Playa de Etiqueta

ORIGINAL: Improv Everywhere

Mirada de Astronauta: Vista de la Tierra (por Don Pettit)

ORIGINAL: Wired.com

Un astronauta de NASA en el transbordador espacial Endeavour, nos ha enviado el Espacio de vuelta a la Tierra. El astronauta Don Pettit tomó más de 85 videos a intervalos de la Tierra en su temporada en la Estación Espacial Internacional para poner de relieve las características cambiantes del planeta.

"Hay una fenomenología, de lo que pasa en un plazo de tiempo que no se puede ver en tiempo real." dijo. "Se me ocurrió que hacer películas con lapso de tiempo en la estación espacial para resaltar las cosas que normalmente no se observan".

Pettit también quería capturar lo que se siente al estar en el espacio. "Te sientes como si estuvieras en una frontera", dice. "Me gusta definir una frontera como un lugar donde su intuición no es aplicable. Es un lugar donde las respuestas no se encuentran en la parte posterior del libro. Como resultado de ello. Una frontera es un lugar que es rico en descubrimientos."

El espacio ha sido llamado una frontera antes por supuesto - "Pero no es la última frontera."Las Fronteras pueden estar en cualquier lugar", dice. Bajo la lente de un microscopio, en el fondo del océano. El Espacio "sólo será la última frontera cuando los seres humanos dejen de mirar a nuestro mundo y se preguntan qué está pasando."

Éstos son algunos de nuestros videos favoritos-acelerados de la Tierra desde el espacio.

Arriba: De todas sus grabaciones. Pettit dice este video, que abarca una puesta de sol, una salida de la luna y la aurora boreal, es uno de sus favoritos. La cámara tomó una imagen cada 15 segundos. por lo que esta secuencia de video de 38 segundos corresponde a 9 minutos y medio de tiempo real. Debido a que la estación espacial y su tripulación orbitan la Tierra una vez cada 90 minutos, que ven 16 amaneceres y puestas de sol cada día.

Vídeo: NASA / Don Pettit

“INFRAESTRUCTURA CONCEPTUAL Y DRAMAS DE LA IMAGEN” por LUCRECIA PIEDRAHÍTA. 31 de agosto. INVITACIÓN

INVITACIÓN A LA CONFERENCIA EN EL CICLO “PASAPORTE AL ARTE” DEL MAMM, Sede Ciudad del Río. Martes 31 de agosto de 2010, 6:10 p.m.

Infraestructura conceptual y dramas de la imagen

Lucrecia Piedrahíta / Museóloga

“Las imágenes al igual que los textos, requieren la labor de la lectura.”

Mieke Bal. Teórica y crítica cultural.

“La imagen es lo que nos recuerda que no estamos solos en el mundo incluso si somos los más fuertes”.

Serge Daney. Crítico de cine

En los procesos académicos y creativos confluyen el ordenamiento de las ideas, la estructuración de las líneas de fuga y una articulación de conceptos y sensaciones que potencian la producción cultural. Rozar los campos de la interpretación equivale a nombrar y a describir la imagen en sus efectos visuales y textuales, la imagen que recuerda, se instala y se proyecta para ser en sí misma una mediación comunicativa.

El poder de las imágenes, radica entre otras cosas, en su versatilidad y su ductibilidad. “Es irrompible porque es capaz de admitir todo cambio posible sin la menor resistencia” (Luis Puelles). La imagen es una frontera móvil y mutante y es un factor determinante de la producción simbólica y las prácticas artísticas contemporáneas.

Lucrecia Piedrahíta Orrego. Museóloga de la Universidad Internacional del Arte, Florencia, Italia. Especialista en Periodismo Urbano de la U. P. B. Especialista en Estudios Políticos en la Universidad Eafit. Becaria de Investigación en Prácticas Artísticas y Curaduría del LIPAC -Universidad de Buenos Aires-Argentina-. Jurado de Becas del John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Responsable del capítulo de Artes Plásticas en Colombia 1950-1970 para el Bicentenario. Analista de la Cultura. Conferenciante. Gestora Cultural. Investigadora y Docente de Ciencias Sociales.

Actual directora del proyecto Papel Calco para el periódico El Mundo.

