Arte Bacterial por Fernan Federici

ORIGINAL: HuffingtonPost

Las bacterias crecen por división en el medio, su población duplicada en un tamaño tan rápido como cada veinte minutos. En unas pocas horas, un cultivo de bacterias puede ir desde una simple célula a miles de millones, y de ser invisible para el ojo humano a la formación de densas colonias en una placa de Petri, a veces centímetros de diámetro. Estas colonias pueden ser pequeños montículos circulares relativamente monótonos, enjambres que forman las ondas de bordes irregulares, o patrones fractal ramificada [PDF].

Crecimiento fractal de B. subtilis, de Fujikawa y Matsushita, Revista de la Sociedad de Física de Japón, 1989.

Estas colonias fractal se forman por la bacteria Bacillus subtilis el suelo, formando diferentes formas dependiendo de las condiciones de la placa de Petri, la presencia de nutrientes y la humedad. Dependiendo de estas condiciones externas y las reglas de cómo las células crecen y responder después de chocar entre sí, pueden surgir patrones sorprendentes.

Fernán Federici, un investigador en el Laboratorio de Haseloff la Universidad de Cambridge y uno de los residentes sintética estética, los estudios de cómo las células crecen y se desarrollan en formas complejas y estructuras. Mediante microscopía confocal, que sigue el crecimiento de las células y los tejidos de plantas, la creación de modelos de cómo se forman estructuras celulares y bellas imágenes, entre ellos dos ganadores de los Premios Imagen Wellcom en 2011.

Imágenes Galardonadas por Fernan Federici

En colaboración con el científico informático Tim Rudge, Fernan también estudia cómo los patrones se forman en las colonias de B. subtilis y biofilms, con el objetivo de finalmente ser capaz de modificar las reglas de cómo estas células interactúan para diseñar los nuevos modelos emergentes. Sus imágenes de las células bacterianas fluorescentes son increíbles, y usted puede comenzar a ver cómo los patrones complejos se forman a partir de la interacción de las células que crecen a gran aumento:

A la interacción cada vez mayor de dos tipos de células, una etiqueta con una proteína fluorescente de color rojo y verde:

, Alejándose aún más con colores más añadido, la creación de patrones que se asemejan a tejidos Missoni (y que me encantaría tener un vestido hecho de él):

Para ver más fotos increíbles, echa un vistazo a imágenes de plantas o bacterias de Fernan en su página de Flickr.

Las elegidas

ORIGINAL: Revista Arcadia

Obra de María José Arjona que hace parte de libro de Diego Garzón.

50 años de arte colombiano

¿Cuáles han sido las preocupaciones y los intereses de los artistas contemporáneos colombianos? ¿Qué han buscado expresar con su obra? En su nuevo libro, "De lo que somos", Diego Garzón encuentra respuestas que nadie había reunido en el papel.

Por: Micah Malone, Bogotá

Publicado el: 2011-12-16

Los libros de arte de gran formato se han caracterizado por tener títulos tontos: Crema, Vitamina P o ¡Arte Ahora! Brillantes, gruesos y llenos de provocativas fotos de artistas internacionales, estos libros regordetes personifican la siempre cambiante y a veces excesiva representación del arte contemporáneo. Mientras que otros títulos que pertenecen a este extenso género suelen pasar desapercibidos, el nuevo libro de Diego Garzón, "De lo que somos", merece un reconocimiento por enfocarse exclusivamente en el arte contemporáneo colombiano, un tema que no ha sido tratado por la máquina publicitaria actual.

Diego Garzón ha escrito por varios años acerca de la escena artística colombiana. Después de graduarse de la Facultad de Comunicación de la Universidad Javeriana, fue periodista cultural de Semana y editor de la revista Plan B. Durante los últimos cinco años ha trabajado como editor general de Soho. Su primer libro, Otras voces otro arte, fue publicado en 2005 y consistía en extensas entrevistas a diez de los más brillantes artistas colombianos.

