Björk explora el Universo Interior para el video de "Hollow"

ORIGINAL: NPR

por DAN RABY

Modelos microscópicos de ADN y proteínas para visualizar otro tema del álbum "Biophilia" de Björk

Se necesita un artista como Björk para convertir el complejo proceso de la replicación y transcripción del ADN en algo tan simple y hermosa como una canción pop. Para el video de su canción "Hollow", de la aplicación basada en disco del año pasado "Biophilia", Björk ha colaborado con el animador biomédico, Drew Berry para crear una representación, en parte-científica de la inolvidable canción.

Crédito: Cortesía del artista

El mismo video de "Hollow" de Björk. Versión en YouTube en varias definiciones

En "Hollow", la instrumentación es escasa - un ritmo de órgano como el pulso y la voz resonante de Björk. La mezcla de la manipulación electrónica de las voces, es lo que hace que suene como que hay toda una tribu de Björks cantando al unísono, y las notas electrónicas de sonidos sordos dan a la canción una sensación de que es primitiva pero futurista. La canción a la sensación de mirar hacia atrás cientos de generaciones: Bjork anhela "pertenecer" a las "generaciones de madres" que pulso a través de su cuerpo, para ser parte de el collar de "joyas después de las joyas."

En un correo electrónico, Björk describió su idea de "Hollow":

Es sólo la sensación cuando usted comienza a pensar acerca de sus antepasados ​​y el ADN que los espacios abiertos debajo de usted y usted puede sentir que su madre y su madre, y su madre, y su madre, y su madre, 30.000 años atrás. Así que de repente eres un poco de este túnel, o en el maletero del ADN ... Todos estos fantasmas vienen por lo que terminó comenzar una canción de Halloween y muy gótico de una manera ... Es como ser parte de este collar eterno cuando estás a una cuenta en una cadena y una especie de quiero pertenecer y ser parte de ella y es como un milagro.

El video de la canción podría ser un documental de un mundo extraño alienígena o el comienzo de la vida en la Tierra. Cada cuadro está lleno de vida hiperactivo. Es una sensación extraña, viendo el ADN giro hilos y la forma como pequeños fragmentos de proteínas se escabullen por el fondo. Esto es el caos incesante que está pasando dentro de cada uno de nosotros. El video podría ser una pieza de un museo que explica nuestro proceso biológico si no fuera por la cara extraña molecular que aparece cerca del final. Esa pequeña adición le da un toque de misticismo a la pieza y se pone un poco de humanidad en un universo sin sentido de los procesos químicos.

El director Drew Berry nos habló de la mezcla de su trabajo científico y la música de Björk:

El video musical "Hollow" es una exploración magnificada en potencias-de-10 de los paisajes microscópicos y moleculares, dentro del cuerpo de Björk. La animación se construye a partir de modelos moleculares de ADN y proteínas derivadas de diversas formas de datos científicos, tales como cristalografía de rayos X.

Mi trabajo es generalmente definido por los objetivos de la educación científica didáctica y precisión, por lo que esta es la primera vez que me he desviado de lleno en el mundo del arte, con la posibilidad de perder el tiempo con los datos científicos para crear un viaje caprichoso y juguetón.

Dentro de un núcleo de la célula de la audiencia se encuentra con espíritu ancestral de Björk - su fantasma en la máquina - que vela por sus genes a medida que el flujo de una generación a la siguiente. El espíritu se manifiesta como un gran complejo molecular que fue modelado a partir de un examen de la cabeza tridimensional de Björk. La inspiración para la cara vino de las pinturas "cara de frutas" por el artista italiano del siglo 16 Giuseppe Arcimboldo que tomó los objetos, tales como frutas, verduras, o libros, y los dispuso de tal manera que forman un retrato.

Biofilia Björk ya está disponible a partir de One Little Indian / Nonesuch Records.

Hudson - "Against The Grain"

ORIGINAL: Google Plus

 

Wang Shu de la República Popular China recibe el Pritzker de Arquitectura 2012

ORIGINAL: A57.ORG

Wang Shu, ganador del Premio Prtizker 2012.

Media kit. Premio Prtizker 2012

Biblioteca de la Universidad de Wenzheng en Suzhou, China (2000).
Lu Wenyu, Amateur Architecture Studio.

Museo Contemporáneo de Ningbo, China, (2005).
Lu Wenyu, Amateur Architecture Studio.

