Torno para cerámica virtual de la instalación "l'Artisan Electronique" de Unfold & Tim Knapen.

l'Artisan Electronique, Virtual Pottery Wheel from Unfold on Vimeo.

Me queda la curiosidad si está conectado a una de la nuevas impresoras tridimensionales para obtener el objeto real...

Festival Intermedia

ORIGINAL: Festival Intermedia

Llevado a cabo del 23 al 25 de abril de 2010, el Festival de Intermedia fue una serie única de conciertos y eventos que representen modos futurista de actuación en directo en las artes y los medios telemáticos. sintetiza Telemática Arte de las artes escénicas tradicionales con las computadoras, los medios de comunicación y las telecomunicaciones. El Festival Intermedia destacados artistas, músicos, videoartistas, bailarines, actores y escritores de todo el mundo. Mientras que más de 100 artistas viajaron a Indianápolis, otros participaron a través de Internet de forma interactiva con los colaboradores en el festival. drama en vivo, danza, música, artes visuales, video, presentación científica, el comentario y la discusión fueron sintetizados para formar un conjunto provocativo y convincente de las experiencias.

El Festival se celebró en el nuevo centro de Indianápolis de la Biblioteca Pública y en la Tecnología Informática y Computación Complejo IUPUI. La entrada es gratuita y abierta al público para los espectáculos. El Festival fue una producción de Donald Tavel Artes Centro de Investigación Tecnológica, la Universidad de Indiana Purdue University Indianapolis (IUPUI). El Festival fue posible gracias a una Universidad de Indiana Nuevas Fronteras-Nuevas perspectivas de subvención de la Fundación Lilly, una Iniciativa de Investigación Multidisciplinario Pregrado Grant (MURI) de IUPUI, y estaba siendo producido en asociación con el Indianápolis Biblioteca Pública del Condado, el Departamento de IUPUI Música y Tecnología de las Artes, la Universidad de Indiana Avanzada Laboratorio de Visualización y las Artes Donald Tavel Centro de Investigación y Tecnología en IUPUI.

Galerías de Imágenes aquí

Destacados en el Festival

Fotos por JammyStraub

Conciertos

El Festival presenta diez conciertos multimedia entre la noche del viernes y la tarde del domingo 23 hasta 25 abril. danza en vivo, música, artes visuales, teatro, video, comentarios científicos, presentación y discusión se unieron para crear un conjunto de provocación y convincente de las experiencias. Tomó nota de los artistas invitado especial en el Festival incluyó sede en San Francisco cantante Pamela Z, Nueva York, compositor y artista equipo Lucas Dubois, Bora Yoon cantante, compositor eco-acústica Burtner Mateo, con sede en Indianápolis grupo electro-acústico Robot Grandes, Calidoscopio y Danza. El Viernes por la noche concierto de apertura característica Gran Robot seguida de un concierto de danza que contará con la Danza con sede en Indianápolis Calidoscopio en concierto con otros bailarines y los medios de comunicación en el escenario, y con bailarines de la Florida State University interactuar en línea y en la pantalla.

Instalaciones

Varios grupos presentan instalaciones móviles de arte durante todo el Festival en las proximidades del centro. El Colectivo de Washington DC flotante basado en Lab presenta sus composiciones de improvisación juega en los instrumentos que crearon llamados "gritones". El móvil con sede en Florida Performance Group es un colectivo de artistas de nuevos medios de comunicación que difunden sus obras por los automóviles utilizando, proyección de video, teléfonos celulares, la transmisión de FM, puntos de acceso inalámbricos, y otras tecnologías que permiten a los artistas para involucrar al público. Las Fuerzas de Ocupación del proyecto, por Nueva York artistas Skwarek Marcos, Hocking José, y de serie Krusher, era una pieza que simula, a través de la tecnología informática y pda una invasión de tierra por una fuerza de ocupación extranjera. Una aplicación para descargar, móvil habilitado "proyecta la realidad aumentada", lo que permite a los usuarios ver un ejército de invasión extraterrestre a través de sus dispositivos móviles en varias estaciones a lo largo de la Biblioteca de Indianápolis y en el centro de la ciudad. Portugués por computadora artista André Rangel presentó "Graffonic", una obra que utiliza el seguimiento de vídeo y punteros láser para ayudar a los participantes en la creación de una obra de arte reactivo.

