martes, 23 de junio de 2015

The Best Design of the Year (Maybe Ever?)

Every year, the Design Museum in London picks a single object and names it the best design of the year. It’s pretty bad sometimes! But this year, the museum picked a winner: A chip that replaces animal test subjects with a complex package of human cells.




It’s called a lung-on-a-chip--a name that is very literally true, lest you think this is simply a computer chip programmed to mimic a lung. It comes from Harvard’s Wyss Institute for Biologically Inspired Engineering, which explains in a great video how it works.

This clear, simple-looking brick of plastic actually contains complex human cells, arranged in a simplified version of the way a lung works: Along the central channels, there’s a lining of human lung cells separated from a lining of capillary blood cells by a porous membrane, just like the air sacs in your lung:


On each side, channels create the flexing movement that an air sac does while you breathe.


In other words, it’s all of the biological complexity of your lungs distilled onto a computer chip.

Scientists can, for example, introduce bacteria to the channels to mimic an infection—and white blood cells in the capillary channel will attack. Or, they can introduce the chemicals you breathe in regularly to mimic air pollution and its affect on your lungs. Or test new medications.

Bio-inspired micro-devices that mimic whole human organs, such as the lung on a chip, could potentially replace animal testing and bring new therapies to patients faster and at lower cost in the future,” the design team explains in their video. Other labs are working on organs like the heart and even spleen, and Wyss’ ultimate goal is to build ten different organs and link them to create a whole body.

Who do we have to thank for bringing news of the chip to the design world? That would be Paola Antonelli, MoMA’s Senior Curator of Architecture & Design, as Dezeen points out today in its announcement as the award’s media partner. Antonelli not only nominated the chip, she already added it to MoMA’s permanent collection in March, writing on MoMA’s blog:

Esoteric or specialized, perhaps, but universally remarkable in their balance of form, function, and vision, investigations like the Wyss Institute’s Human Organs-on-Chips demonstrate new, radical intersections of synthetic biology and design.

In the past, the Design Museum’s pick have ranged from anodyne at best—a lightbulb, in 2011—to downright tone-deaf, like the jury’s choice of a Zaha Hadid building in Azerbaijan built by a dictatorial regime and named for a president known for his human rights abuses. This year, the jury really turned it around, selecting an object that is not only a brilliant piece of design, but also has the power to end the barbaric practice of animal testing while helping human patients.

Antonelli deserves a lot of credit for caring what’s happening in science, medicine, and technology, and forcing the rest of the design world to broaden insular, myopic field of view to include objects that aren’t just lightbulbs and billion-dollar museums, great though they are. Design—while it won’t save the world—can certainly change it for good.

Contact the author at kelsey@Gizmodo.com.

ORIGINAL: Gizmodo

lunes, 6 de abril de 2015

Recycled PET Plastic Bottle Plant Sculptures by Veronika Richterová

Photo by Michal Cihlář
Czech artist Veronika Richterová creates new life from repurposed plastic PET bottles. For the last decade the artist has used various methods of cutting, heating, and assemblage to build colorfully translucent forms of everything from crocodiles to chandelier light fixtures to plants. Her obsession with plastic bottles doesn’t stop with creating artwork, Richterová has also collected over 3,000 PET plastic objects from 76 countries and writes extensively about the history and usage of plastic in her article A Tribute to PET Bottles. You can see hundreds more sculptures in her online gallery. (via Mister Finch, Lustik)

Photo by Michal Cihlář
Photo by Michal Cihlář
Photo by Michal Cihlář
Photo by Michal Cihlář
Photo by Michal Cihlář

Photo by Michal Cihlář
Photo by Michal Cihlář
Photo by Michal Cihlář

Photo by Michal Cihlář
ORIGINAL: This Is Colossal
April 6, 2015

martes, 6 de enero de 2015



The projection mapping "bioluminescent forest" is made by artists Friedrich van Schoor and Tarek Mawad.
The artists spent six weeks in the forest fascinated by the silence and natural occurrences in nature, especially the phenomenon "bioluminescence". They personified the forest to accentuate the natural beauty by creating luring luminescent plants and glowing magical mushrooms that speaks volumes to any visitor that enters the minds of the artists through viewing "bioluminescent forest".

