¡Nuevo video de Ciberprofesor con una cámara en la parte posterior de la cabeza!

ORIGINAL: SingularityHub

Wafaa Bilal experimenta con su cámara recién instalada. ¿Es el nuevo ojo del artista cibernético una señal de lo que vendrá?

Nunca ponga en tela de juicio la determinación de un artista. En primer lugar, son lo suficientemente locos como para hacer cualquier cosa. Más importante aún, algunos de ellos son cyborgs secretos. El profesorUniversidad de Nueva York Wafaa Bilal anunció su intención de instalarse una cámara en la parte posterior de la cabeza a principios de esta temporada, y, fiel a su palabra, ahora está caminando con el dispositivo implantado quirúrgicamente. Bilal, un artista nacido en Irak, tiene un historial de proyectos polémicos encaminados a lograr que el público explore los límites y fronteras de la sociedad. Ahora, su cámara apuntando a la parte posterior, transmitira en vivo el mundo que él nunca ve a los visitantes en el Museo Mathaf Árabe de Arte Moderno de Qatar. El proyecto de arte, titulada "El tercer Yo" entrará en funcionamiento el 15 de diciembre y continuará durante un año. Echa un vistazo a la cámara cibernético y escucha a Bilal explicar su trabajo en el vídeo de la Associated Press a continuación. Dos horas después de la cirugía con sólo anestesia local, nadie habría dicho que convertirse en un cyborg (o un artista) fuese fácil.

Como ya comentamos en nuestra nota anterior, la aventura artística de Bilal en "registrar la vida" es algo más que conseguir un par de ojos extra en la parte posterior de su cabeza. También se trata de explorar cómo la sociedad se excluyen las costumbres cambiantes acerca de la grabación lo que le rodea. Los administradores de Universidad de Nueva York han solicitado a Bilal cubrir la cámara, mientras esté en el campus para preservar la privacidad de sus estudiantes. Los estudiantes que con toda probabilidad, toman fotos de uno al otro todo el tiempo y compartir detalles íntimos acerca de sus contactos en Facebook. Para Universidad de Nueva York, todavía hay una diferencia entre elegir grabar, y registrar a alguien sin su conocimiento. ¿Podría ésto cambiar? La próxima generación está siendo criada en una cultura que es mucho más abierta que la anterior. ¿Cuánto tiempo pasará hasta que esperamos que cada parte de nuestras vidas esté capturada en video? Las obras anteriores de Bilal han explorado la angustia estadounidense acerca del terrorismo, el racismo global, y la guerra. "El tercer Yo" parece menos dramática en comparación, pero creo que las cuestiones que plantea podría ser más importante en los próximos años de lo que nadie espera.

Instalación de luz por Peter Fink y Marcos Mayor en el puente Coronado de San Diego

ORIGINAL: Cultural Engineering

El artista Peter Fink ganó el concurso internacional para transformar el clásico puente Coronado -2.5 millas de largo- en San Diego en California con una monumental escultura de luz interactiva utilizando la energía renovable verde.

Un equipo internacional dirigido por el artista londinense Peter Fink (Formu Associates) y el diseñador de iluminación Marcos Mayor (Speirs + Mayor) en asociación con la oficina Happold en Los Ángeles ha sido anunciado como el ganador del más grande proyecto de iluminacióninteractiva de energía verde en América del Norte. El Puente de la Bahía San Diego-Coronado, construido en 1969 en el marco espectacular de la bahía, se ha convertido en un símbolo de la zona de San Diego - así como el Golden Gate y el Puente de la Bahía son símbolos de San Francisco. El puente de San Diego se caracteriza por su elegante cubierta de 2.5 millas de largo curvo con el apoyo de más de 30 torres con una altura de 200 pies sobre el canal de navegación. Los canales de envío se extendien como los más largos del mundo en el tipo viga continua de tres vanos cuadro midiendo 1,880 pies.

El proyecto de iluminación es una asociación entre el Puerto de San Diego y el Departamento de Transporte de California (Caltrans), que opera y mantiene el puente. Después de un extenso período de evaluación, los comisionados del puerto y Caltrans aceptaron la recomendación de un comité de selección para elegir a Peter Fink y el Mark Mayor equipo que venció a otros dos finalistas, la Compañía Bideau de Ballan-Miré, Francia y Kahn Ned / Patrick Asociados McInerney en asociación con ARUP.