Medios fijos de Obras

Gestionado por la Universidad de Indiana Laboratorio de Visualización, Realidad Virtual del Teatro (VRT) en IUPUI es un entorno 3-D en los que las obras de arte interactivo y de inmersión se pueden presentar, creado específicamente para este espacio en el edificio CTIC en IUPUI. Durante el Festival hubo varios períodos de sesiones de las obras originales creadas para una VRT que se realizaron. Además, la proyección de piezas de vídeo de vanguardia que combinan las artes visuales con la música y el sonido se presentaron en la Biblioteca Pública de Indianápolis. Nueva York, equipo artista y compositor Lucas Dubois e IU Bloomington profesora Margaret Dolinsky presentaron trabajos de varios medios de comunicación en los espacios dentro de la biblioteca. El Festival también destacó el trabajo de más de una docena de artistas de vídeo de toda América del Norte en un medio fijo especiales de control en la sala de la biblioteca, incluyendo notables artistas como Phil Kline, Payne Maggie, y López Tom.

Los artistas y las instituciones

El festival también participan colaborando con una variedad de artes de la comunidad, tales como grupos de danza Kaleidoscope y Big Car Gallery. Además de los artistas invitados destacados, más de 100 artistas participaron de Vancouver, Nueva York, Portugal, Lisboa, Chicago, Washington DC, la Universidad de Yale, Oberlin College, Universidad de Illinois en Urbana Champaign de la Universidad de Virginia, Florida State University, la Universidad de Miami , la Universidad de Duke, la Universidad de Bowling Green, Temple University, la Universidad de Emory y la Universidad Tecnológica de Virginia, para nombrar unos pocos. participantes regionales incluyeron artistas de instituciones como IUPUI, la Universidad de Indiana en Bloomington, Ball State University, la Universidad de Butler, de la Universidad de Kentucky, la Universidad de Louisville, y la Universidad de Cincinnati. actuaciones telemáticas entre los artistas a través de Internet se producirá como resultado de las nuevas tecnologías desarrolladas en el Laboratorio de Telemática en el Donald Tavel Artes Centro de Investigación Tecnológica de IUPUI.

Arqueologías de recepción. La obra de Fredy Alzate.

Por: Lucrecia Piedrahíta. Museóloga. 10/10/2010. Coleccionable 4 de Papel Calco

octubre 31, 2010 9:39 am

ORIGINAL: Letras Anónimas

Arqueologías de recepción

La obra de Fredy Alzate

Por: Lucrecia Piedrahíta. Museóloga. 10/10/2010

Las relaciones entre el hombre y su entorno ambiental, social y cultural se reflejan en su manera de intervenir el espacio, de identificarse con un lugar y de marcar su territorio.

Las prácticas políticas de los objetos instalados del artista Fredy Alzate dan cuenta de intervenciones urbanas, acciones alternativas como respuestas a las experiencias del lugar y cartografías del espacio como vehículos primarios de producción y difusión de significados. Ítem, Cielorraso, Proyecto Brote, Proyecto Leve y Adosado: en donde destaco los dibujos impresos sobre papel, Contenido – recipientes en aluminio - y las piezas – Enclave -, constituyen investigaciones de antropología cultural que se resuelven en una producción plástico-estética de temperamento y vitalidad para el debate artístico.

La capacidad escultórica e instalacional de Fredy Alzate se subraya en el Proyecto Leve en donde se destaca el dominio del espacio, el vacío asumido y los gestos discretos de las piezas, que por medio de una exquisita capacidad abstractiva, nos remiten a la idea de la casa en frontera, la casa en los límites.