More information on the project: bioluminescent-forest.com
Friedrich van Schoor: vanscore.com
Tarek Mawad
: tarekmawad.com

Many thanks to Achim Treu, Composer and Sounddesigner.
private homepage: ufohawaii.com
commercial homepage: treumedia.de







While we’ve seen many examples of projection mapping on the sides of buildings or other relatively flat surfaces in an attempt to add depth or dimension, it seems photographers and digital artists are getting progressively more innovative as the technology continues to evolve. Last week we saw a commendable dance performance making use of projection mapping, and now photographer Tarek Mawad and animator Friedrich van Schoor just spent six weeks embedded in nature to create Bioluminescent Forest. The 4-minute short film imagines what various plants, insects, spiderwebs, and mushrooms might look like if they possessed the ability to emit bioluminescent light, creating a strange wonderland of blinking and twinkling organisms. The filmmakers state that everything you see was created live, without any effects added in post-production. You can watch a behind-the-scenes clip here. (via PetaPixel, The Kid Should See This)

ORIGINAL: Colossal
January 5, 2015

jueves, 25 de diciembre de 2014

El pueblo Africano donde cada casa es una obra de arte

ORIGINAL: UpSocl
Por Francisco Lira

Burkina Faso no es una zona frecuentada por los turistas, pero en la base de una colina con vista a la sabana de África occidental se encuentra un pueblo extraordinario. Un complejo de 1,2 hectáreas con arquitectura circular de tierra, intrincadamente bello. Es la residencia del jefe, la corte real y la nobleza de la gente Kassena, que colonizaron la región en el siglo 15, convirtiéndose en uno de los grupos étnicos más antiguos de Burkina Faso. Este pueblo es Tiébélé.


El pueblo se mantiene extremadamente aislado y cerrado a los extraños, muy probablemente para asegurar la conservación y la integridad de sus estructuras y de proteger las tradiciones locales.


Una residencia real en el África no es lo que podríamos pensar en cuando imaginamos palacios reales. En Tiébélé, la corte real se compone de una serie de pequeñas estructuras de adobe, cubierto con pinturas de arcilla naturales, con patrones geométricos elaborados para diferenciarlas de las casas de la gente común.


Toda las fotografías son de Rita Willaert

martes, 8 de abril de 2014

No más “Bug Splats”

ORIGINAL: Occupart.org


En el slang militar, Bug Splats” hace referencia a la muerte de las personas que desde la visualización de la cámara de un Dron, se ven como pequeños insectos aplastados.


Un colectivo artístico instaló en el suelo de Khyber Pukhtoonkhwa, en Pakistán, una de las zonas más afectadas por estos bombardeos, una fotografía a gran escala de una niña en representación de todos los niños que podrían convertirse en víctimas de los ataques, retando así la insensibilidad de los operadores de los aviones. La imagen está diseñada para ser captada por satélites, para que no sea sólo una iniciativa temporal, sino que sea incorporada permanentemente en los mapas satelitales que se encuentran en la red.


La iniciativa tiene como referencia el arte de JR, un artista francés que se ha dedicado a utilizar las imágenes a gran formato como forma de protesta social.

Los creadores esperan con su obra de arte gigante “crear empatía y reflexión entre los operadores de los aviones no tripulados, y que pueda llegar a generarse un diálogo entre los autores políticos, para que finalmente se implemenen decisiones que salvarán las vidas de gente inocente.

La identidad de la niña es anónima, pero de acuerdo con Foundation for Fundamental Rights (FFR), la niña perdió a ambos padres y dos hermanos menores a causa de los ataques de Drones.

Fuente: http://notabugsplat.com/

martes, 1 de abril de 2014

Doris Salcedo a través de un libro

ORIGINAL: El Colombiano
Por MÓNICA QUINTERO RESTREPO
31 de marzo de 2014

La expografía llama la atención desde el muro que hay afuera de la sala. FOTO MANUEL SALDARRIAGA

De lo que no se puede hablar es un libro que Mieke Bal, gran teórica del arte, escribió sobre la artista Doris Salcedo. Ahora se edita en español y se puede empezar a leer en una expografía.