La concepto ganador contempla iluminar el puente con iluminación LED programable en forma de energía neutra en el uso de electricidad generada por turbinas de viento. El concepto de iluminación está diseñado para celebrar la espectacular ubicación de la Bahía de San Diego, y hacer hincapié en el puente como una importante puerta de entrada, programando con el cambio de colores claros que expresan el movimiento de la energía a través y por debajo del puente. El variación del flujo de tráfico sobre el puente se expresará por la iluminación lateral por una programación que refleja la dirección, la velocidad y la intensidad de los movimientos de vehículos en la cubierta. La iluminación del tramo de navegación expresa la función de puerta de enlace náutica del puente y tendrá la capacidad para responder al movimiento de buques más grandes. Una capa de distintas secundarias de la iluminación de acentuación de los pilares del puente facilitará el sentido de la conexión urbana entre las dos orillas y celebrar los fuertes lazos entre la masa de agua que une las comunidades de San Diego y la ciudad de Coronado.

RITOS DEL ORDEN. LA OBRA DE MARCELA CÁRDENAS. Por: Lucrecia Piedrahíta. Coleccionable 5 de Papel Calco

ORIGINAL: LETRAS ANÓNIMAS por LUCRECIA PIEDRAHÍTA

RITOS DEL ORDEN

La memoria se ancla en las cosas simples. Elementos de la infancia, del coleccionista de libros ilustrados, manuales escolares, objetos mediados por el acto estético y prototipos re – localizados para el arte contemporáneo configuran la antropología de la cotidianidad que Marcela Cárdenas explora en sus pinturas, dibujos y grabados. Una artista que “modela”, desde la bidimensionalidad, sobre la pintura clásica y que transfigura el objeto banal en instalaciones a manera de teatrinos en donde la densidad emotiva para re-componer la escena, el set o la representación es fundamento central de su trabajo.

La ampliación de escala de los elementos que se observan en su obra plantea una relación dinámica entre figura y fondo manteniendo un interés por el vacío que se transforma en silencio y privilegia una semántica de la forma. Igualmente acompaña una atención constante para focalizar la concentración en la materialidad externa del objeto subrayada por una impecable técnica que le otorga una realidad interna al objeto representado y lo dota de una apariencia sólida. El metódico sentido del orden con el que la artista define el espacio pictórico y su capacidad técnica evidencian el pasado del objeto “original” y el pasado del objeto que “duplica” para así ennoblecer la iconografía doméstica desocultada finamente a través de su mirada. El resultado es una serie de escenografías en donde se privilegia a través de investigaciones constantes los efectos de la cotidianidad que ritualiza los actos simples de reordenar, instalar, clasificar y catalogar los elementos propios de su mitología privada dispuestos a manera de una arqueología monacal. Mantenerse en esa persistencia me permite relacionar la obra de Giorgio Morandi, Joseph Cornell y Zurbarán, artistas que supieron captar la belleza con el espíritu.

Al revisar la producción de Marcela Cárdenas es evidente encontrar las correspondencias con procesos de observación minuciosos, detallados y propios de modelos de clasificación / catalogación científica, (Taxonomía y Flora y Fauna), acompañado del interés de la artista por las vitrinas de los Museos de Historia Natural. Estrategias interpretativas adoptadas desde las prácticas del espacio en relación con el orden construido que la artista implementa y activa metódicamente. “La escenificación de la ciencia en el espacio exterior recoge la sintomatología de un fenómeno estético o de una obra de arte”… El esquema de multiplicación interior del espacio del cuadro en fragmentos iguales y regulares alberga de manera intuitiva la mecánica de repeticiones con que está tejido el lenguaje. La metáfora de la “red” ha sido recurrente en los intentos de describir las formas del conocimiento, y con ellos también los del lenguaje. Del mismo modo el espacio cartesiano, regido internamente por coordenadas, es una red ideal que sirve para controlar de antemano cualquier posición “imaginable”. La imagen se hace residuo del pensamiento, derivación de la idea. Las “gráficas” resultantes de los análisis y cálculos se convierten en un modo de pensamiento asociado a la génesis de una imagen o una forma. Cuando la metáfora mítica del lenguaje-red se convierte en objeto plástico, la obra de arte portadora de esa estructura ingresa en una ambigüedad esencial entre lo lingüístico y lo plástico.” [1].

Estos procedimientos de análisis formal y conceptual ampliados para las prácticas artísticas de hoy sacuden los dramas de la imagen y postulan más argumentos en los procesos de deconstrucción de la misma.