En su proyecto Cielorraso, el artista expone el sentido simbólico de su casa-taller. Es la confluencia de pintura, escultura, dibujo e instalación en donde se enfatiza en la importancia del proceso y se establece una representación dialógica entre espacio, tiempo e imagen. Las placas del techo de su estudio son modificadas, plásticamente, para denotar el gesto escultórico y evidenciar al observador las siluetas dibujadas, las pinturas configuradas por la lluvia, la acción de la naturaleza y para escudriñar qué hay dentro de los vestigios producidos en el intersticio entre tiempo y espacio. A partir de los objetos encontrados Alzate altera su función habitual y va más allá al extraer finamente un conjunto de prácticas y códigos de hondo simbolismo para exhibir la piel de la arquitectura constituida de cortezas y acumulaciones orgánicas. Superposición de materiales, trazos de huellas de un animal y veladuras definen una cartografía personal y constituye los dibujos geológicos que se proyectan entre el artista y la naturaleza.

En la obra de Fredy Alzate se evidencia el interés por los usos del tiempo y del espacio, las estrategias del habitar y las marcas de la memoria que portan los artefactos / objetos re-ensamblados y re-nominados, entendidos éstos como dispositivos cargados de significado cultural que dan cuenta de la sociedad en la que fueron creados: metros, tableros, dibujos proyectuales artesanales, simulacros de prototipos, fragmentos del compás, trazas de planos; todos artefactos étnicos que hablan del lugar de donde provienen y llevan inscritas historias que –instala- Alzate para otorgar cualidades espaciales al interior de su producción plástica así como en las –disciplinas de exhibición- a las que se enfrenta el espectador. “El artefacto no es metáfora pero sí sinécdoque , por ello solo se puede leer como cultura sin importar sus cualidades estéticas” (Mieke Bal. The discourse of the museum, pg. 201).

En el proyecto Ítem, su más reciente producción Alzate ofrece una etnografía del proceso constructivo espontáneo que a fuerza de necesidad desarrolla una arquitectura artesanal en la que sobresalen las relaciones materiales e inmateriales de los elementos dispuestos, los campos de energía presentes en los modelos constructivos, las divisiones sincrónicas del espacio expositivo por medio de los bocetos que dan cuenta de su trabajo de campo, sus referentes y la arqueología del lugar en periferia.

Alzate es un coleccionista de materiales que restituye al espacio museográfico su función simbólica y utópica a la vez, en donde yuxtapone de manera radical, los diversos elementos en el piso y la pared. Objetos procesados que conjugan los efectos del tiempo y las impresiones del cambio para activar otras formas y permitir otros planos de la visión en el ejercicio clasificatorio de ordenar, nominar, disponer y describir la cultura material de la contemporaneidad.

ESTÉTICAS POLÍTICAS. Por: Lucrecia Piedrahita

“Esta neo-grafía lleva implícita una carga conceptual que la vincula al estadio de la imagen dotada de múltiples puntos de vista políticos para hacer visible -otros objetos y otros textos visuales- que se insertan en la recepción pública y redefinen las Estéticas Políticas y sus fines: [“la capacidad de dotar a la imagen producida de un "sentido otro", potencialmente político por ser capaz justamente de desenmascarar el orden de relaciones que estructura "lo real". La potencia político-subversiva de -(la neo-grafía entendida como la imagen)- (la fotografía) se expresa justamente entonces como la eficacia de su inconsciente óptico: él es capaz de poner de manifiesto todo aquello que una economía interesada de la representación pretende mantener oculto, forcluso.”].” (J. L. Brea. El inconsciente óptico y el segundo obturador.) Tomado del texto: La Memoria Decapitada. Estéticas Políticas. Ponencia presentada en Trasatlántica PHotoEspaña. Encuentro de Críticos, Investigadores y Comisarios. Montevideo – 7 y 8 de octubre 2010. Por: Lucrecia Piedrahíta Orrego. Museóloga / Curadora / Investigadora. Especialista en Política y Periodismo.