El proceso de compilar De lo que somos empezó hace tres años, cuando Garzón contactó a diez importantes curadores y críticos que le ofrecieron sugerencias acerca de aquellos trabajos que ellos consideraban que eran fundamentales para el arte contemporáneo colombiano. Al final, se eligieron 110 obras, de 49 artistas.

Empezando en 1966 con Bernardo Salcedo, las obras están organizadas cronológicamente y las acompaña un texto corto que contextualiza y explica brevemente en qué consiste cada pieza. Además, entremezcladas con las obras se encuentran preguntas curiosas en negrilla, como la siguiente, que cuestiona al Fausto de Nadín Ospina: “¿Por qué un artista decidió comprar una pintura, dividirla en partes y exponerla nuevamente”. Responder esta pregunta, no obstante, requiere una investigación cuidadosa que el libro señala solo de manera superficial. Sin embargo, esa falta de profundidad no debería considerarse necesariamente una debilidad. Después de todo, la función primordial de estos libros de arte no es la erudición rigurosa, sino la presentación de cada obra en su máximo esplendor.

Es un libro diverso y atractivo que reúne obras controversiales, como el trabajo en el que María Elvira Escallón documenta el proceso en el que un cuarto se va llenando con la arena que cae de un hueco en el techo; los provocativos performances de Rosemberg Sandoval con indigentes, y el proyecto de bordado de Milena Bonilla, quien intentó reparar los forros de los asientos de los buses de diferentes rutas de Bogotá.

Las obras de los más grandes nombres colombianos están bien representadas: cinco ingeniosas obras de Antonio Caro, seis piezas poéticas y elegiacas de Óscar Muñoz, y seis complejas instalaciones de Alejandro Restrepo. Ningún artista está más representado que Doris Salcedo, con siete icónicos trabajos extendidos a lo largo del libro. El peso gráfico proporcionado a Salcedo sin duda representa el respeto que siente Garzón por la artista, cuyo prominente éxito internacional desencadena complejas preguntas acerca de la percepción del arte colombiano en el exterior.

La lucha por la representación se siente a lo largo del libro. En esta búsqueda ninguna obra parece más pertinente que la polémica Rebeldes del Sur, de Wilson Díaz, que fue censurada en Inglaterra por ser percibida por la Embajada de Colombia como una propaganda a las FARC. El video de Díaz mostraba a algunos miembros de la guerrilla cantando vallenato en la Zona de Distensión. La grabación, que representaba de una manera benigna a la guerrilla, es asombrosa en su modestia.

Abrir el libro produce placer. Dan ganas de buscar, de aprender, de entender. Esas preguntas que Garzón lanza al aire y no resuelve en detalle hacen parte de un juego que invita a reflexionar sobre el arte contemporáneo nacional sin imponer máximas absolutas. No obstante, la minuciosa elección de las piezas propone, inevitablemente, un canon, que puede tener detractores pero que surge de un selecto grupo de conocedores; por lo tanto, es un canon que pesa, que hacía falta y que no solo convierte a este libro en un documento de consulta imprescindible, revelador y divertido para los interesados en el arte colombiano, sino en una pieza histórica que desde la cultura se aproxima a la realidad nacional de los últimos cincuenta años. |

El Auditorium Maximum. Cultura de Autor, presenta "Cage's Work" Homenaje a John Cage (1912-1992)

ORIGINAL: Letras Anónimas

'Chess Pieces', John Cage

John Cage 1989

Cage vs Duchamp. Toronto, 1968

Cage vs Duchamp. Toronto, 1968

John Cage, Artista plástico / músico / compositor / instrumentista / filósofo / poeta estadounidense.

Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación el coreógrafo Merce Cunningham. ) Si Duchamp se ha revelado como la figura fundamental de principios-mediados del siglo XX, el trabajo de Cage aparece actualmente como un paradigma indispensable de finales del siglo XX y principios del XXI.

Espéralo este año y participa de todas las actividades: conciertos, conferencias, exposiciones de artes visuales, lecturas para difundir su pensamiento filosófico y acciones performáticas que incluirán danza, teatro y nuevos medios.