Integrante del grupo de curadores del 11 Salón Regional de Artistas para la Zona Antioquia y del 40 Salón Nacional de Artistas. Tutora de Curaduría para el 12 Salón Regional de Artistas. Participante en el 13 Salón Regional de Artistas, por Micro Macro, 2009-2010 con UPB liderando el tema de Arquitectura Verde. Invitada con este proyecto a la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y al 42 Salón Nacional de Artistas.

Directora General y Curadora de las series de arte para televisión: “Íconos”, “Tríptico”, “Factoría”, “Santos Días”, “Estéticas en Tránsito” y “En Obra”. Coordinadora Cultural y Académica del Proyecto “Artes Plásticas en Antioquia”, liderado por el IDEA (2003-2006). Ha sido Directora del Museo de Antioquia, Directora de la Nueva Bienal Internacional de Artes Plásticas de Medellín evento que permitió la ubicación de diez obras en el espacio público. Directora de Canal U desde donde lideró y co-dirigió el proyecto pedagógico multimedial Ágora: Historia de las Ideologías Políticas. Dirigió y participó en el diseño de la Facultad de Artes y Humanidades para el ITM.

Exaltada por la U.P.B como Egresada Distinguida (2005). Reconocida entre los Diez Ejecutivos Jóvenes del País por la Cámara Junior de Colombia en la modalidad de Logros Culturales (2007-2008). Es invitada como profesora – visitante a varias universidades nacionales e internacionales.

PROYECTO INVESTIGATIVO Y CURATORIAL

– MEMORIA DECAPITADA-

1999-2009

ESTÉTICAS DEL DESARRAIGO. INVENTANDO LA MATRIA.

POR: ROSSANA REGUILLO. Profesora – Investigadora en el Departamento de Estudios Socioculturales. ITESO. Guadalajara. México, 2009.

Memoria decapitada, constituye un trabajo invaluable en torno al desplazamiento humano forzado en Colombia, uno de los flagelos más brutales y dolorosos para la sociedad contemporánea. En una poderosa interface entre una analista de la cultura (por calificar de algún modo, el complejo trabajo de Lucrecia Piedrahíta) y la mirada de un fotógrafo como Juan Fernando Ospina, Memoria decapitada, nos acerca –sin concesiones- a los desfiladeros del desarraigo y la reinvención de la vida de miles de colombianos que, han debido incorporar el tránsito, el movimiento, el desanclaje como experiencia cotidiana.

SOBRE LA MEMORIA DECAPITADA. INVESTIGACIÓN/CURADURÍA DE LUCRECIA PIEDRAHITA

POR: J. MARTÍN BARBERO. Semiólogo, Antropólogo y Filósofo. Pionero en los estudios sobre Comunicación en América Latina. Colombia, 2009.

La pregunta por el ¿de qué son actores protagónicos los desplazados? es respondida por Lucrecia Piedrahíta con lo mismo que Arjun Appadurai ha llamado imaginación social: aquella en base a la cual sobreviven física y culturalmente un número cada día mayor de poblaciones y comunidades humanas en el mundo; pues la imaginación ha dejado de ser propiedad exclusiva [y excluyente] de poetas y artistas para ser la matriz creativa en base a la cual los desarraigados y desposeídos reconstruyen su hábitat y su vida. De ahí que sólo una artista que investiga y una investigadora que crea con todo tipo de materias y espíritus, podía contarnos y ponernos a pensar en la capacidad de reinventar sus mundos de vida en base a la cual los desplazados retejen sus memorias, rehacen sus sensibilidades campesinas en un entorno suburbano, reutilizan sus pocas pertenencias a la vez como objetos útiles y como recuerdos vitales y reconstruyen sus “viejos” modos de habitar, sus casas, con los mas diversos tipos de deshechos modernos…

A PROPÓSITO DEL PROYECTO INVESTIGATIVO - CURATORIAL DE LUCRECIA PIEDRAHITA

POR: ÁNGELA MARÍA PÉREZ. Subgerente Cultural del Banco de la República. Colombia, 2009.

La Memoria Decapitada, investigación y proyecto curatorial de Lucrecia Piedrahíta establece así una posición ética frente a los desplazados: se permite estar en su presencia, establecer una relación estética con ellos a través de la fotografía y de sus relatos. Imágenes que producen, sin duda, extrañeza, obligándonos a sacudir el adormecimiento que nos produce la magnitud del desplazamiento forzado en Colombia.