FREDY ALZATE GÓMEZ . Rionegro (Ant.), 1975

ESTUDIOS

2006 Magíster en Artes Plásticas y Visuales, Universidad Nacional, Bogotá.

2000 Maestro en Artes Plásticas, Universidad de Antioquia, Medellín.

1998 Pasantía, Universidad Castilla la Mancha, Cuenca – España.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2010 Ítems. Intervención. Centro Colombo Americano San Fernando, Medellín.

2009 Cielorraso, Sala Eladio Vélez, Palacio de Bellas Artes, Medellín

2008 Adosado, Galería Tres Patios, Medellín

Leve, Museo Universitario, Universidad de Antioquia, Medellín,

2007 Leve, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá.

2004 Epifora, Universidad Nacional, Manizales.

2002 Acua, Museo de Arte de Caldas, Manizales.

Temperie, Museo de Arte, Pereira.

2000 Algo en común, Museo de Arte Moderno, Medellín.

Agua, Galería de la Oficina, Medellín.

EXPOSICIONES COLECTIVAS

2010 Entre Mundos- Arte Cámara/ ARBO, CORFERIAS, Bogotá.

Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales de Bogotá, FGAA, Bogotá.

Puntos de fuga, Arquitecturas posibles, Sala de Ciudad, EPM-MAMM, Medellín.

Exposición Bicentenario, In- situ. Centro Colombo Americano, Medellín.

Cultura visual y territorio. Ciudad – Paisaje – Naturaleza . Museo el Castillo, Medellín

2009 Corte 50, Asamblea BID/Museo de Arte Moderno, Medellín.

2008 Arte-Arqueología, Alzate Pottery, Museo Universitario, U de A, Medellín.

2006 Once, Exposición de grado, Universidad Nacional, Bogotá.

2005 Segundo Salón de Arte Bidimensional, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá.

2003 Cuatro Artistas, Sala de Arte de Suramericana de Seguros, Medellín.

X Salón Regional de Artistas, Zona Antioquia, MAMM –Universidad EAFIT, Medellín.

Imagen Regional IV, Aproximaciones a la Pintura, Biblioteca Luis Angel Arango, Banco de la República, Bogotá.

2001 Salones de artistas jóvenes de América Latina y España, Convenio Andrés Bello,

Caracas, Venezuela.

Horizontes: otros paisajes 1950-2001, Suramericana – Museo de Arte Moderno de Medellín.

Nexo, Encuentro de artistas jóvenes de América Latina y España, Convenio Andrés Bello, Bogotá.

International Art Export, New York, E.U.

2000 IX Salón Regional de Artistas, Zona Antioquia, MAMM –Universidad

EAFIT, Medellín.

Humanitas, Centro Colombo Americano, Medellín.

Pitura x 4, Alianza Colombo Francesa, Medellín.

1999 XIX Salón Arturo y Rebeca Rabinovich, Museo de Arte Moderno, Medellín.

DISTINCIONES Y PREMIOS

2006 Arquitecturas leves, Beca de creación: Apoyo a tesis de posgrado, Universidad Nacional, Bogotá.

2000 Mención Especial, Tesis de grado, Universidad de Antioquia, Medellín.

Premio XIX Salón Arturo y Rebeca Rabinovich, Museo de Arte Moderno de Medellín.

OBRA EN COLECCIÓN

Banco de la República, Bogotá.

Museo de Antioquia, Medellín.

Museo de Arte Moderno, Medellín.

Museo Universitario, Universidad de Antioquia, Medellín.

Museo de Arte de Caldas, Manizales.

Museo de Arte de Pereira, Pereira.