Flora y Fauna. Lápiz y acuarela sobre papel, 2010

Taxonomía de fauna doméstica. Grabado al aguafuerte / 2009-2010

En Papel Calco destaco la obra Flora y Fauna. [2] Los valores plásticos y visuales presentes en esta pieza unidos a la elección calculada de los elementos significantes subrayan el orden simbólico de cada órgano del cuerpo humano inscritos bajo una línea de altísima calidad que parte de una apropiación de la estética renacentista contenida en el rictus del pintor alemán Lucas Cranach.

El dibujo de Marcela Cárdenas habla de la ética de la línea y estoy segura que al momento que este dibujo se instale en el gran formato le otorgará el carácter estructural que solidificará la carrera de esta artista que entiende la belleza como una categoría muy cercana a la naturaleza.

TRAZAS. CONSTITUYENTES DE LA IMAGEN
“Kant hace notar que podemos pensar el espacio sin objetos, pero que nos sería imposible imaginar un objeto sin espacio”. (V del R)

Paisajes domésticos I.

diseño gráfico /BFA graphic design
Universidad Pontificia Bolivariana, 1993-1998
Medellín, Colombia
fotografía / photography
Academia Cultural Yuruparí,1991-1992
Medellín, Colombia
culinaria / culinary arts
French Culinary Institute, 1999 – 2000
New York
pintura /painting
Maestro Romel Toro, 2005-2008
Medellín, Colombia
dibujo experimental /experimental drawing
Instituto Bellas Artes, 2007
Medellín, Colombia
dibujo / drawing
Taller La Estampa, 2005-2009
Maestro Oscar Jaramillo
Medellín, Colombia
grabado /etching
Taller La Estampa, 2006-2010
Medellín, Colombia
investigación cualitativa desde el arte / qualitative art research
Tallersiete, 2010
EXPOSICIONES COLECTIVAS / GROUP EXHIBITS
2010
Featured artist “La Boîte à Biscuits”, New York
The Affordable Artfair Fall, New York
Dorado, Fondo Internacional de las Artes FIART, Madrid
La Estampa en el MAMM, Museo de Arte Moderno, Medellín
Los límites entre el arte y la ilustración, Museo El Castillo, Medellín
Pequeño formato, sala de artes, Museo El Castillo, Medellín
[in]movil [en]casa, Casa Tres Patios, Medellín
2009
“Más que Sangre” muestra itinerante Cruz Roja y MAMM, Medellín
Prueba de Autor Sala Olivier Debré, Alianza Francesa, Medellín
Grandes Mujeres, Muestra itinerante MAMM y la Alcaldía de Medellín
Primera muestra colectiva de Grabado, Museo El Castillo, Medellín
Pequeño formato, Museo El Castillo, Medellín
28º Miniprint Internacional, Taller Galería Fort, Cadaqués
2008
Primera edición Galería Móvil, Edificio Centro Ayacucho, Medellín
GRAFIA, Abierta Galería, Medellín
Dibujos entorno a Caperucita Roja, Parque Biblioteca Belén, Medellín
IMAGIN+A Umbral Gráfico Colombiano, MAMM, Medellín
2007
Muestra Taller de Dibujo Experimental, Alianza Francesa, Medellín
27º Miniprint Internacional, Taller Galería Fort, Cadaqués
Anonyme Zeichen, Blütenweiss Galerie, Berlin
Salón Premio Fernando Botero Fundación Jóvenes Artistas, Bogotá
2006
Concurso de Artes Embajada de Francia, Museo de Arte Moderno, Medellín
2005
IV Salón Nacional de Arte Diversidad, Galería Casa Cuadrada, Bogotá
PREMIOS / AWARDS

[1] El espacio ideológico del arte y la ciencia. Víctor del Río. Revista Lápiz, 193. Pág. 32

[2] Con esta pieza Marcela Cárdenas estuvo presente en la muestra colectiva “Los límites entre el arte y la Ilustración” que se realizó en el Museo El Castillo y fue catalogada por el público como una de las mejores muestras para la ciudad en 2010.

Van Gogh Espacial

ORIGINAL: Twitter. NASA

Este planeta estan hermoso en ocasiones. Por ejemplo esta imagen satelital. Algo de lo que debemos estar agradecidos ¿cierto?

13 de julio 2005 Descripción: En el estilo de la pintura de Van Gogh "Noche estrellada", congregaciones masivas de los remolinos de fitoplancton en el agua verdosa oscura alrededor de Gotland, una isla sueca en el Mar Báltico. El fitoplancton son plantas marinas microscópicas que forman el primer eslabón de la cadena alimenticia del océano

Torno para cerámica virtual de la instalación "l'Artisan Electronique" de Unfold & Tim Knapen.

l'Artisan Electronique, Virtual Pottery Wheel from Unfold on Vimeo.