SOBRE EL PROYECTO DE DESPLAZADOS DE LUCRECIA PIEDRAHITA ORREGO

Por: ARMANDO SILVA. Profesor e investigador Universidad Externado De Colombia y Ph.D. en Filosofía y Literatura de la Universidad de California. Colombia, 2009.

Lucrecia Piedrahíta nos ha dado entonces un buen ejemplo de trabajo curatorial respetuoso y sólido con nuevas comunidades urbanas. Junto a la infelicidad de inenarrables experiencias, nos revela una estética comunitaria que le da dignidad y forma a un grupo. Esto no quiere decir que la belleza perdone la tragedia, ni mucho menos que libere de responsabilidad a toda la cadena de actores que han cometido -o dejado cometer - desde Colombia uno de las peores barbaries humanas del siglo XXI

TRES ESPEJOS, UN MUNDO.

POR: CARLOS JIMÉNEZ. Arquitecto, Profesor Rice University Houston. Miembro del jurado de los premios Pritzker de Arquitectura. Houston, 2009.

Octubre del 2009 resultó ser un mes prometedor de viajes puesto que visité tres áreas distintas del mundo: San Francisco, California, La Isla de San Andrés, Colombia y Mumbai, India, además de otras ciudades. Esta combinación improbable de lugares me brindó un oportuno y vasto telón de fondo para reflexionar sobre “La Memoria Decapitada”, la exposición convincente y oportuna de Lucrecia Piedrahíta. Porque en el fondo del llamado urgente de Piedrahíta yace la pavorosa trayectoria de todos los desplazado de cada rincón de la tierra. Individuos que diariamente descargan sus resignadas aunque cargadas esperanzas a lo largo de cada asentamiento improvisado imaginable.

UNOS Y DIVERSOS

POR: JOSÉ JIMÉNEZ. Catedrático de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Autónoma de Madrid, Crítico de Arte y Curador de arte contemporáneo. España, 2009.

De ahí la importancia, tanto por razones éticas como antropológicas en el sentido más profundo, de potenciar la dignidad y la expresión cultural de los individuos y poblaciones desplazados, a través de la educación y la formación cultural. Memoria decapitada, el proyecto de Lucrecia Piedrahíta Orrego, es una de las iniciativas más sólidas y coherentes que conozco en esa dirección: el reconocimiento del otro, sin paternalismos, para abrirle las puertas de nuestra casa común, la tierra. En el futuro de los desplazados, en su capacidad para integrar y aportar nuevos valores a los nuestros, está el enriquecimiento de nuestro propio futuro y el de las generaciones que vendrán.

Encuentro de personas en la Arquitectura. Bienal de Arquitectura de Venecia, 2010

ORIGINAL:
DLD (Digital Life Design). Por Lukas Kubina
Letras Anónimas. Por Lucrecia Piedrahíta

La Bienal de Arquitectura de Venecia hace un llamamiento a defender el espacio público. La versión 12 se inauguró el Domingo, 29 de agosto. La curadora, la arquitecta japonesa Kazuyo Sejima plantea la cuestión de cómo la gente puede encontrarse en la arquitectura. Junto con su compañero Nishizawa, su oficina Sanaa ganó el prestigioso Premio Pritzker 2010.

Es una Bienal que cuenta con un montón amigos DLD. Rehm Koolhaas fue galardonado con el León de Oro de la Bienal de Arquitectura para la obra de su vida y sus logros. El artista Thomas Demand se atreve a una instalación tridimensional. Él construye una fachada de la casa con paredes de tabique y brillo rojo globos de luz por las ventanas. El diseño es una reminiscencia de algo que ya no existe. La casa clavo ", una pequeña delicatessen china en la ciudad de Chongqing fue demolida a pesar que el propietario luchó contra las topadoras y el estado por tres años. Ahora será reconstruida, en el centro de Zurich. Junto con el arquitecto inglés Caruso St. John, Thomas ganó el concurso para el diseño de la Escher-Wyss-Platz. Ubicada justo debajo de un puente de la carretera, el lugar olvidado de Dios podría ser reforzada con el snack bar reconstruido.

¿Qué crea el espacio finalmente? El curador Hans Ulrich Obrist hace visible el espacio en conversaciones. En una maratón de entrevistas, que se puede seguir en las pantallas del Arsenal, ha hablado a todos los participantes de la exposición principal.