El dibujo implicado. La obra de César del Valle. Por: Lucrecia Piedrahita. Museóloga. 10/09/2010

ORIGINAL: Letras Anónimas

LUCRECIA PIEDRAHÍTA

El dibujo implicado. La obra de César del Valle
Por: Lucrecia Piedrahita. Museóloga. 10/09/2010

El dibujo es acción, desplazamiento, interrupción, movimiento. Es la línea que encierra y delimita, es herramienta que organiza el pensamiento. El dibujo contemporáneo se construye con el lápiz y la tinta sobre papel, es la reproducción fotostática de unas líneas, la gráfica escrita en la piel y el trazo que deja un dedo sobre la arena. Definir el dibujo es ampliar el campo de posibilidades del sistema de representación en el arte.

En Papel Calco está la obra de César del Valle. El repertorio de su producción permite entender la imagen como un escenario de reflexión en donde las estructuras de significados y sus efectos textuales implican la figuración, el gesto, la temporalidad del trayecto que recorre la línea, el juego de escala y la vinculación del espacio vacío y escenográfico que otorga un balance preciso a la imagen.

El campo visual en la obra del artista establece relaciones con la historia del arte, con el cine, con la música y con los actos fotográficos presentes en textos como “Las ruinas circulares”, de J.L. Borges que ha sido referente constante en la producción plástica de César del Valle para mantener vigente la tensión entre realidad y ficción: “El propósito que lo guiaba no era imposible, aunque sí sobrenatural. Quería soñar un hombre: quería soñarlo con integridad minuciosa e imponerlo a la realidad. Ese proyecto mágico había agotado el espacio entero de su alma; si alguien le hubiera preguntado su propio nombre o cualquier rasgo de su vida anterior, no habría acertado a responder. Le convenía el templo inhabitado y despedazado, porque era un mínimo de mundo visible; la cercanía de los leñadores también, porque éstos se encargaban de subvenir a sus necesidades frugales. El arroz y las frutas de su tributo eran pábulo suficiente para su cuerpo, consagrado a la única tarea de dormir y soñar.”

Así mismo, los dibujos de César del Valle operan directamente en la concepción de un encuadre cuidadosamente pensado que deriva no solo de un espacio minimalista y desnudo en donde se inscriben sus personajes sino del conocimiento de la composición, de los planos que definen la relación de llenos y vacios para subrayar un dominio de la perspectiva y de los dispositivos ópticos de los que se sirve para segmentar el espacio y componer una imagen que roza el campo cinematográfico.

El recurso sistemático del vacío que sirve como pared, telón, profundidad de campo, arquitectura o espejo sobre la que se recompone la imagen denota el dominio del artista para captar el instante, la precisión de la línea y la capacidad de síntesis. En sus Retratos se re – trae el gesto intimista de quien es observado por la cámara-ojo del artista quien emplea un –tracking shot – para explorar en el papel de marco amplio sobre el que se expande la imagen y poner la mirada en movimiento (…) Aprender mirando. Aprender a mirar: es el tema (…) del “descubrimiento de lo visual por el medio artístico”, de la similitud entre ver y comprender”. “… La capacidad de la nueva pintura de atrapar el momento que huye y, en ello, comprenderlo como momento fugitivo y cualquiera (al contrario del momento esencial). Esta revolución se puede verificar con el paso del esbozo al estudio. El esbozo recoge la impresión que produce algo, pero con miras a realizar un futuro cuadro; el estudio recoge igualmente esa impresión, pero tiene una finalidad en sí mismo, tiene valor por sí solo, no como herramienta para un futuro cuadro; es un género pictórico.” (Jacques Aumont, L’oeil interminable. Cinema et peinture (1989). Y es precisamente en el estudio como obra final donde se instala la validez de la obra de César del Valle. Un estudio en donde la imagen se re-construye con y desde el vacío para emerger en objeto pictórico. Igualmente la contemporaneidad de su obra instalada en la tradición figurativa se soporta en que profundiza la función de la mirada, la hace móvil, le exige trayectos, le permite ser más consciente y selectiva. El movimiento se liga necesariamente al concepto de tiempo y representarlo es tarea del artista. César del Valle, captura la fugacidad del instante.

