Dibujos en la arena: la obra de Jim Denevan

ORIGINAL: Jim  Denevan - Texto: PijamaSurf

Lo que más disfruta el talentoso Jim Denevan, después de montar olas con su tabla, es trazar espectaculares dibujos en la arena que manifiestan discursos geométricos.

Jim Denevan es un buen surfer, lleva ya varios años montando las olas del norte de California. Sin embargo, su mayor talento, a pesar de estar íntimamente relacionado con el mar, no se manifiesta sobre su tabla, sino sobre la arena en la playa, que Denevan transforma, cuando hay marea baja, en un gigantesco lienzo.

Equipado con trozos de madera que el mar arroja a tierra, Denevan realiza trazos que terminan por desdoblarse en una especie de increíbles mapas geométricos. Algo notable de la obra de Denevan es su relación con dos conceptos fundamentales para distintas corrientes artísticas.

• Por un lado lo sustentable: sobra decir que su trabajo es 100% orgánico. 
• Y el otro aspecto, aún más admirable, es la impermanencia: a pesar de que cada pieza le toma un gran cantidad de horas, Jim sabe que su trabajo esta completamente expuesto a elementos como la marea o el viento. 

Lo anterior de algún modo recuerda la obra de los monjes budistas, que luego de pasar días creando complejos mandalas con arena de colores, cuando han terminado y luego de rezar, barren su obra para siempre. 

Durante los últimos 17 años Jim ha realizado cientos de trazos sobre playas, principalmente, de su natal California, pero también ha llevado su obra a una decena de países alrededor el mundo. Así que si algún día te llegas a encontrar con sus inconfundibles dibujos sobre la arena, te recomendamos que te sientes a disfrutarlos, ya que la próxima marea podría diluirlos en un instante.

Formas de arte de la Naturaleza - La colección de Ernst Haeckel

ORIGINAL: Kuriositas

Crédito de la imagen del usuario de Flickr Rutger_vos 

Ernst Haeckel - filósofo, profesor, médico, naturalista, biólogo y artista. El pináculo de su trabajo - Formas de Arte de la Naturaleza - comenzó a publicarse en 1899 y sigue siendo un record asombroso de la vida en la tierra. Cuando el arte y ciencia se combinan, algo sublime puede llegar a pasar.

Crédito de la imagen del usuario de Flickr Rutger_vos 

Ciencia y el arte - una brecha, algunos podrían decir que es un abismo, siempre ha existido entre ambos. Luego de vez en cuando, sólo de vez en cuando, aparece alguien que intenta (y logra) para cerrar la brecha entre los dos. Así fue con el alemán Ernst Haeckel. En 1899 comenzó a publicar las Formas de Arte de la Naturaleza (Kunstformen der Natur en su alemán nativo). Un contemporáneo de Darwin, Haeckel que, a través de sus litografías, cambiar la forma en que muchos consideran la relación entre el arte y la ciencia.

Crédito de la imagen de Wikimedia

Haeckel produjo ilustraciones que la gente pueda tomar y comprender, las imágenes que brillaban con el color y llevó lo exótico y remoto a las bibliotecas del mundo. En realidad, no había habido nada antes de estas extraordinarias impresiones. Ellas fueron la culminación de décadas de trabajos de Haeckel, contemporáneo de Darwin y él hizo mucho para popularizar la obra del naturalista Inglés - aunque sus ideas se modificaron en varios puntos importantes, como más adelante se descubre. La anterior es la placa 89a de  Formas de Arte de la Naturaleza y muestra una gran variedad de especies de tortugas. Desde el laúd en la parte superior izquierda a la tortuga mordedora común (abajo a la derecha), Haeckel los captura maravillosamente. Esto no fue un intento de realismo fotográfico, sin embargo. Note cómo el mar y la tierra (sin problemas) se funden en la imagen. En sus imágenes logró, sin embargo, que encerraran su sentido del orden.

Crédito de la imagen de Wikimedia

Esculturas de Nathalie Miebach, bandas sonoras para tormentas

ORIGINAL: BrainPickings

por Maria Popova

¿Qué tiene que ver el mal tiempo con "Stormy Weather" y la polinización cruzada entre la poesía y la precisión?

Las visualizaciones de música, la generación creativa de notación y el arte a partir de datos físicos son todos temas recurrentes aquí en Brain Pickings. Naturalmente, el trabajo de la artista Nathalie Miebach con sede en Boston, es uno de los cultivos de este año de extraordinaria becarios TED Global, es un favorito instantáneo. Miebach traduce el clima y los datos sobre el cambio climático de las ciudades en las partituras musicales, que luego se traduce en esculturas vibrantes, caprichosa y los utiliza como base para la colaboración con músicos en un amplio espectro de estilos y géneros.