Están repetidas, muchas veces, como si fuera un conjuro. Letras blancas, fondo negro, mayúsculas. En el muro no hay más palabras que esas siete, de las que no se sabe nada, tampoco: De lo que no se puede hablar. Hay dibujos, pero los dibujos también están repetidos.

Al frente del puente que hay en la Facultad de Arquitectura y Diseño de la UPB, arriba de la puerta de la sala de Arquitectura, antes del muro que tiene las hojas con las palabras repetidas, está el video en el que aparece la primera señal de respuesta. Se habla de Doris Salcedo, la artista colombiana que puede vender una obra por más de 300 mil dólares.

El video de la pared blanca es para continuar la pregunta. ¿De qué es lo que no se puede hablar? La respuesta está después de la puerta de la sala de Arquitectura, donde está la expografía y unas máquinas de producción editorial e industrial y fotos de las obras de Doris Salcedo y un libro y las páginas del libro pegadas a la pared, pero la historia comienza mucho antes y con el nombre de Mieke Bal, la historiadora, crítica de arte y teórica de literatura. Porque no habría expografía sino hubiera libro.

El libro
"El libro es un proyecto de la Universidad de Chicago, escrito por la teórica de los estudios visuales, una figura muy reconocida, Mieke Bal, en el que hace una mirada retrospectiva de la obra de Doris Salcedo. Si nosotros revisamos, la fortuna crítica de la artista es muy alta, pero en producción intelectual no se ha escrito mucho sobre ella. Ha sido reseñada por los grandes periódicos, pero nunca se había hecho un texto académico de tal profundidad", explica Lucrecia Piedrahíta, la curadora.

Mieke empieza a hacer el libro en 2002. En algún momento visita el Moma, Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se encuentra con Atrabiliarios, la obra de la colombiana. La teórica queda con la idea, contacta a Salcedo e inicia un trabajo de reflexión desde lo antropológico, lo filosófico, la comunicación, los estudios visuales.

"Lo hace para acercarse a la propuesta —sigue Lucrecia— y, en última instancia, hablar de si en la obra de Salcedo existe decididamente una postura frente a lo político. El nombre del libro, Of what one cannot speak Doris Salcedo"s political art, es contundente, porque ha hecho una revisión lúcida de los fenómenos de la violencia en Colombia, del desplazamiento, de la discriminación, de un país construido a partir de las diferencias".

Mieke va a analizar esos temas que, por la construcción estética y plástica que les da la artista, se vuelven universales, sin perder la singularidad, y ahí está su potencia conceptual y formal. La teórica revisa en el libro la pregunta por el arte político y desde ahí por otras ideas, como la relación entre espacio y escultura, espacio y obra instalada, contenido y contenedor, los cuerpos mismos.

—Contra la violencia masiva que amontona innumerables zapatos como vestigios de la masacre (en relación a la obra Atrabiliarios), pero desdeña la singularidad irreductible de cada víctima, el arte de Salcedo lleva a cabo una búsqueda indagatoria de la singularidad. Su obra la concibe como herramienta con la cual el arte adquiere un tipo de agencia cultural eficaz y con consecuencias en la llamada esfera de "lo político" — escribe Mieke en el libro, que se publicó en inglés, en 2010.

En español
La noticia de ahora, cuatro años después, es que Of what one cannot speak. Doris Salcedo"s political art será De lo que no se puede hablar. El arte político de Doris Salcedo, es decir, tendrá su edición en español.

Entonces hay que devolverse en el tiempo, otra vez. Lucrecia contactó a la crítica en 2009, cuando ella todavía escribía sobre Salcedo, como una admiradora más de su escritura y su análisis del arte y hasta le envió el capítulo de la tesis de su especialización, que referenciaba la obra de Salcedo. De conversación en conversación, Mieke le propuso coordinar la edición en español De lo que no se puede hablar, en el que, para su sorpresa, citó sus ideas, y en eso anda, junto a Formacol y la Universidad Nacional, desde entonces. La traducción es de Marcelo Cohen y el crítico español Miguel Ángel Hernández, muy cercano a la teórica.