Montaje digital. Juan Pablo García.

“¿Qué pasa durante una mirada?, ¿Qué relación existe entre el tiempo de la mirada y el tiempo de la representación?, ¿entre el tiempo de la mirada y el espacio de la representación?. Ha surgido un problema nuevo: (…) La gestión de una mirada prolongada.”

Aumont 1989, 59

CESAR DEL VALLE
Pereira. 18 de diciembre de 1985
ESTUDIOS
Universitarios: 2010 Artes Plásticas. Universidad de Antioquia.
EXPOSICIONES
Colectivas
2009
SALÓN ARTECÁMARA. Proyecto de Investigación Jóvenes Artistas 2009. Artbo. Bogotá
PRUEBA DE AUTOR. Muestra del Taller de Grabado la Estampa. Alianza Francesa. Medellín
PROYECTO TESIS. Museo de Arte Contemporáneo Minuto de Dios. Bogotá
CASA DE CITAS. Museo de Antioquia. Medellín
VAMOS. Galería Nueveochenta. Bogotá
CORTE/50. Colección del Museo de Arte Moderno de Medellín. Museo de Arte Moderno de Medellín
REINTERPRETANDO LA COLECCIÓN. Museo de Arte Universitario. U. de A. Medellín
2008
LA OTRA. FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO. Stand Galería La Cometa. Bogotá
3D. Exposición de dibujo. Casa Tres Patios. Medellín
REFLEXIONES DESDE LA REALIDAD Y LA FICCIÓN. Jóvenes artistas colombianos. Galería La Cometa; Naranjo y Velilla Galería de Arte. Bogotá; Medellín
ACADÉMICA VIII. Muestra de procesos académicos de artes plásticas y creatividad. Museo de Arte Moderno de Medellín
LA LÍNEA CONTINÚA. Exposición colectiva de dibujo. Cámara de Comercio de Bogotá
IMAGIN+A. Umbral Gráfico Colombiano. Museo de Arte Moderno de Medellín
PEQUEÑO FORMATO. Museo El Castillo, Medellín
2007
TERCER SALÓN DE ARTE BIDIMENSIONAL. Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Bogotá
2006
ANONYME ZEICHNER. Exposición itinerante de dibujo. Alemania
PROTAGONISTA EL DIBUJO. Muestra del Taller de Dibujo del Maestro Oscar Jaramillo. Biblioteca U. de A. Medellín
SALÓN DEPARTAMENTAL DE ARTES VISUALES. Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe. Medellín
DISTINCIONES
2007
MENCIÓN. TERCER SALÓN DE ARTE BIDIMENSIONAL. Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Bogotá
COLECCIONES
Colección del Museo de Arte Moderno de Medellín

Ha muerto a los 85 años Benoit Mandlebrot, quien dió vida a los fractales

ORIGINAL: FinancialTimes / revtyson

Father of fractals Mandelbrot dies at 85

By Clive Cookson

Published: October 17 2010 19:12 | Last updated: October 17 2010 19:12

Benoît Mandelbrot, one of the most original and influential mathematicians of the 20th century, has died of pancreatic cancer at the age of 85. He was the father of fractal geometry – finding underlying patterns in roughness and irregularity – and was a key figure in the broader field of chaos theory.

Mandelbrot had enormously wide interests. Over a 60-year career, working first in France and then the US, he applied his findings to physics, biology and economics, publishing devastating critiques of modern mathematical finance.

A fractal – the term comes from the Latin for broken – is essentially a fragmented shape whose structure remains the same however much it is blown up or scaled down. Fractal analysis has become a powerful tool to measure and model apparently chaotic shapes and patterns. It is used in the computer industry for internet signal compression, in aerospace for modelling turbulent flow, and in the financial markets.

His most famous creation is the “Mandelbrot set”, a mathematical creation of infinite complexity. The patterns created have brought mathematics into popular culture and fractals have become a standard feature of school curriculums.