La notación musical me permite de una manera más matizada la traducción de la información sin comprometer la misma. "Ella utiliza estas calificaciones para colaborar con los músicos en un amplio espectro de estilos y géneros." ~ Nathalie Miebach

Tiempo externo, tormentas internas
Reed, metal, madera, los datos | 2009

Boya musical en la búsqueda hacia una nueva orilla
(Dedicado a Melvin Maddocks)
Madera, datos, caña | 2009

Notación 3D Musical del paso del huracán Noel por el Golfo de Maine, noviembre 6 hasta 8, 2007. Los datos meteorológicos provienen de dos estaciones meteorológicas en Hyannis, MA y Natashquan, Quebec, así como una boya anclada mar adentro en el Banco de George en el Golfo de Maine. Los datos traducidos incluyen viento, temperatura del aire, presión barométrica, altura de las olas, nubes, datos históricos de huracanes y el azimut solar.

Cada escultura no sólo despliega mapas meteorológicos de un determinado tiempo y lugar, sino que también es una partitura musical completamente funcional para ser tocada e interpretada por musicos en instrumentos tan variados como el piano, trompa y guitarra electrica. Usted puede escuchar y descargar las canciones que resulta en el sitio de Miebach.

Ella se está volviendo fuerte,
9'x9'x1 "papel, madera, datos de 2011

Esta pieza es una partitura musical que sigue los caminos del huracán Grace y de la tormenta de Halloween, que juntos crearon la 'tormenta perfecta'.

Miebach utiliza técnicas de cestería y materiales para interpretar los datos en un espacio tridimensional, con la óptica del arte y la artesanía para mirar con ojos nuevos científicos y recoger nuevos conocimientos.

Praderas urbano El tiempo - Estudios Sinfónica de D .
16'x15'x15 ", caña, madera, datos de 2009

Praderas urbano El tiempo se basa en datos recogidos en Omaha, Nebraska, durante un período de 2 meses (mayo / junio de 2008), mientras que yo era un artista en residencia en el Centro de Arte Contemporáneo Bemis. Elegí traducir los datos que recogí en el formato de una orquesta como una forma de articular con mayor veracidad la forma un tanto peculiar que obtenía sentido de mis observaciones meteorológicas diarias. Al igual que cada instrumento en una sinfonía juega parte de la partitura, cada escultura y la pieza de la pared dice parte de la historia, con la totalidad de la pieza de unión a través de los grandes patrones de comportamiento que emergen lentamente a lo largo del tiempo. El espacio de la pared utiliza el rectángulo como varía mapas de Nebraska o de los centros urbanos de Nebraska.

Lo que me gusta de este trabajo es que desafía nuestra hipótesis sobre el tipo de vocabulario visual pertenece en el arte contra la ciencia. "~ Nathalie Miebach

En conjunto, las esculturas Miebach a explorar la intersección fascinante de arte y la ciencia - otro tema recurrente aquí - con la poesía a partes iguales y precisión, por lo que la ciencia sea más accesible y el arte más cerebral - el pináculo de la polinización cruzada de las disciplinas en el corazón de Pickings cerebro.

Arte Bacterial por Fernan Federici

ORIGINAL: HuffingtonPost

Las bacterias crecen por división en el medio, su población duplicada en un tamaño tan rápido como cada veinte minutos. En unas pocas horas, un cultivo de bacterias puede ir desde una simple célula a miles de millones, y de ser invisible para el ojo humano a la formación de densas colonias en una placa de Petri, a veces centímetros de diámetro. Estas colonias pueden ser pequeños montículos circulares relativamente monótonos, enjambres que forman las ondas de bordes irregulares, o patrones fractal ramificada [PDF].

Crecimiento fractal de B. subtilis, de Fujikawa y Matsushita, Revista de la Sociedad de Física de Japón, 1989.

Estas colonias fractal se forman por la bacteria Bacillus subtilis el suelo, formando diferentes formas dependiendo de las condiciones de la placa de Petri, la presencia de nutrientes y la humedad. Dependiendo de estas condiciones externas y las reglas de cómo las células crecen y responder después de chocar entre sí, pueden surgir patrones sorprendentes.

Fernán Federici, un investigador en el Laboratorio de Haseloff la Universidad de Cambridge y uno de los residentes sintética estética, los estudios de cómo las células crecen y se desarrollan en formas complejas y estructuras. Mediante microscopía confocal, que sigue el crecimiento de las células y los tejidos de plantas, la creación de modelos de cómo se forman estructuras celulares y bellas imágenes, entre ellos dos ganadores de los Premios Imagen Wellcom en 2011.