Cage’s Work. tiene como objetivo revisar la obra de Cage desde la interdisciplinariedad del arte, la ciencia y la técnica.

“Compongo música con agua de la jarra, una pipa de hierro, una llamada a las gallinas, una botella de vino, un mezclador eléctrico, un silbato, una regadera, cubos de hielo, dos platillos, un pez mecánico, una llamada de codorniz, un pato de goma, una grabadora, un florero, un sifón, cinco radios, una bañera y un gran piano.” J. Cage.

John Cage - Klosty

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Piano Preparado

Indeterminación de John Cage por Laura Kuhn (2009)

ORIGINAL: 7a Bienal de Mercosur

Laura Kuhn y John Kage. (1990)

Laura Kuhn (1953) es escritora, intérprete, académica y Directora Ejecutiva del John Cage Trust. Durante sus estudios en la UCLA, trabajó con el ruso Nicolás Slonimsky, a quien sucedió en calidad de editora del diccionario de músicos Baker's Biographical Dictionary of Musicians and of Music Since 1900. En 1986, después de obtener su posgrado, trabajó con John Cage en un gran número de proyectos de envergadura, incluyendo sus seis conferencias mesósticas pronunciadas en Harvard University en la cátedra en poesía de Charles Eliot Norton (publicadas como I-VI por la Harvard University Press, 1990); y en sus óperas Europeras 1 & 2, creadas para la Ópera de Frankfurt y que fueron objeto de su tesis doctoral: John Cage's "Europeras 1 & 2": The Musical Means of Revolution (1992). 

Indeterminacy 2009. DJ Flu y Laura Kuhn
 en la 7a Bienal de Mercosur.
Foto: Del Re / Stein

Entre 1991 y 1996 integró el cuerpo docente de un programa interdisciplinario de artes y performances en la Arizona State University West, en Phoenix. Simultáneamente, después de la muerte de John Cage en 1992, trabajó junto a Merce Cunningham, Anne d'Harnoncourt y David Vaughan, e importantes amigos del artista, para fundar el John Cage Trust. En 2007, Kuhn estableció la residencia permanente del Trust en Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York, y allí se desempeña como profesora de artes performáticas. Ha realizado la adaptación de James Joyce, Marcel Duchamp, Erik Satie: An Alphabet, obra para radio escrita por Cage en 1982, que dirigió en siete oportunidades en diferentes auditorios alrededor del mundo. En 2007, dirigió la producción de Lecture on the Weather (1976), de Cage, en el Fisher Center for the Performing Arts at Bard College, cuyo elenco contó, entre otros, con Merce Cunningham, John Kelly, John Ashbery y Jasper Johns.

Indeterminación (2009)
Performance de John Cage,
interpretada Por Laura Kuhn y DJ Flu
en la 7a Bienal de Mercosur.
Iluminación de Oswaldo Perrrenoud.
Foto: Viva Foto (Carlos Stein y Fabio del Re)

Acerca de la indeterminación, por John Cage

"A finales de septiembre de 1958, en un hotel en Estocolmo, me puse a escribir esta conferencia para entregarla una semana después en la Feria de Bruselas. Me acordé de un comentario hecho años antes por David Tudor que dar una charla no era nada más que contar historias. La idea era atractiva, pero yo nunca había actuado en ellas, y me decidí a hacerlo ahora. Cuando la charla fue dada en Bruselas, estaba compuesta por treinta historias, sin acompañamiento musical. Un recital de David Tudor y mío de música para dos pianos seguia la conferencia cuyo título completo era: "Indeterminación: El nuevo aspecto de la forma en la música instrumental y electrónica".