His family said Mandelbrot saw himself as a scientific “maverick”, “moving across many disciplines at once to find new insights, and seeking always a measure of order in physical, mathematical or social phenomena that are characterised by abundant data but wild variability”.

Benoît Mandelbrot was born in Warsaw on November 20 1924 but moved as a child with his Jewish family to France, where he survived the second world war and began his mathematical career with the Centre National de la Recherche Scientifique in Paris.

Nicolas Sarkozy, the French president, said Mandelbrot’s was “a powerful, original mind that never shied away from innovation and battering preconceived ideas”.

“France is proud to have received Benoît Mandelbrot and to have allowed him to benefit from the best education,” said Mr Sarkozy.

In 1958 Mandelbrot emigrated to the US, where he spent most of his professional life working for IBM at its main research centre at Yorktown Heights, New York. Although his work there was valuable for IBM, for example on the suppression of electronic “noise” in computing and telecommunications, the company also gave him considerable time and freedom to develop his interests and take part-time academic fellowships.

Towards the end of his career, after leaving IBM, Mandelbrot taught mathematics at Yale University. He finally accepted a tenured academic job in 1999 at Yale as Sterling Professor of Mathematical Sciences: at the age of 75, he was one of the oldest people ever to begin his first full-time professorship.

Mandelbrot published several books, of which the most celebrated was The Fractal Geometry of Nature in 1982. While he had studied markets throughout his career, starting with a 1962 paper on cotton prices, financial mathematics became a pressing interest during the last decade of his life. In 2004 he published with Richard Hudson The (Mis)Behaviour of Markets: A Fractal View of Risk, Ruin and Reward – a devastating attack on the failure of mainstream economists and mathematicians to understand the likelihood of wild swings in prices and the risk of financial disaster.

Mandelbrot felt vindicated by subsequent events, such as the near collapse of the global banking system in 2008.

Mr Hudson, publisher of the Science Business media group, described his co-author as “the ultimate interdisciplinary scientist. The scientific world is built in silos, and he made a career out of going into other people’s silos uninvited and coming up with insights they did not have. In economics he was an outsider – and often not a welcome one”.

Mandelbrot is survived by his wife Aliette, sons Laurent and Didier, both medical doctors, and three grandchildren.

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Arquitectura Verde Interactiva en la Bienal Iberoamericana de Arquitectura.

ORIGINAL: Letras Anónimas.

LUCRECIA PIEDRAHÍTA

Grupo Mente Nómada + Universidad Pontificia Bolivariana
.

Un grupo de científicos, ingenieros, museólogos y arquitectos fuimos invitados para estar presentes en la Bienal Iberoamericana de Arquitectura.

“Entidades ejecutoras: Universidad Pontificia Bolivariana y Grupo Mente Nómada.

.

Arquitectura Verde Interactiva

como eje interdisciplinar para propiciar diálogos entre Cultura, Ciencia y Tecnología

Una de las experiencias de las prácticas artísticas contemporáneas está en la búsqueda de un lenguaje preciso, personal, perfectamente comunicable, sin residuos de ambigüedad, obscuridad u arbitrio, riguroso en la definición y consecuente con los resultados demostrables en su obra o proceso. De igual manera el artista, entendido como un –constructor social- debe producir un trabajo que permita múltiples lecturas ante el ojo, la necesidad y la sensibilidad del espectador, donde su producción sea, cada vez que se expone, objeto de nuevas observaciones, nuevas reacciones y ante todo un documento actual.

El espesor sensorial que conlleva el observar las formas y los fenómenos que se presentan en la naturaleza, nos ofrece, de acuerdo con sus condiciones, experiencias estéticas. Es imponente el contemplar la simetría o asimetría de una flor o de un árbol. El color, su forma, su textura que tienen su origen en la fotosíntesis, así como los procesos de mirar la lluvia, el movimiento de las ramas y las hojas debido a los vientos, se constituyen en ejercicios de observación que potencian la mirada cada vez más consciente y selectiva.

