del Gran Cacique.
  • La Gaitana es elegida Cacica, ya que Timanco, su hijo, el heredero por descendencia, es un niño de 5 años.
  • La Gaitana y su hijo Timanco.
  
  
• Escena 1:Las Chamanas y el Sitio Sagrado.


• Escena 2:El viaje por el río Guacacayo


• Escena 3:El Rito de Iniciación de los guerreros.
  
  
  
  • Timanco, es reconocido como Guerrero y Cacique.
  
  
  
  
• Escena 4:La Celebración por Timanco.


• Escena 5:Las Chamanas, el Oráculo y el trágico destino de Timanco.


• Escena 6:Pedro de Añasco y el Ejército Conquistador.
  
  
  
  • Captura y Muerte de Timanco.
  • El Entierro de Timanco.
  
  
• Escena 7:La Gaitana y el Espíritu de Timanco. - La Gaitana y la decisión de la venganza.


• Escena 8:Pedro de Añasco y La devastación conquistadora.


• Escena 9:La Federación Pijao.


• Escena 10:La venganza y el triunfo de La Gaitana.

Lugar:

Teatro Metropolitano Días: 20,21 y 22 de mayo Hora: 8:00 p.m.

Informes:

326 69 00

Entrada:

$20.000. $30.000, $40.000. Descuentos del 10% por compras superiores a 10 boletas de $40.000 o $30.000.