Es posible, encontrar información adicional en la página web oficial. A continuación vea los tres amigos DLD en un panel el DLD 2009 "A Black Mountain College for the 21st Century", con Piero Golia y los compañeros penelistas, Carsten Höller, Bon Lauren y Maja Hoffmann:

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ORIGINAL: Letras Anónimas

La Bienal de Venecia quiere olvidarse de la crisis

La Bienal de Venecia tratará de huir de la crisis económica y del arte como mercancía comercial en su 53 edición, gracias a la visión “no obsesionada con los objetos únicos” que le ha querido dar el comisario sueco Daniel Birnbaum.

Durante el acto de presentación de la cita, que estará abierta entre el 7 de junio y el 22 de noviembre bajo el lema ‘Fare Mondi’ (Crear Mundos), la crisis fue mencionada sólo dos veces, la primera de ellas cuando Birnbaum anunció que la Bienal “no reaccionará excepcionalmente” a la penuria económica global.
El comisario puso como ejemplo el arte de Yoko Ono, que será premiada este año con el León de Oro a su carrera, para describir una edición en la que la Bienal de Venecia estará “más cerca de otra economía” que huye de “los objetos preciosos”.

Eso sí, entre los artistas invitados habrá tanto figuras de reconocido prestigio como Miquel Barceló, dentro del pabellón español, como artistas de países recién llegados al circuito internacional del arte, como el indio Nikhil Chopra.

La proyección internacional de la muestra quedó patente durante la multitudinaria presentación con preguntas de los periodistas sobre la participación por vez primera de países como Irán e Israel.
El presidente, Paolo Baratta, explicó que la Bienal contará con la participación de 77 países, la más extensa de la historia de la muestra, y que en consecuencia se trata de un escaparate internacional, por lo que entes políticos y regiones que forman parte de países suelen querer participar.

Francesco Prosperetti, el director general del Parc, organismo oficial italiano encargado del arte y la arquitectura, volvió a mencionar la crisis económica durante su intervención y afirmó que la Bienal de Venecia también debe “soportar recortes en los gastos”.
No obstante, puso como ejemplo del esfuerzo hecho por la organización las varias ampliaciones de la estructura expositiva que se pondrán en marcha este año, a pesar de los escasos recursos.

Nuevo Palacio de Exposiciones

El primer gran cambio es la creación del nuevo palacio de exposiciones, llamado Área de los Jardines, que en palabras de Baratta supone “por primera vez en la historia de la Bienal una sede donde poder desarrollar actividades permanentes, de forma paralela a los festivales y las grandes exposiciones”.

El nuevo edificio permanecerá accesible al público durante todo el año y abrirá 10 años después la biblioteca del Archivo Histórico de las Artes Contemporáneas.

La 53 edición de la Bienal de Venecia también ha querido dar un papel más importante a Italia, que a partir de ahora ocupará un pabellón de 1.800 metros cuadrados, con lo que casi doblará su capacidad.
Por otro lado, este año vuelve a formar parte de la muestra el edificio ‘Ca’ Giustinian’, gracias a un acuerdo con el Ayuntamiento de Venecia por el que la sede histórica ha sido restaurada.
La última gran novedad de la estructura de la edición de este año es la creación de un nuevo puente que une la zona del Arsenal con la de los jardines, una infraestructura que dará cohesión a los diversos recintos.

Baratta apuntó en su discurso que la tercera sede del evento será la misma ciudad de Venecia, gracias a los numerosos actos paralelos que están programados por parte de instituciones como la Colección Peggy Guggenheim o el Palazzo Grassi.

Fuente: http://www.elmundo.es/elmundo/2009/03/23/cultura/1237824309.html

PAPEL CALCO. INCUBADORA DE EXPOSICIONES. Público / Privado. La obra de Luis Fernando Escobar

"PÚBLICO / PRIVADO".
LA OBRA DE LUIS FERNANDO ESCOBAR

"LA OBRA DE LUIS FERNANDO ESCOBAR RESTITUYE MIRADAS NUEVAS EN LAS RELACIONES PRESENTES ENTRE CIUDAD, PAISAJE Y NATURALEZA"

LUCRECIA PIEDRAHÍTA

Reinterpretación de la imagen a partir de la obra de Thomas Struth, Museo del Prado 7, Madrid, 2005, © Thomas Struth.jpg 157,00 K. Montaje: Juan Pablo García.