Indeterminación (2009). John Cage 
DJ Flu y Laura Kuhn
interpretado en la 7a Bienal de Mercosur.
Foto: Viva Foto

Karlheinz Stockhausen estaba entre el público Más tarde, cuando estaba en Milán haciendo Fontana Mix en el Studio de Fonologia, he recibido una carta suya pidiendo un texto que puediera ser impreso en Die Reihe Nº 5. le envié la charla de Bruselas, y se publicó. En la primavera siguiente, de vuelta en Estados Unidos, presente nuevamente la conferencia, en el Teachers College, Columbia. Para esta ocasión escribi sesenta historias más, y hubo un acompañamiento musical de David Tudor con. material del Concierto para piano y orquesta, empleé varias radios como elementos ruidosos. Poco tiempo después, estos noventa cuentos fueron realizados como una grabación Folkways, pero para esta producción los elementos ruidosos en el concierto fueron pistas sonoras de Fontana Mix En la ejecución oral de esta conferencia, cuento una historia cada minuto  

El sitio donde la Ciencia y el Arte colisionan

ORIGINAL: CultureOfScience (Sheril Kirshenbaum)

Esta nota es por la invitada Susana Simões Pereira.

¿Has oído hablar de la utilización de la danza para estudiar la ciencia, como, por ejemplo, los movimientos de las células? Bueno, John Bohannon lo hace. De hecho, recientemente presentó su proyecto "Dance Your PhD" en TEDxBrussels, cuyo objetivo es utilizar la danza como una manera de estudiar y comunicar la ciencia de manera eficiente.


TEDx Brussels - John Bohannon & Black Label Movement - "Dance Your PhD"

 

Música: Greg Brosofske Minneapolis, compositor con sede en EE.UU..

Bailarines: Jessica Elhert, Godbout Bryan, Laager Stephanie, Eduardo Bruno Oroyan
Nelle gallinas, Camille Prieux, Blaise Mariel, Nenaks Gabson, Zagari David y Canabarro Marcio

Esta actuación se llevó a cabo originalmente en TEDxBrussels el 22 de noviembre 2011
info: http://www.tedxbrussels.eu

Sin embargo, el  uso del arte como un medio para comunicar la ciencia a científicos y no científicos, niños y adultos, es el propósito de algunos proyectos interesantes como "El motel para los insectos" en la ciudad de Nueva York. Este proyecto, "fuee hecho realidad" por Brandon Ballengée, permite a las personas entrar en contacto y aprender sobre la vida de los artrópodos, mientras se divierten.

Otro tipo de proyecto Ciencia-Arte es el desarrollado por Luke Jerram. A través de una maravillosa colección de estructuras de microbiología en vidrio, nos proporciona una comprensión visual de la estructura de algunos virus y bacterias desagradables de las cuales hemos oido y que tienen que ver cin  nuestras vidas.

Estos son algunos de los muchos ejemplos que muestran que el aprendizaje  de la ciencia puede ser divertido y en realidad tienen lugar en contextos muy diferentes a las que estamos acostumbrados. Por lo tanto, gózalos!

Susana Simões Pereira es una matemática portuguesa y estudiante de doctorado en Ciencias de la Comunicación. Ella trabaja para llevar la ciencia al público en Portugal y está interesada en  las maneras de compartir la ciencia a través de los medios de comunicación social, así como la intersección del arte y la ciencia.

[Nota de Sheril: Esta es una fenomenal charla en TED - Haga clic en el juego]

"Como es arriba, es abajo" videoarte inmersivo en el puente de Manhattan

ORIGINAL: Light Harvest Studio

"Con el apoyo de equipos técnicos y patrocinado por Senovva, Inc., nos propusimos crear una experiencia de un tipo de arte público, una instalación de mapas de proyección de superficies múltiples y múltiples dimensiones.

Desplegándose como una pintura animada moderna de Botticelli, que fluye por encima de nuestras cabezas y se difunde hacia el exterior en todas las direcciones, "como es arriba es abajo" sumerge a los espectadores en la arquitectura del puente de Manhattan. El público entra en la historia física y explora su superficie brillante que se ilumina con mensajes y símbolos.

