miércoles, 11 de julio de 2012

Frida Kahlo, la forma concreta.

Por: Lucrecia Piedrahita. Museóloga / Curadora de Arte
julio 9, 2012 8:05 pm Letras 


Su verdadero nombre era Frida Kahlo, su verdadero rostro estaba hecho de flores de mil colores, joyas que enmarcaban su perfil inteligente y la mirada profunda de sus ojos negros por los que nunca dejó colar los dolores de sus más de 32 operaciones que le realizaron debido a sus enfermedades y al accidente que marcó su cuerpo con lesiones severas. Sus pinturas registraron su propia realidad para adornarla de una paleta fina, pincelada precisa y espacios surrealistas en donde ella aparece al vuelo, coronada por tocados finos, transfigurada en un venado que corre ingenuo. Frida niña, Frida joven, Frida indígena. Su cuerpo fue su casa convertido en espacio habitable, habitacional: Mujer-hogar, mujer-casa, mujer-refugio, mujer-barca, mujer hecha de piezas que se construye y se arma; mujer-tierra, mujer-agua.

Su padre, un fotógrafo de origen germano – húngaro fue el amigo cercano al igual que su madre mexicana. Frida nació en Coyoacán – México el 6 de julio de 1907 y murió el 13 de julio de 1954. Fue la tercera hija mujer de los cuatro hijos que tuvo la pareja. De temperamento fuerte y carácter decidido Frida Kahlo fue la artista que hizo de la identidad mexicana su propio vestido: “… cuando Frida Kahlo entró a su palco en el teatro, todas las atracciones musicales, arquitectónicas y pictóricas quedaron abolidas. El rumor, estruendo y ritmo de las joyas portadas por Frida ahogaron los de la orquesta, pero algo más que el mero sonido nos obligó a todos a mirar hacia arriba y descubrir a la aparición que se anunciaba a sí misma con el latido increíble de ritmos metálicos, para en seguida exhibir a la mujer, que tanto el rumor de las joyas como un magnetismo silencioso, anunciaba.” (Carlos Fuentes).

Ella se convirtió en su imagen de marca. A través de los años la artista se consolidó en referente imprescindible del arte moderno, del estilo y la personalidad de una figura internacional que en vida supo del reconocimiento de los círculos del arte en Estados Unidos y varias ciudades de Europa: encuentros con intelectuales como Breton, teórico del surrealismo, conversaciones con Picasso, apariciones en revistas de moda y glamour como Vogue. Así mismo se destaca el barroquismo como sello indiscutible de su famosa Casa Azul de Coyoacán, hoy Museo Frida Kahlo. Un espacio cargado de la belleza propia de las cosas simples: espejos, armarios, hojas de libros en la intimidad de su habitación, sus botas de calzar decoradas con flores, las manchas del espejo ubicado en la parte superior de su cama desde donde ella releía su propia historia para inscribirla en los lienzos, el mismo espacio donde se congelaba la –luz violenta de los relámpagos-, y la pequeña ventana que permitía ver el contraste del jardín abierto con las paredes, esculturas y piedras que marcan los senderos. 

Fue en 1953 cuando la Galería de Arte Contemporáneo de la capital de México organizó la única exposición individual que Frida Kahlo tendría en su país durante su vida. Para aquella fecha su salud estaba muy deteriorada y por petición expresa de los médicos se le prohibió asistir a la inauguración. Minutos después de iniciada la muestra se sintieron las sirenas desde el exterior. Los cientos de personas enloquecidas por el ruido se dirigieron al exterior, allí se ubicaba una ambulancia acompañada de una escolta. El grupo de ayudantes descendía a la artista Frida Kahlo en una cama de hospital. El público enmudeció, hubo muchos silencios para luego estallar en alegría. Ella fue llevada hasta el centro de la galería. Frida sonrió. Así celebraba la pintora de los amores, pasiones y desvelos conjugados en la entrega por quien sería su esposo y su calvario: Diego Rivera, el gran muralista mexicano, aquel para quien la artista escribiría en su diario y su íntimo autorretrato: “Diego Principio / Diego constructor / Diego mi niño / Diego mi novio / Diego pintor / Diego mi amante / Diego “mi esposo” / Diego mi madre / Diego mi padre / Diego mi hijo / Diego = yo = / Diego Universo / Diversidad en la unidad.