Imágenes Galardonadas por Fernan Federici

En colaboración con el científico informático Tim Rudge, Fernan también estudia cómo los patrones se forman en las colonias de B. subtilis y biofilms, con el objetivo de finalmente ser capaz de modificar las reglas de cómo estas células interactúan para diseñar los nuevos modelos emergentes. Sus imágenes de las células bacterianas fluorescentes son increíbles, y usted puede comenzar a ver cómo los patrones complejos se forman a partir de la interacción de las células que crecen a gran aumento:

A la interacción cada vez mayor de dos tipos de células, una etiqueta con una proteína fluorescente de color rojo y verde:

, Alejándose aún más con colores más añadido, la creación de patrones que se asemejan a tejidos Missoni (y que me encantaría tener un vestido hecho de él):

Para ver más fotos increíbles, echa un vistazo a imágenes de plantas o bacterias de Fernan en su página de Flickr.

Las elegidas

ORIGINAL: Revista Arcadia

Obra de María José Arjona que hace parte de libro de Diego Garzón.

50 años de arte colombiano

¿Cuáles han sido las preocupaciones y los intereses de los artistas contemporáneos colombianos? ¿Qué han buscado expresar con su obra? En su nuevo libro, "De lo que somos", Diego Garzón encuentra respuestas que nadie había reunido en el papel.

Por: Micah Malone, Bogotá

Publicado el: 2011-12-16

Los libros de arte de gran formato se han caracterizado por tener títulos tontos: Crema, Vitamina P o ¡Arte Ahora! Brillantes, gruesos y llenos de provocativas fotos de artistas internacionales, estos libros regordetes personifican la siempre cambiante y a veces excesiva representación del arte contemporáneo. Mientras que otros títulos que pertenecen a este extenso género suelen pasar desapercibidos, el nuevo libro de Diego Garzón, "De lo que somos", merece un reconocimiento por enfocarse exclusivamente en el arte contemporáneo colombiano, un tema que no ha sido tratado por la máquina publicitaria actual.

Diego Garzón ha escrito por varios años acerca de la escena artística colombiana. Después de graduarse de la Facultad de Comunicación de la Universidad Javeriana, fue periodista cultural de Semana y editor de la revista Plan B. Durante los últimos cinco años ha trabajado como editor general de Soho. Su primer libro, Otras voces otro arte, fue publicado en 2005 y consistía en extensas entrevistas a diez de los más brillantes artistas colombianos.

El proceso de compilar De lo que somos empezó hace tres años, cuando Garzón contactó a diez importantes curadores y críticos que le ofrecieron sugerencias acerca de aquellos trabajos que ellos consideraban que eran fundamentales para el arte contemporáneo colombiano. Al final, se eligieron 110 obras, de 49 artistas.

Empezando en 1966 con Bernardo Salcedo, las obras están organizadas cronológicamente y las acompaña un texto corto que contextualiza y explica brevemente en qué consiste cada pieza. Además, entremezcladas con las obras se encuentran preguntas curiosas en negrilla, como la siguiente, que cuestiona al Fausto de Nadín Ospina: “¿Por qué un artista decidió comprar una pintura, dividirla en partes y exponerla nuevamente”. Responder esta pregunta, no obstante, requiere una investigación cuidadosa que el libro señala solo de manera superficial. Sin embargo, esa falta de profundidad no debería considerarse necesariamente una debilidad. Después de todo, la función primordial de estos libros de arte no es la erudición rigurosa, sino la presentación de cada obra en su máximo esplendor.

Es un libro diverso y atractivo que reúne obras controversiales, como el trabajo en el que María Elvira Escallón documenta el proceso en el que un cuarto se va llenando con la arena que cae de un hueco en el techo; los provocativos performances de Rosemberg Sandoval con indigentes, y el proyecto de bordado de Milena Bonilla, quien intentó reparar los forros de los asientos de los buses de diferentes rutas de Bogotá.

Las obras de los más grandes nombres colombianos están bien representadas: cinco ingeniosas obras de Antonio Caro, seis piezas poéticas y elegiacas de Óscar Muñoz, y seis complejas instalaciones de Alejandro Restrepo. Ningún artista está más representado que Doris Salcedo, con siete icónicos trabajos extendidos a lo largo del libro. El peso gráfico proporcionado a Salcedo sin duda representa el respeto que siente Garzón por la artista, cuyo prominente éxito internacional desencadena complejas preguntas acerca de la percepción del arte colombiano en el exterior.