El libro será lanzado en Medellín y Bogotá en mayo y vendrá Mieke y habrá conversaciones. Habrá una exposición, curada por Lucrecia, sobre el proyecto Madame B que hizo Mieke con la artista Michelle Williams, con el que llevaron al cine una versión contemporánea de Madame Bovary.

Será la primera vez de la crítica en Colombia y la segunda en Latinoamérica, pues ya estuvo en México, en una muestra que curó Néstor García Canclini.

Un acercamiento

Lo que pensó Lucrecia fue que no se podía solo presentar el libro, sin preparar al público, para que la gente tenga herramientas para leer la obra de Salcedo. "Si hablas de Doris hay una cosa muy especial y es que la gente o la ha escuchado nombrar o la conoce someramente, casi todos solo recuerdan la grieta. Lo que queremos es profundizar".

La expografía que se muestra en la UPB, con el nombre del libro, De lo que no se puede hablar —por eso la repetición en el mural, como invitación a entrar— es, por tanto, ese primer acercamiento. No es una exposición, precisa Lucrecia, porque no se expone la obra de Doris, sino el pensamiento estético de Salcedo revisado desde la academia por Mieke Bal.

Hay videos sobre Doris, con testimonios que ayudan a explicarla y a conocerla, está el libro físico, hojas del libro dispuestas a manera de archivo en la pared y fotografías de la obra que se extraen del documento, frases de Salcedo y de Mieke. Además está una maquinaria que hizo parte de la editorial Colina, que cuando entró a la sala paralizó el sector de la universidad, por la osadía de meter tres máquinas tan grandes y tan pesadas en esa sala pequeña. "No es musealizar el libro —precisa la coordinadora—, sino ponerlo en conversación con ese laboratorio experimental que representa un taller editorial".

Al final, 400 páginas que hablan de Salcedo y una historia que empieza en Mieke, pero termina en el público. En última, comenta la curadora, es una cita con las palabras y, por supuesto, con el arte de la artista contemporánea más importante que tiene Colombia, por ahora. La misma que dice, según se lee en el libro de Mieke, "creo que el arte siempre es producto de una necesidad"

DESDE ADENTRO

UN TRABAJO EN EQUIPO
La expografía se puede ver desde el martes, en el bloque 10 de la UPB. Para el proyecto editorial de traducir el libro a español, a la oficina de Lucrecia y los arquitectos Julián Oquendo y Julio César Cabrera quienes actúan como museógrafos, los apoyaron la Universidad Nacional, sede Medellín, y el industrial Hans U. Steinhäuser. Más tarde se unieron la Alcaldía y la UPB. El libro será lanzado el 22 de mayo en la Universidad Nacional. El proyecto Madame B se expondrá en Eafit y en la Nacional.

EN DEFINITIVA
Este martes se inaugura una expografía del libro De lo que no se puede hablar, que la teórica Mieke Bal escribió sobre Doris Salcedo. Un primer acercamiento a un proyecto más grande. 

martes, 11 de marzo de 2014

Artist carves phone books into portraits to honor the faceless

ORIGINAL: Mother Nature Network
Thu, Nov 21, 2013
Photos: Alex Queral/Projects Gallery

Nobody uses phone books anymore, right?
Wrong. Using the very same bulky, cumbersome books that most of us toss into the recycling bin without a second thought, artist Alex Queral carves amazing 3-D sculpture portraits featuring subjects like celebrities, world leaders, and even abstract creations.

"In carving and painting a head from a phone directory, I’m celebrating the individual lost in the anonymous list of thousands of names that describe the size of the community," Queral says in his artist's statement. "In addition, I like the idea of creating something that is normally discarded every year into an object of longevity."

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"Alex Queral carves a face into this object of so many faceless names," the Projects Gallery description of his artwork reads. "With the book, a very sharp X-Acto knife, a little pot of acrylic medium to set detail areas and a great deal of talent, Queral literally peels away the pages like the skin of an onion to reveal the portrait within."

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Albert Einstein
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Clint Eastwood
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Alfred Hitchcock
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President Barack Obama
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David Bowie
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Louise Fletcher as Nurse Mildred Ratched, "One Flew Over the Cuckoo's Nest"

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Dalai Lama

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Young Bob Dylan

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"Alter Ego"