Diego, su única verdad.

domingo, 8 de julio de 2012

CONFERENCIA: "ESFERAS PÚBLICAS DE ACEPTACIÓN ARTÍSTICA". HÉRNAN MÉNDEZ - Colombia

HOMENAJE A JOHN CAGE. EL MAESTRO DEL AZAR PLANEADO
Miércoles 11 de Julio a las 6PM.
CASA DE LA LECTURA INFANTIL. COMFENALCO

CONFERENCIA

ESFERAS PÚBLICAS DE ACEPTACIÓN ARTÍSTICA

HÉRNAN MÉNDEZ - Colombia

Filósofo

Entrada Libre.
No hay límite de cupo.



lunes, 2 de julio de 2012

Woodcut: A Meditation on Time Through the Inked Cross-Sections of Fallen Trees

ORIGINAL: Brain Pickings

Bryan Nash Gill’s visual record of the passage of time.

Trees have a way of witnessing the world that stirs our deepest sense of permanence and impermanence . Somewhere between Cedric Pollet’s Bark and Romeyn Houghs’s cross-section plates comes Bryan Nash Gill’ s Woodcut ( public library ) — a magnificent collection of the artist’s large-scale relief prints from the cross-sections of fallen and damaged trees.

Gills’ ink prints — sometimes stark, sometimes nuanced, always exquisitely beautiful — provide another, at once more abstract and more organic, way to visualize time , his labor-intensive printmaking process mirroring the patience imprinted on the trees’ arboreal rings. Looking at the cross-sections from above, inverting one’s usual orientation relative to a tree, kindles a kind of transcendental awe at these radial life records.

Ash, 2003. 82 years printed

Red Ash, 2007. 82 years printed
Double Crescent, 2009. Norway spruce. 45 years printed
Black Locust with Bark, 2009.  87 years printed
Honey Locust, 2010. 31 years printed
Eastern Red Cedar, 2011. 77 years printed
Glue Lam, 2003
One of Gill's first prints created from dimensional lumber. Glued laminated timber is known for its superior structural strength and used in columns and beams. This print, revealing the grain patterns of glued lumber, is made from two boards stacked and rotated.

Gill at work, inking the block and printing (pressing the rings) of Eastern Red Cedar

Nature writer Verlyn Klinkenborg observes in the foreword:

Something [happens] as you peer into these boles. They confound time, simultaneously offering diachrony and synchrony, to use those nearly antiquated words. You look across all of the tree’s living years, exposed at one. And yet, as you move from the center to the periphery — to the final present of that individual tree — you’re also looking alongtime, along the succession of growth cycles that end in what is, after all, the death mask of a plant, the sustained rigor mortis of a maple, ash, spruce, locust, and other species.




Woodcut

Beautiful and quietly poetic, Woodcut is an absolute treat both aesthetically and conceptually, pulling you into a deeper contemplation of the passage of time as it sweeps you up in a meditation on beauty.

Captioned images courtesy of Princeton Architectural Press / Bryan Nash Gill

jueves, 28 de junio de 2012

Conferencia: "John Cage o la doble entrada del Budismo Zen en Occidente"

HOMENAJE A JOHN CAGE EL MAESTRO DEL AZAR PLANEADO

Están todos cordialmente invitados

Viernes 29 de Junio a las 6PM.

AUDITORIO PARQUE BIBLIOTECA BELÉN - COMFENALCO


Conferencia.

John Cage o la doble entrada del Budismo Zen en Occidente
JUAN FELIPE JARAMILLO

Entrada Libre

Los Esperamos !!!


miércoles, 27 de junio de 2012

Lucrecia: pasión por el arte

ORIGINAL: El Colombiano
MÓNICA QUINTERO RESTREPO
27 de junio de 2012

Lucrecia Piedrahíta es curadora, museógrafa y docente. Una apasionada del arte, que lo mira y lo estudia.
Lucrecia Piedrahíta habla despacio. Explica aquí, allá, pone el contexto. Quizá tiene que ver con eso que tanto la apasiona: ser docente. Y por eso está siempre queriendo decir algo. Queriendo enseñar algo.

¿Le obsesiona estudiar?
"Absolutamente. El estudio y la cualificación profesional desde el campo donde me muevo que es la historia del arte, la museología, la curaduría, es fundamental. El estudio es mi obsesión 24 horas. Para mí el ejercicio de aprender a ver es fundamental".