Campus de la Academia de Arte Xiangshan (Fase I) Hangzhou, China (2004).
Lu Wenyu, Amateur Architecture Studio.

Campus de la Academia de Arte Xiangshan (Fase I) Hangzhou, China (2004).
Lu Wenyu, Amateur Architecture Studio.

Cinco casas dispersas en Ningbo, China (2005).
Lang Shuilong, Amateur Architecture Studio. 

El propósito del Premio Pritzker de Arquitectura, fundado en 1979 por el fallecido Jay Pritzker A. y su esposa Cindy, es honrar anualmente a un arquitecto vivo cuyo trabajo construido demuestre una combinación de las cualidades de talento, visión y compromiso, que haya producido contribuciones constantes y significativas a la humanidad y al entorno construido, a través del arte de la arquitectura.

El campo de la arquitectura fue elegido por la familia Pritzker debido a su interés en la construcción, debido a su participación en el desarrollo de los Hoteles Hyatt en todo el mundo, y porque la arquitectura es un esfuerzo creativo no incluido en los Premios Nobel. Los galardonados reciben una subvención de US $100,000 y una medalla de bronce.

Previos ganadores incluyen a Philip Johnson (1979), Luis Barragán (1980), Óscar Niemeyer (1988), Álvaro Siza (1992) y más recientemente a Zaha Hadid (2004), Peter Zumthor (2009), Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa de SANAA (2010) y Eduardo Souto de Moura (2011).

El jurado, presidido por Lord Palumbo y compuesto además por Alejandro Aravena, Stephen Breyer, Yung Ho Chang, Zaha Hadid, Glenn Murcutt, Juhani Pallasmaa, Karen Stein y Martha Thorne, manifestó que la principal razón para la elección del ganador de este año se centró en "la relación de presente y pasado, particularmente oportuna en el reciente proceso de urbanización en China y para el debate sobre si la arquitectura debe estar anclada en la tradición o debe mirar sólo hacia el futuro"

Según el jurado "como sucede con cualquier gran arquitectura, el trabajo de Wang Shu es capaz de trascender el debate, la producción de una arquitectura que es intemporal, profundamente arraigada a su contexto pero igualmente universal. "

Wang se graduó en 1985 del Instituto de Tecnología de Nanjing. Tres años más tarde, recibió su maestría del mismo instituto. Trabajó en la Academia de Bellas Artes de Xiangshan en Hangzhou, dedicada a la investigación de medio ambiente y la arquitectura en relación con la renovación de edificios.

Tras un particular interés en lo artesal y una larga experiencia en la construcción de edificios, en 1997, Wang Shu y su esposa Lu Wenyu fundaron su oficina Amateur Architecture Studio en Hangzhou conocida por proyectos como la Biblioteca de la Universidad de Wenzheng en Suzhou, China (2000); el Museo Contemporáneo de Ningbo, China, (2005); cinco casas dispersas en Ningbo, China (2005); el campus de la Academia de Arte Xiangshan (Fase I) Hangzhou, China (2004) y Fase II (2007); la Casa de cerámica en Jinhua, China (2006); los apartamentos Vertical Courtyard en Hangzhou, China (2007); el Museo de Historia de Ningbo, China (2008); y la Sala de exhibiciones de la Calle Imperial de la Dinastía Song del sur en Hangzhou, China (2009).

Desde el año 2000, Wang Shu ha sido el jefe del Departamento de Arquitectura de la Academia China de Arte en Hangzhou. Es conferencista invitado en numerosas universidades de todo el mundo, y el año pasado se convirtió en el primer arquitecto chino en ocupar el cargo "Kenzo Tange Profesor Visitante" en la Harvard Graduate School of Design, en Cambridge, Massachusetts.

Ha participado en una serie de grandes exposiciones internacionales en Venecia, Hong Kong, Bruselas, Berlín y París. Anteriores reconocimientos recibidos incluyen el Premio de Arquitectura y Arte de China (2003) por la Biblioteca de la Universidad de Wenzheng, el Premio Holcim de Construcción Sostenible Asia Pacifico (2005) por las Cinco casas dispersas en Ningbo, nominado al premio alemán Highrise (2008) por los apartamentos Vertical Courtyard, el Premio Alemán de Arquitectura de Schelling (2010), junto a su esposa Lu Wenyu, y la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura en 2011.