La lucha por la representación se siente a lo largo del libro. En esta búsqueda ninguna obra parece más pertinente que la polémica Rebeldes del Sur, de Wilson Díaz, que fue censurada en Inglaterra por ser percibida por la Embajada de Colombia como una propaganda a las FARC. El video de Díaz mostraba a algunos miembros de la guerrilla cantando vallenato en la Zona de Distensión. La grabación, que representaba de una manera benigna a la guerrilla, es asombrosa en su modestia.

Abrir el libro produce placer. Dan ganas de buscar, de aprender, de entender. Esas preguntas que Garzón lanza al aire y no resuelve en detalle hacen parte de un juego que invita a reflexionar sobre el arte contemporáneo nacional sin imponer máximas absolutas. No obstante, la minuciosa elección de las piezas propone, inevitablemente, un canon, que puede tener detractores pero que surge de un selecto grupo de conocedores; por lo tanto, es un canon que pesa, que hacía falta y que no solo convierte a este libro en un documento de consulta imprescindible, revelador y divertido para los interesados en el arte colombiano, sino en una pieza histórica que desde la cultura se aproxima a la realidad nacional de los últimos cincuenta años. |

El Auditorium Maximum. Cultura de Autor, presenta "Cage's Work" Homenaje a John Cage (1912-1992)

ORIGINAL: Letras Anónimas

'Chess Pieces', John Cage

John Cage 1989

Cage vs Duchamp. Toronto, 1968

Cage vs Duchamp. Toronto, 1968

John Cage, Artista plástico / músico / compositor / instrumentista / filósofo / poeta estadounidense.

Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación el coreógrafo Merce Cunningham. ) Si Duchamp se ha revelado como la figura fundamental de principios-mediados del siglo XX, el trabajo de Cage aparece actualmente como un paradigma indispensable de finales del siglo XX y principios del XXI.

Espéralo este año y participa de todas las actividades: conciertos, conferencias, exposiciones de artes visuales, lecturas para difundir su pensamiento filosófico y acciones performáticas que incluirán danza, teatro y nuevos medios.

Cage’s Work. tiene como objetivo revisar la obra de Cage desde la interdisciplinariedad del arte, la ciencia y la técnica.

“Compongo música con agua de la jarra, una pipa de hierro, una llamada a las gallinas, una botella de vino, un mezclador eléctrico, un silbato, una regadera, cubos de hielo, dos platillos, un pez mecánico, una llamada de codorniz, un pato de goma, una grabadora, un florero, un sifón, cinco radios, una bañera y un gran piano.” J. Cage.

John Cage - Klosty

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Piano Preparado

Indeterminación de John Cage por Laura Kuhn (2009)

ORIGINAL: 7a Bienal de Mercosur

Laura Kuhn y John Kage. (1990)

Laura Kuhn (1953) es escritora, intérprete, académica y Directora Ejecutiva del John Cage Trust. Durante sus estudios en la UCLA, trabajó con el ruso Nicolás Slonimsky, a quien sucedió en calidad de editora del diccionario de músicos Baker's Biographical Dictionary of Musicians and of Music Since 1900. En 1986, después de obtener su posgrado, trabajó con John Cage en un gran número de proyectos de envergadura, incluyendo sus seis conferencias mesósticas pronunciadas en Harvard University en la cátedra en poesía de Charles Eliot Norton (publicadas como I-VI por la Harvard University Press, 1990); y en sus óperas Europeras 1 & 2, creadas para la Ópera de Frankfurt y que fueron objeto de su tesis doctoral: John Cage's "Europeras 1 & 2": The Musical Means of Revolution (1992). 

Indeterminacy 2009. DJ Flu y Laura Kuhn
 en la 7a Bienal de Mercosur.
Foto: Del Re / Stein

Entre 1991 y 1996 integró el cuerpo docente de un programa interdisciplinario de artes y performances en la Arizona State University West, en Phoenix. Simultáneamente, después de la muerte de John Cage en 1992, trabajó junto a Merce Cunningham, Anne d'Harnoncourt y David Vaughan, e importantes amigos del artista, para fundar el John Cage Trust. En 2007, Kuhn estableció la residencia permanente del Trust en Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York, y allí se desempeña como profesora de artes performáticas. Ha realizado la adaptación de James Joyce, Marcel Duchamp, Erik Satie: An Alphabet, obra para radio escrita por Cage en 1982, que dirigió en siete oportunidades en diferentes auditorios alrededor del mundo. En 2007, dirigió la producción de Lecture on the Weather (1976), de Cage, en el Fisher Center for the Performing Arts at Bard College, cuyo elenco contó, entre otros, con Merce Cunningham, John Kelly, John Ashbery y Jasper Johns.