¿Con qué se compromete un curador?
"Debe ser un trabajo comprometido con la escritura, la palabra y sobre todo con la práctica interpretativa. El ejercicio del curador no se puede resumir en una selección, en una puesta en obra, sino que en realidad hay una investigación de soporte, que le permita al visitante encontrar un guión de lectura en la sala. Pienso que uno como docente y como curador tiene una labor tremenda y es trabajar por la mirada consciente y selectiva que tiene que tener el público".

Usted también tiene una mirada multidisciplinar. Literatura, política, arte...
"Para mí es definitivo. El pensamiento contemporáneo no permite una mirada unidireccional. Tiene que ser multipolar y te diría, más que con la política, el ejercicio del curador es una práctica que vincula lo público y ahí tal vez te respondería con una frase muy bella de Michael de Certeau , cuando dice que pensar es un acto político".

¿Cómo está Medellín en arte?
"Para mí es una ciudad muy vital. Es un laboratorio con muchísima fuerza y con muy pocos espacios de acción para los artistas. Hay oportunidades, pero falta mucho por hacer y eso es lo bueno, porque qué tal que estuviéramos en un escenario cerrado y completo. Ya estaríamos mirando al horizonte".

¿Hay apoyo?
"Desde unas políticas públicas se ha cualificado la participación de los artistas y es acceder a través de becas de creación a su trabajo. Eso lo valoro muchísimo. Me parece que es una seriedad que se pone y que se le impone al artista. Considero que faltan muchísimas cosas por hacer, esperando que desde lo público y lo privado se entienda que la cultura es un espacio de construcción política absolutamente interesante".

Cree en los jóvenes. ¿Hay buenos artistas?
"Soy profesora en Eafit, en Bellas Artes y profesora las 24 horas y te digo, hay un talento impresionante en los jóvenes. Están muy solos también y por eso me pongo en un trabajo de acompañarlos, de ayudar a que con el ejercicio que les planteo de cómo se lee una obra de arte y cuándo lo que ellos tienen es una obra de arte, que es cuando esa pieza respira independientemente, logran hacer su obra mejor".

¿Siempre está detrás de los artistas, pero también crea?
"No. Yo pienso que el ejercicio mío de creación es la escritura y reinventarme todos los días para pararme a dar una clase o a vender un proyecto. El trabajo que hago como gestora cultural, el de escritura y el de trabajo de docente es creación. Pero obviamente ese trabajo de la plástica, ya resuelto en la obra de arte, ese es un espacio donde yo tengo el ojo y sé quién lo hace bien".

Una artista que le emocione
"Internacional diría que los que me tienen ahora conmovida son Anish Kapoory, Wei Wei. Y a nivel nacional siempre volveré los ojos a Doris Salcedo ".

miércoles, 20 de junio de 2012

JOHN CAGE - El Maestro del Azar Planeado 2012



Nos preparamos para la segunda parte del Taller Didáctico : CÓMO CANTAR A CAGE. A cargo de la maestra, cantante: Mónica Acosta.
Luego de la exitosa muestra de las piezas vocales realizadas a partir de la obra del compositor John Cage y continuando con el espíritu didáctico que alienta el trabajo de Mónica Acosta, este Sábado 23 de Junio a las 4:30PM en el Salón Múltiple Nº 5 del Centro Comercial Unicentro Medellín se llevará a cabo la 2da entrega del taller CÓMO CANTAR A CAGE.

Este Taller tendrá contenidos diferentes al realizado en el Museo de Arte Moderno de Medellín.

Están todos cordialmente invitados a que se inscriban, participen y disfruten de esta oportunidad única para apreciar la obra de una figura fundamental para el desarrollo de la cultura contemporánea y en especial la música y las prácticas artísticas del siglo XX como JOHN CAGE.

Como ya saben al taller solo podrán asistir aquellos que se inscriban previamente. El cupo es limitado a 30 Personas y no tiene ningún costo. Es importante mencionar esto, pues la acogida a desbordado la capacidad de cupos y no queremos dejar a ningún interesado sin la oportunidad de vivir esta experiencia.



Las inscripciones se deben hacer a través de un correo enviado a la dirección culturadeautor@gmail.com simplemente diciendo que están interesados en participar y facilitando una dirección de contacto donde recibirán la confirmación de dicha inscripción.