Me queda la curiosidad si está conectado a una de la nuevas impresoras tridimensionales para obtener el objeto real...

Festival Intermedia

ORIGINAL: Festival Intermedia

Llevado a cabo del 23 al 25 de abril de 2010, el Festival de Intermedia fue una serie única de conciertos y eventos que representen modos futurista de actuación en directo en las artes y los medios telemáticos. sintetiza Telemática Arte de las artes escénicas tradicionales con las computadoras, los medios de comunicación y las telecomunicaciones. El Festival Intermedia destacados artistas, músicos, videoartistas, bailarines, actores y escritores de todo el mundo. Mientras que más de 100 artistas viajaron a Indianápolis, otros participaron a través de Internet de forma interactiva con los colaboradores en el festival. drama en vivo, danza, música, artes visuales, video, presentación científica, el comentario y la discusión fueron sintetizados para formar un conjunto provocativo y convincente de las experiencias.

El Festival se celebró en el nuevo centro de Indianápolis de la Biblioteca Pública y en la Tecnología Informática y Computación Complejo IUPUI. La entrada es gratuita y abierta al público para los espectáculos. El Festival fue una producción de Donald Tavel Artes Centro de Investigación Tecnológica, la Universidad de Indiana Purdue University Indianapolis (IUPUI). El Festival fue posible gracias a una Universidad de Indiana Nuevas Fronteras-Nuevas perspectivas de subvención de la Fundación Lilly, una Iniciativa de Investigación Multidisciplinario Pregrado Grant (MURI) de IUPUI, y estaba siendo producido en asociación con el Indianápolis Biblioteca Pública del Condado, el Departamento de IUPUI Música y Tecnología de las Artes, la Universidad de Indiana Avanzada Laboratorio de Visualización y las Artes Donald Tavel Centro de Investigación y Tecnología en IUPUI.

Galerías de Imágenes aquí

Destacados en el Festival

Fotos por JammyStraub

Conciertos

El Festival presenta diez conciertos multimedia entre la noche del viernes y la tarde del domingo 23 hasta 25 abril. danza en vivo, música, artes visuales, teatro, video, comentarios científicos, presentación y discusión se unieron para crear un conjunto de provocación y convincente de las experiencias. Tomó nota de los artistas invitado especial en el Festival incluyó sede en San Francisco cantante Pamela Z, Nueva York, compositor y artista equipo Lucas Dubois, Bora Yoon cantante, compositor eco-acústica Burtner Mateo, con sede en Indianápolis grupo electro-acústico Robot Grandes, Calidoscopio y Danza. El Viernes por la noche concierto de apertura característica Gran Robot seguida de un concierto de danza que contará con la Danza con sede en Indianápolis Calidoscopio en concierto con otros bailarines y los medios de comunicación en el escenario, y con bailarines de la Florida State University interactuar en línea y en la pantalla.

Instalaciones

Varios grupos presentan instalaciones móviles de arte durante todo el Festival en las proximidades del centro. El Colectivo de Washington DC flotante basado en Lab presenta sus composiciones de improvisación juega en los instrumentos que crearon llamados "gritones". El móvil con sede en Florida Performance Group es un colectivo de artistas de nuevos medios de comunicación que difunden sus obras por los automóviles utilizando, proyección de video, teléfonos celulares, la transmisión de FM, puntos de acceso inalámbricos, y otras tecnologías que permiten a los artistas para involucrar al público. Las Fuerzas de Ocupación del proyecto, por Nueva York artistas Skwarek Marcos, Hocking José, y de serie Krusher, era una pieza que simula, a través de la tecnología informática y pda una invasión de tierra por una fuerza de ocupación extranjera. Una aplicación para descargar, móvil habilitado "proyecta la realidad aumentada", lo que permite a los usuarios ver un ejército de invasión extraterrestre a través de sus dispositivos móviles en varias estaciones a lo largo de la Biblioteca de Indianápolis y en el centro de la ciudad. Portugués por computadora artista André Rangel presentó "Graffonic", una obra que utiliza el seguimiento de vídeo y punteros láser para ayudar a los participantes en la creación de una obra de arte reactivo.