Reinterpretación de la Imagen a partir del montaje: Mansilla-Tuñón. Montaje: Juan Pablo García.

"Añadir a la sombra una dimensión en el sentido de la profundidad"

Tanizaki.

El elogio de la sombra.

Luis Fernando Escobar es un observador minucioso de la ciudad, de los pliegues progresivos de las geografías urbanas. Excava en la pintura para abordar la imaginación, entendida ésta, en términos de Hannah Arendt, como la facultad de hacer presente aquello que está ausente. Tanto Arendt como Kant plantean una interpretación de la imaginación como facultad política, es decir, la imaginación es el puente entre la estética y la ética. (...) "la imaginación es la facultad de tener intuiciones sin la presencia del objeto". Es productiva cuando se trata de la artística. Es "la condición de la memoria". Por lo tanto referenciarla temporal y espacialmente es otorgarle sus múltiples sentidos y de materializarla como facultad que tiene de dar cuerpo a lo que está ausente. Y esta itinerancia de la mirada que plantea Escobar constituye un protocolo de investigación sobre las visuales de la ciudad.

Por: Lucrecia Piedrahíta Orrego

La pintura plantea siempre la reproducción del diálogo para el arte contemporáneo. Sus procesos históricos dan cuenta del estatuto la imagen y sus articulaciones conceptuales permiten analizar las políticas de representación y sus cruces reflexivos y críticos. La pintura es un acto de meditación, forma de pensamiento que comunica a través de la línea y sus tensiones, de los campos de color y sus equilibrios, distancias y direcciones.

Desde estas gramáticas visuales la obra de Luis Fernando Escobar hace presencia para dar cuenta de unas grafías de ciudad y sus miradas al paisaje, al territorio, a la naturaleza. Una producción plástica que detecta escalas, masas, zonas, ritmos, volúmenes, ejes y vacíos como recursos espaciales de ordenación conceptual y formal.

Las relaciones entre el hombre y su entorno ambiental, social y cultural se reflejan en su manera de intervenir el espacio, de identificarse con un lugar, de marcar su territorialidad y desde estas correspondencias aparece el paisaje como un concepto construido y un cuerpo expandido que permite interpretaciones amplias en las relaciones entre ciudad, paisaje y naturaleza, miradas atravesadas por múltiples significaciones en donde el espacio cobra sentido y valor político dentro del sistema simbólico general de la cultura.

En la re-construcción de la cultura visual y el territorio como ejes de las prácticas artísticas aparece el artista como un etnógrafo asimilando el trabajo de quien recorre un territorio y lo hace suyo y de quién asume la percepción como palabra clave de su oficio. En este sentido Mal Foster afirma que el nuevo artista etnógrafo es una especie de cartógrafo que traslada sobre el papel el espacio/cultura del "otro"' según las coordenadas de la nueva teoría social, convirtiéndose la galería o sala de exposiciones en una verdadera sala de mapas en donde se despliega la epidermis cultural de aquel "otro" ante ta mirada, entre curiosa y culpable del espectador occidental. Esto nos lleva a pensar que esa diferenciación del artista como etnógrafo tiene validez mientras que el artista adopte la actitud del viajero etnógrafo, móvil y capaz de llevarse consigo las imágenes de su viaje.

La obra de Luis Femando Escobar restituye miradas nuevas en las relaciones presentes entre ciudad, paisaje y naturaleza. En este sentido su pintura revitaliza la percepción de! instante como gesto, de la huella y de la memoria. "La memoria, es por lo general, un acto narrativo", afirma Mieke Bal y este concepto se subraya en el acto fundacional de cada nueva pintura del artista que observa con detenimiento las visualidades propias de la ciudad recurriendo siempre a demarcar unas coordenadas de ubicación como principio estético y procesual para proponer asi una etnografía del lugar. En su pintura las relaciones espaciales van del exterior al interior, de lo público a lo privado para lograr la traslación a la escala plástica de los valores táctiles presentes en su obra.