Los esperamos!!!

Mayores informes del Homenaje a JOHN CAGE
MAESTRO DEL AZAR PLANEADO en:

martes, 12 de junio de 2012

HOY A LAS 8 DE LA NOCHE SE PRESENTA EL CUARTETO Q - ARTE EN EL AUDITORIUM MAXIMUM

ORIGINAL: Auditorium Maximum

CUARTETO Q-ARTE
GRAN CONCIERTO - FESTIVAL DE CUARTETOS 2012

UNA ALIANZA ENTRE  EL CENTRO  CULTURAL AUDITORIUM  MAXIMUM   Y EL BANCO DE LA REPÚBLICA


CUARTETO Q-ARTE

Liz Ángela García y Juan Carlos Higuita, violines; Sandra  Liliana Arango, viola, y Diego García, violonchelo.

Obras de:
Javier  Álvarez (n. 1956), México, D.F. Alberto Ginastera (1916-1983), Buenos Aires, Argentina.
Leo Brouwer (n. 1939), La Habana, Cuba. Johann Hasler (n. 1972), Medellín, Colombia. Gabriela Ortiz (n. 1964), México, D.F.

MARTES 12 DE JUNIO, 8:00  P.M
CENTRO  CULTURAL AUDITORIUM MAXIMUM, COLEGIO ALEMÁN  DEUTSCHE  SCHULE - MEDELLÍN

TALLER: MIÉRCOLES   13 DE JUNIO,
10:30 A.M.  A 12:30 M.
CENTRO  CULTURAL AUDITORIUM MAXIMUM, COLEGIO ALEMÁN DEUTSCHE  SCHULE – MEDELLÍN

EL FESTIVAL DE CUARTETOS 2012   ES ORGANIZADO POR  EL BANCO DE LA REPÚBLICA, SE REALIZA EN BOGOTÁ, MEDELLÍN Y BARRANQUILLA
Boletería: $20.000
Descuentos: 50% estudiantes con carné vigente
Puntos de venta de Tu Boleta  y Taquilla del Teatro

AUDITORIUM MAXIMUM
Carrera 61 Nro. 34-62 Parque Ditaires - Itagüí, Colombia Tel. 2818811 Ext. 230 - 235 auditorium@colegioalemanmedellin.edu.co culturadeautor@gmail.com www.auditoriummaximum.org.co

Tuur diseña un pájaro de oro al mezclar arte y biología

ORIGINAL: El Colombiano
ALEJANDRO GÓMEZ VALENCIA
11 de junio de 2012

Los proyectos de Tuur se pueden conocer en www.tuurvanbalen.com. FOTO CORTESÍA TUUR VAN BALEN
Su proyecto, darle de comer a las palomas una bacteria inofensiva que convierta sus heces en jabón es una más de sus polémicas, visionarias y extrañas ideas.

Que las palomas defequen jabón para lavar las ventanas es una de las ideas de Tuur Van Balen, un artista belga que se dedica a explorar la biología sintética sin permiso de fronteras entre el arte y la ciencia.

Su proyecto, llamado Pájaro de Oro, le dio un Award of Distinction en los Prix, los premios que entrega el Festival Ars Electrónica de Linz y también generó polémica como posiblemente lo haga su más reciente idea: extraerse sangre propia con una sanguijuela para luego cocinarla de una manera especial y tratar así la melancolía. El artista explicó en una entrevista para EL COLOMBIANO sus propósitos con la biología sintética y su particular visión del mundo.

¿Cuál es la intención con el proyecto Pájaro de oro?
"Pájaro de oro es un trabajo en el que uso la biología sintética para hacer una paloma que defeque jabón. Con la ayuda de un bioquímico he creado una bacteria que puede vivir en el intestino de la paloma y hacer una versión biológica del jabón. La bacteria es tan inofensiva para la paloma como lo es para los humanos comer yogur, en teoría. La intención del trabajo es explorar las implicaciones políticas, éticas y estéticas del diseño biológico. Nos invita a considerar a las bacterias en el interior de la paloma y la paloma dentro de la ciudad. La modificación de las bacterias se convierte así en la modificación de nuestras condiciones de vida urbana. Creo que los marcos de trabajo con un conjunto de preguntas en torno a la biología sintética, que son relevantes hacer ahora, como la tecnología, están emergiendo de diferentes laboratorios rápidamente".