Medios fijos de Obras

Gestionado por la Universidad de Indiana Laboratorio de Visualización, Realidad Virtual del Teatro (VRT) en IUPUI es un entorno 3-D en los que las obras de arte interactivo y de inmersión se pueden presentar, creado específicamente para este espacio en el edificio CTIC en IUPUI. Durante el Festival hubo varios períodos de sesiones de las obras originales creadas para una VRT que se realizaron. Además, la proyección de piezas de vídeo de vanguardia que combinan las artes visuales con la música y el sonido se presentaron en la Biblioteca Pública de Indianápolis. Nueva York, equipo artista y compositor Lucas Dubois e IU Bloomington profesora Margaret Dolinsky presentaron trabajos de varios medios de comunicación en los espacios dentro de la biblioteca. El Festival también destacó el trabajo de más de una docena de artistas de vídeo de toda América del Norte en un medio fijo especiales de control en la sala de la biblioteca, incluyendo notables artistas como Phil Kline, Payne Maggie, y López Tom.

Los artistas y las instituciones

El festival también participan colaborando con una variedad de artes de la comunidad, tales como grupos de danza Kaleidoscope y Big Car Gallery. Además de los artistas invitados destacados, más de 100 artistas participaron de Vancouver, Nueva York, Portugal, Lisboa, Chicago, Washington DC, la Universidad de Yale, Oberlin College, Universidad de Illinois en Urbana Champaign de la Universidad de Virginia, Florida State University, la Universidad de Miami , la Universidad de Duke, la Universidad de Bowling Green, Temple University, la Universidad de Emory y la Universidad Tecnológica de Virginia, para nombrar unos pocos. participantes regionales incluyeron artistas de instituciones como IUPUI, la Universidad de Indiana en Bloomington, Ball State University, la Universidad de Butler, de la Universidad de Kentucky, la Universidad de Louisville, y la Universidad de Cincinnati. actuaciones telemáticas entre los artistas a través de Internet se producirá como resultado de las nuevas tecnologías desarrolladas en el Laboratorio de Telemática en el Donald Tavel Artes Centro de Investigación Tecnológica de IUPUI.

Arqueologías de recepción. La obra de Fredy Alzate.

Por: Lucrecia Piedrahíta. Museóloga. 10/10/2010. Coleccionable 4 de Papel Calco

octubre 31, 2010 9:39 am

ORIGINAL: Letras Anónimas

Arqueologías de recepción

La obra de Fredy Alzate

Por: Lucrecia Piedrahíta. Museóloga. 10/10/2010

Las relaciones entre el hombre y su entorno ambiental, social y cultural se reflejan en su manera de intervenir el espacio, de identificarse con un lugar y de marcar su territorio.

Las prácticas políticas de los objetos instalados del artista Fredy Alzate dan cuenta de intervenciones urbanas, acciones alternativas como respuestas a las experiencias del lugar y cartografías del espacio como vehículos primarios de producción y difusión de significados. Ítem, Cielorraso, Proyecto Brote, Proyecto Leve y Adosado: en donde destaco los dibujos impresos sobre papel, Contenido – recipientes en aluminio - y las piezas – Enclave -, constituyen investigaciones de antropología cultural que se resuelven en una producción plástico-estética de temperamento y vitalidad para el debate artístico.

La capacidad escultórica e instalacional de Fredy Alzate se subraya en el Proyecto Leve en donde se destaca el dominio del espacio, el vacío asumido y los gestos discretos de las piezas, que por medio de una exquisita capacidad abstractiva, nos remiten a la idea de la casa en frontera, la casa en los límites.

En su proyecto Cielorraso, el artista expone el sentido simbólico de su casa-taller. Es la confluencia de pintura, escultura, dibujo e instalación en donde se enfatiza en la importancia del proceso y se establece una representación dialógica entre espacio, tiempo e imagen. Las placas del techo de su estudio son modificadas, plásticamente, para denotar el gesto escultórico y evidenciar al observador las siluetas dibujadas, las pinturas configuradas por la lluvia, la acción de la naturaleza y para escudriñar qué hay dentro de los vestigios producidos en el intersticio entre tiempo y espacio. A partir de los objetos encontrados Alzate altera su función habitual y va más allá al extraer finamente un conjunto de prácticas y códigos de hondo simbolismo para exhibir la piel de la arquitectura constituida de cortezas y acumulaciones orgánicas. Superposición de materiales, trazos de huellas de un animal y veladuras definen una cartografía personal y constituye los dibujos geológicos que se proyectan entre el artista y la naturaleza.

