Silk Pavillion – CNC Deposited Silk & Silkworm Construction at the MIT Media Lab

 MIT Media Lab
© 2013 MIT Media Lab

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Experiments Video

Silk Pavillion

2013 CNC Deposited Silk & Silkworm Construction

MIT Media Lab

Prof. Neri Oxman, Markus Kayser, Jared Laucks, Carlos David Gonzalez Uribe, Jorge Duro-Royo

The Silk Pavilion explores the relationship between digital and biological fabrication on product and architectural scales.The primary structure was created of 26 polygonal panels made of silk threads laid down by a CNC (Computer-Numerically Controlled) machine. Inspired by the silkworm’s ability to generate a 3D cocoon out of a single multi-property silk thread (1km in length), the overall geometry of the pavilion was created using an algorithm that assigns a single continuous thread across patches providing various degrees of density. Overall density variation was informed by the silkworm itself deployed as a biological printer in the creation of a secondary structure. A swarm of 6,500 silkworms was positioned at the bottom rim of the scaffold spinning flat non-woven silk patches as they locally reinforced the gaps across CNC-deposited silk fibers. Following their pupation stage the silkworms were removed. Resulting moths can produce 1.5 million eggs with the potential of constructing up to 250 additional pavilions. Affected by spatial and environmental conditions including geometrical density as well as variation in natural light and heat, the silkworms were found to migrate to darker and denser areas. Desired light effects informed variations in material organization across the surface area of the structure. A season-specific sun path diagram mapping solar trajectories in space dictated the location, size and density of apertures within the structure in order to lock-in rays of natural light entering the pavilion from South and East elevations. The central oculus is located against the East elevation and may be used as a sun-clock. Parallel basic research explored the use of silkworms as entities that can “compute” material organization based on external performance criteria. Specifically, we explored the formation of non-woven fiber structures generated by the silkworms as a computational schema for determining shape and material optimization of fiber-based surface structures. Research and Design by the Mediated Matter Research Group at the MIT Media Lab in collaboration with Prof. Fiorenzo Omenetto (TUFTS University) and Dr. James Weaver (WYSS Institute, Harvard University).

Selected Press: Creative Applications, DEZEEN, WIRED, FASTCOMPANY, ARCHDAILY, Treehugger, io9, jaxtapoz, CORE77, GIZMODO, Creator's Project, inhabitat, Forbes and more.

What Roboticists Can Learn From Art, and What Artists Can Learn From Robots

ORIGINAL: IEEE Spectrum

BY: Angelica Lim

May 02, 2013

You walk into the brightly lit space, and a delicate-looking plaster statue catches your eye. She has a peaceful expression, and is dressed in a modest gown with puffy shoulders and a broad skirt. Her arms stay close to her body, but the palms of her hands face gently forward, as if asking for something. As you approach, she suddenly glides forward to meet you. Her name is Diamandini, and she's a robotic statue.

Combining art and robotics is nothing new (in fact, it's something quite old), but in recent years the creations dreamed up by artists and roboticists are becoming more elaborate and striking, thanks, in part, to faster and cheaper sensors and computers. We've seen robotic sculptures that defy gravity, robots that canpaint andwrite, and squads of drones that play music, build towers, or perform choreographies. A number of workshops and festivals have gathered researchers and others interested in exploring the intersections of art and robots.

Over the last 15 years, art and technology have come together at the studio of Dr. Mari Velonaki. She is an artist and director of the Creative Robotics Lab at the University of New South Wales, in Australia. Velonaki and her team created the Diamandini installation at the Victoria and Albert Museum in London last fall.

El todo y las muchas partes de Keita Sagaki

ORIGINAL: Yoroboku

DAVID GARCÍA

15 JANUARY, 2013

Desde abajo. Sagaki empieza desde abajo, para ver cómo crecen sus ideas, como se enriquecen a cada paso y cómo se convierten en algo inmenso. El artista japonés concibe un todo armado con partes menores, crecientes, complementarias. Él afirma que el concepto relaciona al todo y a la parte y lo cierto es que en sus ilustraciones concatena detalles que dotan a sus proyectos de una riqueza inabarcable.

Japón, 1991. Un pequeño Keita Sagaki, con 7 años, fue de excursión con su padre a un pequeño pueblo montañoso cercano a la prefectura de Ishikawa. Fue la primera vez que vio un mandala. “Pensé que era algo muy psicodélico con sus múltiples Budas y esas hermosas imágenes ilustrando el infierno”, explica. “Era una extraña mezcla de temor y placer”. Aquello cambió su vida. De ahí proviene la principal influencia de su trabajo así como las simetría que emplea en muchos de sus dibujos.