Indeterminación (2009)
Performance de John Cage,
interpretada Por Laura Kuhn y DJ Flu
en la 7a Bienal de Mercosur.
Iluminación de Oswaldo Perrrenoud.
Foto: Viva Foto (Carlos Stein y Fabio del Re)

Acerca de la indeterminación, por John Cage

"A finales de septiembre de 1958, en un hotel en Estocolmo, me puse a escribir esta conferencia para entregarla una semana después en la Feria de Bruselas. Me acordé de un comentario hecho años antes por David Tudor que dar una charla no era nada más que contar historias. La idea era atractiva, pero yo nunca había actuado en ellas, y me decidí a hacerlo ahora. Cuando la charla fue dada en Bruselas, estaba compuesta por treinta historias, sin acompañamiento musical. Un recital de David Tudor y mío de música para dos pianos seguia la conferencia cuyo título completo era: "Indeterminación: El nuevo aspecto de la forma en la música instrumental y electrónica".

Indeterminación (2009). John Cage 
DJ Flu y Laura Kuhn
interpretado en la 7a Bienal de Mercosur.
Foto: Viva Foto

Karlheinz Stockhausen estaba entre el público Más tarde, cuando estaba en Milán haciendo Fontana Mix en el Studio de Fonologia, he recibido una carta suya pidiendo un texto que puediera ser impreso en Die Reihe Nº 5. le envié la charla de Bruselas, y se publicó. En la primavera siguiente, de vuelta en Estados Unidos, presente nuevamente la conferencia, en el Teachers College, Columbia. Para esta ocasión escribi sesenta historias más, y hubo un acompañamiento musical de David Tudor con. material del Concierto para piano y orquesta, empleé varias radios como elementos ruidosos. Poco tiempo después, estos noventa cuentos fueron realizados como una grabación Folkways, pero para esta producción los elementos ruidosos en el concierto fueron pistas sonoras de Fontana Mix En la ejecución oral de esta conferencia, cuento una historia cada minuto  

El sitio donde la Ciencia y el Arte colisionan

ORIGINAL: CultureOfScience (Sheril Kirshenbaum)

Esta nota es por la invitada Susana Simões Pereira.

¿Has oído hablar de la utilización de la danza para estudiar la ciencia, como, por ejemplo, los movimientos de las células? Bueno, John Bohannon lo hace. De hecho, recientemente presentó su proyecto "Dance Your PhD" en TEDxBrussels, cuyo objetivo es utilizar la danza como una manera de estudiar y comunicar la ciencia de manera eficiente.


TEDx Brussels - John Bohannon & Black Label Movement - "Dance Your PhD"

 

Música: Greg Brosofske Minneapolis, compositor con sede en EE.UU..

Bailarines: Jessica Elhert, Godbout Bryan, Laager Stephanie, Eduardo Bruno Oroyan
Nelle gallinas, Camille Prieux, Blaise Mariel, Nenaks Gabson, Zagari David y Canabarro Marcio

Esta actuación se llevó a cabo originalmente en TEDxBrussels el 22 de noviembre 2011
info: http://www.tedxbrussels.eu

Sin embargo, el  uso del arte como un medio para comunicar la ciencia a científicos y no científicos, niños y adultos, es el propósito de algunos proyectos interesantes como "El motel para los insectos" en la ciudad de Nueva York. Este proyecto, "fuee hecho realidad" por Brandon Ballengée, permite a las personas entrar en contacto y aprender sobre la vida de los artrópodos, mientras se divierten.

Otro tipo de proyecto Ciencia-Arte es el desarrollado por Luke Jerram. A través de una maravillosa colección de estructuras de microbiología en vidrio, nos proporciona una comprensión visual de la estructura de algunos virus y bacterias desagradables de las cuales hemos oido y que tienen que ver cin  nuestras vidas.

Estos son algunos de los muchos ejemplos que muestran que el aprendizaje  de la ciencia puede ser divertido y en realidad tienen lugar en contextos muy diferentes a las que estamos acostumbrados. Por lo tanto, gózalos!

Susana Simões Pereira es una matemática portuguesa y estudiante de doctorado en Ciencias de la Comunicación. Ella trabaja para llevar la ciencia al público en Portugal y está interesada en  las maneras de compartir la ciencia a través de los medios de comunicación social, así como la intersección del arte y la ciencia.

[Nota de Sheril: Esta es una fenomenal charla en TED - Haga clic en el juego]