En la obra de Fredy Alzate se evidencia el interés por los usos del tiempo y del espacio, las estrategias del habitar y las marcas de la memoria que portan los artefactos / objetos re-ensamblados y re-nominados, entendidos éstos como dispositivos cargados de significado cultural que dan cuenta de la sociedad en la que fueron creados: metros, tableros, dibujos proyectuales artesanales, simulacros de prototipos, fragmentos del compás, trazas de planos; todos artefactos étnicos que hablan del lugar de donde provienen y llevan inscritas historias que –instala- Alzate para otorgar cualidades espaciales al interior de su producción plástica así como en las –disciplinas de exhibición- a las que se enfrenta el espectador. “El artefacto no es metáfora pero sí sinécdoque , por ello solo se puede leer como cultura sin importar sus cualidades estéticas” (Mieke Bal. The discourse of the museum, pg. 201).

En el proyecto Ítem, su más reciente producción Alzate ofrece una etnografía del proceso constructivo espontáneo que a fuerza de necesidad desarrolla una arquitectura artesanal en la que sobresalen las relaciones materiales e inmateriales de los elementos dispuestos, los campos de energía presentes en los modelos constructivos, las divisiones sincrónicas del espacio expositivo por medio de los bocetos que dan cuenta de su trabajo de campo, sus referentes y la arqueología del lugar en periferia.

Alzate es un coleccionista de materiales que restituye al espacio museográfico su función simbólica y utópica a la vez, en donde yuxtapone de manera radical, los diversos elementos en el piso y la pared. Objetos procesados que conjugan los efectos del tiempo y las impresiones del cambio para activar otras formas y permitir otros planos de la visión en el ejercicio clasificatorio de ordenar, nominar, disponer y describir la cultura material de la contemporaneidad.

ESTÉTICAS POLÍTICAS. Por: Lucrecia Piedrahita

“Esta neo-grafía lleva implícita una carga conceptual que la vincula al estadio de la imagen dotada de múltiples puntos de vista políticos para hacer visible -otros objetos y otros textos visuales- que se insertan en la recepción pública y redefinen las Estéticas Políticas y sus fines: [“la capacidad de dotar a la imagen producida de un "sentido otro", potencialmente político por ser capaz justamente de desenmascarar el orden de relaciones que estructura "lo real". La potencia político-subversiva de -(la neo-grafía entendida como la imagen)- (la fotografía) se expresa justamente entonces como la eficacia de su inconsciente óptico: él es capaz de poner de manifiesto todo aquello que una economía interesada de la representación pretende mantener oculto, forcluso.”].” (J. L. Brea. El inconsciente óptico y el segundo obturador.) Tomado del texto: La Memoria Decapitada. Estéticas Políticas. Ponencia presentada en Trasatlántica PHotoEspaña. Encuentro de Críticos, Investigadores y Comisarios. Montevideo – 7 y 8 de octubre 2010. Por: Lucrecia Piedrahíta Orrego. Museóloga / Curadora / Investigadora. Especialista en Política y Periodismo.

FREDY ALZATE GÓMEZ . Rionegro (Ant.), 1975

ESTUDIOS

2006 Magíster en Artes Plásticas y Visuales, Universidad Nacional, Bogotá.

2000 Maestro en Artes Plásticas, Universidad de Antioquia, Medellín.

1998 Pasantía, Universidad Castilla la Mancha, Cuenca – España.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2010 Ítems. Intervención. Centro Colombo Americano San Fernando, Medellín.

2009 Cielorraso, Sala Eladio Vélez, Palacio de Bellas Artes, Medellín

2008 Adosado, Galería Tres Patios, Medellín

Leve, Museo Universitario, Universidad de Antioquia, Medellín,

2007 Leve, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá.

2004 Epifora, Universidad Nacional, Manizales.

2002 Acua, Museo de Arte de Caldas, Manizales.

Temperie, Museo de Arte, Pereira.

2000 Algo en común, Museo de Arte Moderno, Medellín.

Agua, Galería de la Oficina, Medellín.

EXPOSICIONES COLECTIVAS

2010 Entre Mundos- Arte Cámara/ ARBO, CORFERIAS, Bogotá.

Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales de Bogotá, FGAA, Bogotá.

Puntos de fuga, Arquitecturas posibles, Sala de Ciudad, EPM-MAMM, Medellín.

Exposición Bicentenario, In- situ. Centro Colombo Americano, Medellín.