¿Qué lo inspiró para enfocarse en las palomas?
"Las palomas se sientan en una zona gris ética interesante, en torno a la manipulación de la vida y el desarrollo de tecnologías biológicas. Las palomas, de hecho, ya son un producto de la biotecnología: a través de generaciones, han recibido pan para volver a casa más rápido, ya sea para entregar correo o para propósitos de carreras. Esta es una de las razones por las que Charles Darwin también se interesó por ellas. Además, la cultura de las carreras de palomas viene con un conjunto de hermosos rituales, prácticas, personajes, lenguajes y objetos que ha sido muy inspirador para el proyecto".

Es un proyecto que ha recibido premios en festivales de arte, pero también ha generado polémica porque hay gente que cree que se trata de ingeniería genética, ¿cree válida o no esa polémica?
"La biología sintética es mucho más una biotecnología, pero no es exactamente lo mismo que tradicionalmente se llama ingeniería genética. No sólo los métodos son diferentes, parte de su visión y la ideología también. Además, creo que la biología sintética tiene el potencial de involucrar un conjunto muy diverso de profesionales: desde biólogos y artistas hasta científicos e ingenieros. Eso no significa que sea menos atemorizante. Pero creo que hace que el debate en torno a la posible (e imposible) aplicación e implicación de la tecnología más interesante".

¿En qué consiste ese raro proyecto que invita a cocinar y comer la propia bilis negra?
"Cook Me - Black Bile es un proyecto en el que puedo usar la biología sintética para desarrollar nuevas interacciones con el cuerpo. Estas interacciones se proponen como una nueva forma de cocinar, para adaptar una experiencia emocional a una persona específica en un momento determinado. He creado una receta que utiliza una sanguijuela que se había alimentado de mi propio cuerpo antes de cocinarla.

La receta está inspirada en la teoría de los Cuatro Humores de Hipócrates que ve el cuerpo como una entidad compuesta por cuatro sustancias básicas: 
  • la bilis amarilla, 
  • sangre, 
  • flema y 
  • bilis negro. 
Esta teoría inspiró el sangrado: una práctica médica común destinada a restablecer la salud física y mental al llevar estos fluidos corporales de nuevo al equilibrio. Cada sustancia está vinculada a un carácter específico, la bilis negro, en la ficción de estos cuatro fluidos, evoca el humor de la melancolía. Este trabajo examina el espacio entre las antiguas creencias y las incógnitas en el futuro, entre lo absurdo y la ciencia, la cocina y la farmacia".

¿El objetivo de sus proyectos es que en realidad sean aplicables o son una manera de llamar la atención sobre ciertos conceptos?
"Mi trabajo existe en su propio presente. Los objetos, fotografías o vídeos tienen el propósito de atraer a las personas en este presente para confrontarlas, preguntarles y confundirlas para que cuando salgan al otro extremo, consideren el futuro de manera diferente".

Varios de sus proyectos se relacionan con los anticuerpos, el agua, la tecnología, ¿cuál es su percepción sobre el futuro de las ciudades?
"La mayoría de la biología se convierte en tecnología, la mayoría de nosotros vamos a tener que reconsiderar las redes y los ecosistemas que vienen con esta tecnología. A diferencia de la tecnología del silicio, la biología puede evolucionar, criar, parasitar, morir, emerger, mutar ... las redes podrían ser los ecosistemas, las ciudades podrían ser organismos".

¿Cómo se imagina el futuro?
" El futuro es nuestra proyección actual de las esperanzas, miedos y deseos. El presente es una indefinición indefinida (e infinita). El mundo fue creado hace unos momentos, lleno de seres humanos que "recuerdan" un pasado ilusorio. El tiempo es un proceso mental".




Antecedentes

OTROS PROYECTOS DE TUUR VAN BALEN

Una de las consideraciones del artista Tuur Van Balen es que las ciudades son organismos vivos, por eso uno de sus proyectos que llamó la atención fue Biogeografía Urbana, un mapa que pretende mostrar la distribución de la biodiversidad en las ciudades. Los datos, asegura el diseñador, "podrían influir en los precios de la propiedad, impuestos municipales o el costo de su seguro de salud". Ese trabajo se relaciona con otro llamado Mi ciudad = Mi cuerpo que se centró en cómo el aumento de las biotecnologías pueden influir en nuestra futura interacción con la ciudad.