Este proyecto de mapeo de vídeo se concibió originalmente como un desafío propuesto por un grupo de artistas de distintas procedencias. Dirigido por los pioneros del arte digital Fulop y Farkas Uzilevsky Ryan, con el apoyo de post-producción de Sina Taherkhani, el grupo creó una experiencia única en su tipo. La utilización de 25.000 metros cuadrados de la animación y, finalmente, ganar el premio "Best in Show" en el Festival de Artes de Dumbo. También, como participantes en el grupo, estaban los artistas Simon Anaya, John Parker, Richard Jochum y Johnny Moreno.

ORIGINAL: AuditoriumMaximum - Cultura de Autor

Ensamble Periscopio

El Ensamble Periscopio de la Universidad EAFIT, dirigido por el profesor Víctor Agudelo, tiene como objetivo despertar el interés en los estudiantes por la interpretación de la música contemporánea, tanto del repertorio estándar universal como de autores colombianos y latinoamericanos y las nuevas propuestas de los estudiantes de composición de la universidad y otros proyectos que envuelvan la estética de la música erudita actual.

Concierto Nº 4 Concierto Periscopio
Colegio Alemán / Deutsche Schule Medellín 
Carrera 61 Nro. 34-62 Itagüí, Colombia
Tel. (+574) 2818811 Ext. 235
http://www.auditoriummaximum.org.co/
$10.000 TuBoleta

Cuando el arte se piensa verde

ORIGINAL: El Colombiano

Por Mónica Quintero Restrepo

Julios César Herrera | Silvina y Alejandro trabajan principalmente en el área de la desembocadura del Río de la Plata y el Delta de Paraná. En sus proyectos buscan las relaciones intuitivas, emocionales y sensoriales entre el arte, lo social y lo ambiental. La Casa del Encuentro del Museo de Antioquia es hoy su sede de operaciones.

LOS ARTISTAS SIGUEN llegando al MDE11. 

Ala Plástica sugiere una relación entre el arte, lo social y lo ambiental. Una propuesta que piensa el futuro.

Están dando vueltas. Recorriendo esos lugares que ya vieron en libros, que ya leyeron, que ya estudiaron. Caminan mucho. Recaminan, también. Para ellos, como para otros artistas, "hay una práctica estética en el andar. Una forma de investigación artística que se desarrolla a partir del caminar". Dice él.

Caminan como dos seres humanos que se detienen a conversar sobre algo. Anotan. Él le muestra los apuntes. Ella los mira. Él habla fuerte. Ella suavísimo. "Nos reconoces porque tenemos cara de argentinos", se ríe Alejandro. Silvina sonríe. Tienen apellidos difíciles: Meitin él, Babich ella.

Entre los dos, por allá en 1991, fundaron Ala Plástica, una organización no gubernamental, pero sí artístico ambiental, que trabaja en la ciudad de La Plata, en Buenos Aires. Aunque también han recorrido el mundo con su trabajo, que "está muy relacionado con cuestiones de autoorganización, comunidades costeras en ríos, arroyos, cuencas".

Lo que hacen es una aproximación, explican los dos, sensible a las problemáticas de la realidad, sobre todo ambientales, pero que también pueden ser culturales y políticas. "Están enfocadas -añade Alejandro- desde lo tecnopolítico, a la que le aplicamos lo sensible, lo cotidiano o lo complejo que puede tener la relación de la sociedad con un ecosistema".

Vinieron para el MDE11 y van a trabajar en la quebrada Santa Elena, "que en parte dio origen a la ciudad de Medellín y que después, bueno, por muchas circunstancias terminó en la zona donde estamos ahora, desde la Avenida La Playa o De Greiff o Primero de Mayo, que están tapadas ya".

Van a trabajar sobre la memoria, sobre lo que se puede ver y lo que está oculto. "Este hermoso cauce, por ejemplo, el de Santa Elena, fue con el tiempo dando paso a distintas visiones de la modernidad, a una idea de progreso que, en definitiva, hoy se está reconsiderando. Si hoy estuviera al aire libre, convertiría a Medellín en una ciudad mucho más hermosa de la que hoy es".