En la producción reciente que nos ofrece Luis Fernando Escobar se encuentra una tensión entre horizontalidades y verticalidades sometidas a un ejercicio compositivo que en medio de las gradaciones de una paleta densa construye bloques aislados en medios de las avenidas y los muros ciegos de ciudad para otorgar una fluidez espacial de alta estética. Una pintura que establece elementos para dialogar con el paisaje que ella misma contiene, una experiencia que teatraliza las sombras para "añadir a la sombra una dimensión en el sentido de la profundidad"(1) , unas visualidades que dan cuenta de las frecuencias sonoras y sensoriales, una superficie que recoge la luz y. es precisamente en ese juego de luz y sombra y en esas tensiones visuales de una geometría propia en donde se reconfígura el espacio rigurosamente vacío de las -pinturas negras- de Luis Fernando Escobar.

Por: Lucrecia Piedrahíta Orrego

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(1) TANIZAKI, Junichiro. El elogio de la sombre, ed. Siruela (trad. Julia Escobar)

Luis Fernando Escobar Arango
lfescoba@unalmed.edu.co
escobararangol@yahoo.com

ESTUDIOS
Maestro en Artes. Universidad Nacional de Colombia, sede Medellin

RESEÑA DE ALGUNAS EXPOSICIONES COLECTIVAS

• 1993 "La Casa de mi Mamá”. Museo de Arte Moderno de Medellin.
• "VI Salón Regional deArtislas. Zona 3". Museo de Arte Moderno. Medellin
• 1994 "XXXV Salón Nacional deArtislas". Corteñas, Bogotá.
• Cincuenta Años de la Pintura y la Escultura en Antioqula", Museo de Arte Moderno de Medellin.
• 1995 "XXII Salón de Arte Joven", Museo de Anlioquia, Medellin.
• "VIl Salón Regional de Artislas, Zona 3", MAMM v BPP, Medellin.
• 1996 “Nuevos Maestros” Galería de Arte SAI Medellín
• 199B "Pintura colombiana en los 90’s Museo de Arte Moderno de Cartagena, Cartagena.
• 2001 "La pintura se toma la Sede”. Biblioteca “Efe” Gómez. Universidad Nacional de Colombia, sede Medellin
• Horizontes, Museo de Arte Moderno y Sala de Exposiciones Suramericana de Seguros. Medellín.
• 2002 "Alma de Integración. Artistas de Colombia, México y Venezuela y el papel de fique de Barichara” Galería CAF. Bogotá
• 2003 "X Salón Regional de Artes Visuales" Medeliin.
• 2004 "En Obra”. Galería Facultad de Arquitectura, Universidad Nacional de Colombia, sede Medellin.
• 2007 '2D'. Sala U. Universidad Nacional de Colombia, Sede Medellin.
• 2007 "Pequeño Formato" Casa Tres Patios.Medellin.
• 2009 "La memoria decapitada". Claustro de San Agustín. Bogotá.
• 2010 "Terra Nostra". Sala U, Universidad Nacional. Medellin.
• 2010 'Cultura visual y territorio Ciudad-Paisaje-Naluraleza". Museo el Castillo. Medellin.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

• 1985 "Luis Femando Escobar". Galería de la Oficina. Medellin.
• 1986 "Obra Reciente". Centro Colombo Americano. Medellin.
• 1990 "Pinturas", Sala de Arte. Biblioteca Pública Piloto. Medellin.
• 1991 "Exposición Simultánea", Edificio de la Cultura. Cámara de Comercio, Medellin.
• 1994 "Presencias - Territorios", Galeria Taller, Museo de Arte Moderno La Tertulia. Cali.
• 1998 "Nocturnos” Fundación Santillana para Iberoamérica. Bogotá
• 2003 "Urbanos'.Galería Julieta Álvarez, Medellin.
• 2008 “Puntos de encaje". Sala U. Universidad Nacional de Colombia, Sede Medellín

EXPERIENCIA DOCENTE

• Universidad Nacional, sede Medellín.
• Vinculado desde 1989. Profesor Asistente de Tiempo Completo.

OBRA EN COLECCIONES

• Museo de Arte Moderno La Tertulia. Cali.
• Museo de Antioquia. Medellín.
• Fundación Santillana para Iberoamérica. Bogotá.
• Colección General. Banco de la República. Bogotá.
• Museo Universitario. Universidad de Antioquia Medellín.

DISTINCIONES PROFESIONALES

• 1985 Seleccionado "Medalla Marta Traba". Cali
• 1995 Premio “Rafael Esteban García”, XXII Salón de Arte Joven. Museo de Antioquia. Medellín

ACADÉMICAS

• 1999 Primer premio a la Línea de Investigación en Artes Plásticas en la primera convocatoria Grupos Semilla de Investigación, Universidad Nacional de Colombia. Sede Medellín

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El proyecto "PAPEL CALCO, INCUBADORA DE EXPOSICIONES" es publicado en impresos coleccionables por el periódico "El Mundo" en su revista cultural mensual "Palabra y Obra".