La ciudad es un ámbito de comunicación fundamental para entender los problemas que nos plantea la contemporaneidad, es un objeto de interpretación, lugar de la diversidad, del encuentro entre el espacio público y el espacio privado. Es un fenómeno espacial donde interactúan los sujetos de una colectividad, que tienen como funciones conocer y reconocer su espacio, palparlo como territorio, como sitio comunicacional, como escenario plural. El hombre contemporáneo está sujeto a los cambios del entorno. El cambio climático, el aumento poblacional y de insumos requeridos, afectan el espacio en el cual el hombre se desenvuelve y habita.

Los paisajes tradicionales urbanos están perdiendo los niveles de confort y de calidad de vida para sus habitantes, dado que las condiciones ambientales locales están presentando alteraciones causadas por la contaminación del aire, el agua, el suelo, la pérdida de la biodiversidad, disminución de la fijación de CO2, aumento de carga pluvial, la pérdida de espacios verdes, entre otros, que hoy hacen ver a las ciudades como sistemas grises. Ya no se trata sólo de lograr calidad de vida sino de mantenerla en el tiempo. La búsqueda de equilibrio ambiental urbano ha estado mediada e interpretada subjetivamente por cada disciplina que ha reflexionado sobre él. La antropización del territorio, la modificación de paisaje natural a paisaje urbano, ha impactado la totalidad de los elementos tangibles e intangibles que componen la calidad de vida.

Dentro de la línea de investigación Arquitectura Verde se propone el desarrollo de prototipos del concepto de Techo Verde como solución a problemas en paisajes urbanos. Los Techos Verdes presentan muchos beneficios ambientales: contribuyen a la producción de oxígeno, remueven partículas contaminantes del aire, disminuyen el efecto invernadero al captar las plantas grandes cantidades de CO2. Retienen agua lluvia, aumentan la biodiversidad de insectos benéficos y de pequeñas aves, mejoran el paisaje de la ciudad, disminuyen el efecto de isla térmica e impactan positivamente a las comunidades.

El componente tecnológico de la propuesta de Techos Verdes, en el contexto de lo Micro/Macro, plantea un recorrido desde las estructuras de los cuerpos vegetales que tradicionalmente observamos en la escala macroscópica hasta alcanzar los menores niveles en los cuales es posible visualizar estructuras ordenadas y que corresponden a la celulosa nanométrica (una billonésima parte de un metro). Aunque este ordenamiento puede ser evidenciado tanto en plantas como en árboles, en este apartado se realiza a partir de residuos generados por la agroindustria de banano y plátano como son los vástagos o raquis de dichas plantas que incluso pueden ser empleados como materiales para el desarrollo de elementos no estructurales al interior de las viviendas y como manto fértil que contribuye con el mejoramiento de las condiciones ambientales propiciadas por la presencia de Techos Verdes.

El concepto interactivo asociado a Arquitectura Verde se refiere específicamente a que se espera que las estructuras desarrolladas dispongan de los recursos tecnológico que permitan conformar un sistema urbano de medición ambiental.
 

El proyecto Arquitectura Verde Interactiva desarrolla el componente cultural + paisajístico + humano como eje trasversal de todo el proceso revalorando desde el campo antropológico, social, arquitectónico y estético los conceptos de ciudad y espacio público, paisaje rural y urbano, territorio y memoria y poéticas del paisaje, como ejes temáticos que son abordados en la investigación y para ello referencia a los artistas que marcan una plataforma de discusión conceptual, ambiental y formal en la vinculación de paisaje, naturaleza y ciudad:

• Proyecto del artista alemán Joseph Beuys: 7,000 robles, 1982.
• Natalie Jermijenko, artista y científica norteamericana, con sus proyectos ambientales: One Trees 2003 y Urban Space Station, 2008, y
• el proyecto del artista colombiano Hugo Zapata: Sendero, 1991.