La otra columna vertebral que define sus trabajos son los cómics. “Es el icono de mi niñez que me resulta más familiar”, dice. Siempre quiso ser dibujantes de historietas y, de hecho lo hace aunque, eso sí, a su manera. El resto de influencias vienen de la cultura pop, de lo que le rodea en su país, de lo que le divierte y le entretiene y de artistas y pintores como Hokusai Katsushika, Hieronymus Bosch o Brughel.

El japonés suele tardar entre dos y tres semanas en acabar uno de sus trabajos, los más pequeño. Le ha llevado casi diez meses terminar La Última Cena. Ahora trabaja mucho a bases de prueba y error. Los ordenadores, que ahora emplea de manera habitual, le empujan a experimentar sin miedo a pifiar un trabajo minucioso de semanas. “Es una herramienta muy importante pero considero que es un problema depender de ella”, señala. Eso sí, las redes sociales le han resultado un elemento decisivo para conectar con la gente que sigue su trabajo. “Ha cambiado mucho la forma de anunciar tu trabajo. Sin embargo, sigue siendo preferible ver el trabajo real y no una imagen en un monitor”.

Como dice su manifiesto artístico, reproducido justo aquí debajo en su idioma original, “toda materia está formada por átomos y moléculas. Todo el mundo pertenece a grupos como una familia, una escuela o una nación, incluso de manera inconsciente”. La clave está en saber formar parte de ello y contribuir a la armonía del todo. Así es como Keita Sagaki construye sus ilustraciones-

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Más de 9 mil mariposas murieron para la última instalación de Damien Hirst

ORIGINAL: PijamaSurf

Autor: pijamasurf

14/10/2012

El reconocido artista inglés Damien Hirst vuelve a generar polémica, esta vez por dejar que 9 mil mariposas murieran como parte de su más reciente instalación exhibida en el Tate Modern.

Dos habitaciones sin ventanas en donde se ven colgados de un lienzo blanco algunos capullos de mariposa, mientras otras, ya adultas, revolotean, alimentándose de agua azucarada, fruta y flores puestas en el lugar para tal propósito, a la vista del nutrido grupo de espectadores que acude a un prestigioso museo como el Tate Modern de Londres cuando, además, este presenta la obra de un artista igualmente prestigiado y reconocido.

Grosso modo, en eso consistía una de la instalaciones más recientes del siempre polémico Damien Hirst, denominada “In and Out of Love”, “Dentro y fuera del amor” y en la cual, según la descripción del museo, “se destacan los temas de la vida y la muerte, así como la belleza y el horror, dualidades que prevalecen en buena parte de la obra del artista”.

Sin embargo, en tanto se trata de seres vivos, la controversia fue inevitable. En particular la Royal Society for the Prevention of Cruelty to Animals (RSPCA), organización sin fines de lucro que vela en el Reino Unido por los derechos de los animales, denuncia que durante las 23 semanas que la instalación se exhibió murieron más de 9 mil mariposas.

Según las estimaciones de la RSPCA, cada semana al menos 400 especímenes sustituían a todos los que morían aplastados o heridos por la interacción con los visitantes del Tate o por las condiciones extrañas a su medio en el que eran forzados a vivir. En su hábitat natural, las mariposas de los géneros Caligoy Heliconius, propias de climas tropicales, sobreviven en promedio 9 meses; en la instalación esta esperanza de vida osciló entre unas cuantas horas o varios días.

“Habría un lamento nacional si la exhibición involucrara cualquier otro animal, como un perro. Solo porque son mariposas no significa que no merezcan ser tratadas con bondad”, declaró al respecto un vocero de la RSPCA.

La directiva del museo, por su parte, asegura que las mariposas cumplieron con su ciclo de vida normalmente dentro de las habitaciones, incluso un poco mejor, pues “la alta calidad de este entorno” extendió su vida de una manera que en la vida salvaje no sería posible.

Con “Mother and Child Divided”, “Madre e hijo divididos”, Hirst ganó en 1995 el Premio Turner: una vaca y un ternero cortados por mitad y conservados en tanques transparentes llenos de formaldehído. Igualmente célebre es “The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living”, “La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo”, en la cual el protagonista es un enorme tiburón, también suspendido en formaldehído.

Estas y otras instalaciones se mostraron en la que fue la primera gran retrospectiva que el Tate Modern dedica al artista, una de las exhibiciones más concurridas del museo, con un promedio de 3 mil visitantes por día.

[Telegraph]