Dirección General y Curaduría: Lucrecia Piedrahita Orrego. Museóloga / Especialista en Política y Periodismo

Dirección Gráfica y Creativa: Carlos López Piedrahita. Comunicador Social / Arquitecto. Especialista en Diseño Estratégico e Innovación

Sketches: Juan David Mesa. Arquitecto

Video Exposición del Bicentenario: Artes Visuales en Colombia desde 1810. MAMBO

ORIGINAL: MAMBogota

Lugar: Sala de Proyectos
Museo de Arte Moderno de Bogotá.

Inauguración Sábado 21 de Agosto
11:00 a.m.

La Video-Exposición del Bicentenario: Artes Visuales en Colombia desde 1810 no sólo propone una mirada a la plástica colombiana de los últimos doscientos años desde un punto de vista contemporáneo, sino que, al ser presentada a través de un medio de tan evidente actualidad como el video, constituye así mismo un testimonio del momento actual, de las posibilidades que se han abierto recientemente para la presentación y consideración del arte.

Eduardo Serrano, el curador de la muestra, dividió el arte de estos doscientos años en seis capítulos de acuerdo con hechos que implicaron cambios importantes en el devenir de la plástica colombiana.

Inicios Republicanos 1810-1870

La Academia 1870-1930

Raices y Sociedad 1930-1950 La Bachué de Rómulo Rozo

Tiempos Modernos 1950-1970 Alejandro Obregón.
(REALIZACIÓN: Lucrecia Piedrahíta en alianza con "Ideas a la Carta. Investigación sobre el período comprendido entre 1950-1970, período de Marta Traba y la bisagra al arte moderno en Colombia. Se presenta el documental, definitivo para revisar la plástica en Colombia.")

Del estilo al concepto 1970 1990 Miguel Ángel Rojas. David. Instalación 2005

Prácticas Artísticas 1990-2010 Juan Pablo Echeverri. Miss Fotojapón. 2003

V Feria Internacional de Arte de Bogotá - ArtBo

ORIGINAL:ArtBo On Line

Sobre ArtBo

La V Feria Internacional de Arte de Bogotá - ArtBo se realizará en Corferias del 22 al 26 de octubre de 2009.

ArtBo 2009 se proyecta como una propuesta cultural con altos estándares de calidad, rica en tendencias y expresiones como la pintura, la fotografía, el performance, las instalaciones y el video, entre otras manifestaciones de la plástica.

Más de 6.600 metros cuadrados de exposición se abrirán al público durante los seis días de Artbo 2009. Observadores, compradores y coleccionistas tendrán acceso a las más recientes tendencias y obras del arte nacional, latinoamericano e internacional.

Este año, la Feria contará con un pabellón de galerías, un pabellón dedicado a los niños y una programación cultural especial para visitantes y coleccionistas.

De igual manera, en esta quinta versión de ArtBo se realizará el Pabellón Artecámara, proyecto de investigación de artistas jóvenes, con el propósito de mostrar y promocionar el trabajo de nuevos talentos. Para ello, la Cámara de Comercio de Bogotá realizó una convocatoria abierta entre artistas de menores de 35 años, cuyos trabajos han sido evaluados y seleccionados por un reconocido comité de curadores.

Como novedad, la Feria ofrece a las galerías que tengan stand en el pabellón central, un espacio alterno para presentar los proyectos de artistas individuales "Project Rooms". Los trabajos presentados para este espacio serán seleccionados por un curador asignado por la organización.

[Fractal'10] Charla: “Cerebro, arte y creatividad” por la Dra. Patricia Montañés

ORIGINAL: Proyecto Líquido

La octava charla de Fractal’10, “Cerebro, arte y creatividad“, estuvo a cargo de Patricia Montañés, Neuropsicóloga y doctora en Neurociencia Cognoscitiva que dirige el área de neurociencia de la conducta en la Universidad Nacional de Colombia e investiga temas como memoria, Alzheimer, arte y creatividad.

[Fractal'10] "Cerebro, arte y creatividad" por Dra. Patricia Montañés original de Universo Fractal.