Cultura visual y territorio. Ciudad – Paisaje – Naturaleza . Museo el Castillo, Medellín

2009 Corte 50, Asamblea BID/Museo de Arte Moderno, Medellín.

2008 Arte-Arqueología, Alzate Pottery, Museo Universitario, U de A, Medellín.

2006 Once, Exposición de grado, Universidad Nacional, Bogotá.

2005 Segundo Salón de Arte Bidimensional, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá.

2003 Cuatro Artistas, Sala de Arte de Suramericana de Seguros, Medellín.

X Salón Regional de Artistas, Zona Antioquia, MAMM –Universidad EAFIT, Medellín.

Imagen Regional IV, Aproximaciones a la Pintura, Biblioteca Luis Angel Arango, Banco de la República, Bogotá.

2001 Salones de artistas jóvenes de América Latina y España, Convenio Andrés Bello,

Caracas, Venezuela.

Horizontes: otros paisajes 1950-2001, Suramericana – Museo de Arte Moderno de Medellín.

Nexo, Encuentro de artistas jóvenes de América Latina y España, Convenio Andrés Bello, Bogotá.

International Art Export, New York, E.U.

2000 IX Salón Regional de Artistas, Zona Antioquia, MAMM –Universidad

EAFIT, Medellín.

Humanitas, Centro Colombo Americano, Medellín.

Pitura x 4, Alianza Colombo Francesa, Medellín.

1999 XIX Salón Arturo y Rebeca Rabinovich, Museo de Arte Moderno, Medellín.

DISTINCIONES Y PREMIOS

2006 Arquitecturas leves, Beca de creación: Apoyo a tesis de posgrado, Universidad Nacional, Bogotá.

2000 Mención Especial, Tesis de grado, Universidad de Antioquia, Medellín.

Premio XIX Salón Arturo y Rebeca Rabinovich, Museo de Arte Moderno de Medellín.

OBRA EN COLECCIÓN

Banco de la República, Bogotá.

Museo de Antioquia, Medellín.

Museo de Arte Moderno, Medellín.

Museo Universitario, Universidad de Antioquia, Medellín.

Museo de Arte de Caldas, Manizales.

Museo de Arte de Pereira, Pereira.

El dibujo implicado. La obra de César del Valle. Por: Lucrecia Piedrahita. Museóloga. 10/09/2010

ORIGINAL: Letras Anónimas

LUCRECIA PIEDRAHÍTA

El dibujo implicado. La obra de César del Valle
Por: Lucrecia Piedrahita. Museóloga. 10/09/2010

El dibujo es acción, desplazamiento, interrupción, movimiento. Es la línea que encierra y delimita, es herramienta que organiza el pensamiento. El dibujo contemporáneo se construye con el lápiz y la tinta sobre papel, es la reproducción fotostática de unas líneas, la gráfica escrita en la piel y el trazo que deja un dedo sobre la arena. Definir el dibujo es ampliar el campo de posibilidades del sistema de representación en el arte.

En Papel Calco está la obra de César del Valle. El repertorio de su producción permite entender la imagen como un escenario de reflexión en donde las estructuras de significados y sus efectos textuales implican la figuración, el gesto, la temporalidad del trayecto que recorre la línea, el juego de escala y la vinculación del espacio vacío y escenográfico que otorga un balance preciso a la imagen.

El campo visual en la obra del artista establece relaciones con la historia del arte, con el cine, con la música y con los actos fotográficos presentes en textos como “Las ruinas circulares”, de J.L. Borges que ha sido referente constante en la producción plástica de César del Valle para mantener vigente la tensión entre realidad y ficción: “El propósito que lo guiaba no era imposible, aunque sí sobrenatural. Quería soñar un hombre: quería soñarlo con integridad minuciosa e imponerlo a la realidad. Ese proyecto mágico había agotado el espacio entero de su alma; si alguien le hubiera preguntado su propio nombre o cualquier rasgo de su vida anterior, no habría acertado a responder. Le convenía el templo inhabitado y despedazado, porque era un mínimo de mundo visible; la cercanía de los leñadores también, porque éstos se encargaban de subvenir a sus necesidades frugales. El arroz y las frutas de su tributo eran pábulo suficiente para su cuerpo, consagrado a la única tarea de dormir y soñar.”

Así mismo, los dibujos de César del Valle operan directamente en la concepción de un encuadre cuidadosamente pensado que deriva no solo de un espacio minimalista y desnudo en donde se inscriben sus personajes sino del conocimiento de la composición, de los planos que definen la relación de llenos y vacios para subrayar un dominio de la perspectiva y de los dispositivos ópticos de los que se sirve para segmentar el espacio y componer una imagen que roza el campo cinematográfico.

El recurso sistemático del vacío que sirve como pared, telón, profundidad de campo, arquitectura o espejo sobre la que se recompone la imagen denota el dominio del artista para captar el instante, la precisión de la línea y la capacidad de síntesis. En sus Retratos se re – trae el gesto intimista de quien es observado por la cámara-ojo del artista quien emplea un –tracking shot – para explorar en el papel de marco amplio sobre el que se expande la imagen y poner la mirada en movimiento (…) Aprender mirando. Aprender a mirar: es el tema (…) del “descubrimiento de lo visual por el medio artístico”, de la similitud entre ver y comprender”. “… La capacidad de la nueva pintura de atrapar el momento que huye y, en ello, comprenderlo como momento fugitivo y cualquiera (al contrario del momento esencial). Esta revolución se puede verificar con el paso del esbozo al estudio. El esbozo recoge la impresión que produce algo, pero con miras a realizar un futuro cuadro; el estudio recoge igualmente esa impresión, pero tiene una finalidad en sí mismo, tiene valor por sí solo, no como herramienta para un futuro cuadro; es un género pictórico.” (Jacques Aumont, L’oeil interminable. Cinema et peinture (1989). Y es precisamente en el estudio como obra final donde se instala la validez de la obra de César del Valle. Un estudio en donde la imagen se re-construye con y desde el vacío para emerger en objeto pictórico. Igualmente la contemporaneidad de su obra instalada en la tradición figurativa se soporta en que profundiza la función de la mirada, la hace móvil, le exige trayectos, le permite ser más consciente y selectiva. El movimiento se liga necesariamente al concepto de tiempo y representarlo es tarea del artista. César del Valle, captura la fugacidad del instante.

Montaje digital. Juan Pablo García.

“¿Qué pasa durante una mirada?, ¿Qué relación existe entre el tiempo de la mirada y el tiempo de la representación?, ¿entre el tiempo de la mirada y el espacio de la representación?. Ha surgido un problema nuevo: (…) La gestión de una mirada prolongada.”

Aumont 1989, 59

CESAR DEL VALLE
Pereira. 18 de diciembre de 1985
ESTUDIOS
Universitarios: 2010 Artes Plásticas. Universidad de Antioquia.
EXPOSICIONES
Colectivas
2009
SALÓN ARTECÁMARA. Proyecto de Investigación Jóvenes Artistas 2009. Artbo. Bogotá
PRUEBA DE AUTOR. Muestra del Taller de Grabado la Estampa. Alianza Francesa. Medellín
PROYECTO TESIS. Museo de Arte Contemporáneo Minuto de Dios. Bogotá
CASA DE CITAS. Museo de Antioquia. Medellín
VAMOS. Galería Nueveochenta. Bogotá
CORTE/50. Colección del Museo de Arte Moderno de Medellín. Museo de Arte Moderno de Medellín
REINTERPRETANDO LA COLECCIÓN. Museo de Arte Universitario. U. de A. Medellín
2008
LA OTRA. FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO. Stand Galería La Cometa. Bogotá
3D. Exposición de dibujo. Casa Tres Patios. Medellín
REFLEXIONES DESDE LA REALIDAD Y LA FICCIÓN. Jóvenes artistas colombianos. Galería La Cometa; Naranjo y Velilla Galería de Arte. Bogotá; Medellín
ACADÉMICA VIII. Muestra de procesos académicos de artes plásticas y creatividad. Museo de Arte Moderno de Medellín
LA LÍNEA CONTINÚA. Exposición colectiva de dibujo. Cámara de Comercio de Bogotá
IMAGIN+A. Umbral Gráfico Colombiano. Museo de Arte Moderno de Medellín
PEQUEÑO FORMATO. Museo El Castillo, Medellín
2007
TERCER SALÓN DE ARTE BIDIMENSIONAL. Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Bogotá
2006
ANONYME ZEICHNER. Exposición itinerante de dibujo. Alemania
PROTAGONISTA EL DIBUJO. Muestra del Taller de Dibujo del Maestro Oscar Jaramillo. Biblioteca U. de A. Medellín
SALÓN DEPARTAMENTAL DE ARTES VISUALES. Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe. Medellín
DISTINCIONES
2007
MENCIÓN. TERCER SALÓN DE ARTE BIDIMENSIONAL. Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Bogotá
COLECCIONES
Colección del Museo de Arte Moderno de Medellín