Al enterarse de que era galardonado con el Pritzker 2012, Wang Shu dijo: "Esto es realmente una gran sorpresa. Estoy tremendamente honrado de recibir el Premio Pritzker de Arquitectura. De repente me di cuenta de que he hecho muchas cosas en la última década. Esto demuestra que el trabajo honesto y serio y la persistencia llevan a resultados positivos ".

"Inspiraciones": un cortometraje celebrando el arte matemático de MC Escher

ORIGINAL: OpenCulture

24 de febrero 2012

Hace casi dos años, el cineasta español Cristóbal Vila filmó un exquisito cortometraje, Nature by Numbers, que capturó las formas en que los conceptos matemáticos (Secuencia de Fibonacci, Número Dorado, etc) se manifiestan en la naturaleza. Y el corto y luego logró unas buenas 2,1 millones de visitas en YouTube solamente.

Esta semana, Vila regresa con una nueva película llamada Inspirations. En este caso, la inspiración es M.C. Escher (1898-1972), el artista holandés que explora una amplia gama de ideas matemáticas con sus xilografías, litografías, y la media tinta. A pesar de Escher no tenía ningún entrenamiento formal en las matemáticas más allá de la escuela secundaria, muchos matemáticos se contaban como admiradores de su obra. (Visite la galería de fotos en línea para obtener un mejor conocimiento acerca del arte de Escher, y asegúrese de hacer clic en las miniaturas para agrandar las imágenes). Como explica Vila, inspiraciones trata de imaginar el lugar de trabajo de Escher, "las cosas de que se rodea un artista como él, tan profundamente interesado en la ciencia en general y las matemáticas en particular." Es un período de tres minutos de imaginación desenfrenada.

El Colombiano, cien años de “Comunicación, opinión pública y cultura política”

ORIGINAL: Letras Anónimas- LUCRECIA PIEDRAHÍTA

febrero 5, 2012 7:10 pm 

Letras Arte y curaduría, La Historia del Arte todos los dias, Mirada Crítica, Prácticas Artísticas Contemporáneas 

Celebramos todos el centenario de El Colombiano y para ello, desde Letras Anónimas, rindo un homenaje reflexionando a partir de un texto fundamental de Jesús Martín-Barbero. Este es mi análisis.   

Comunicación, opinión pública y cultura política[1]

Des-figuraciones de la política y nuevas figuras de lo público[2]

La esfera pública entre la opinión y la publicidad

La opinión pública como escenario es una metáfora que lleva a pensar en un espacio específico, la vida política, lleno de contradicciones. Así lo advierte Jesús Martín-Barbero al explicar que en ese espacio “convergen la racionalidad de las encuestas, sus cálculos de probabilidad, con los más diversos intereses y las artimañas de los sondeos de toda laya, a toda hora, desde todos los medios”[3].

Agrega que allí confluyen también restos de ideologías y convicciones de los militantes de partido “con las emociones, sentimientos y posiciones que los medios buscan suscitar en las audiencias”[4].

El autor intenta demostrar cómo hoy el concepto de opinión pública, definido de diversas maneras a través del tiempo, no es más que un elemento de la vida social manipulado por los medios de comunicación.

El autor, citando a Jean Baudrillard, recoge sus opiniones sobre la capacidad de opinión y representación de las masas – “ni son representables ni capaces de expresión sino sólo sondeables”[5] – para tocar el tema que considera de fondo: ¿Puede la opinión pública sobrevivir al vaciado simbólico de la política y a su incapacidad de convocar, interpelar/construir sujetos sociales? Para responder a esta pregunta, Martín-Barbero recurre a Jürgen Habermas para mostrar la evolución del concepto de opinión pública.

Habermas, en su libro Historia y crítica de la opinión pública[6], cuenta que la esfera pública burguesa es una instancia “mediante la cual el interés público de la esfera privada en la sociedad burguesa deja de ser percibido exclusivamente por la autoridad y comienza a ser tomado en consideración como algo propio por los súbditos”[7]. No obstante, quienes ejercían ese derecho eran aquellas personas que tenían educación y poseían propiedades.

Esta situación cambia un siglo después con la aparición de la masa urbana y la modernización de la prensa, ambas transformaciones mediadas por la refinación de la publicidad, tanto en el ámbito comercial como en el político.

Aparece entonces el concepto de opinión pública, no ya como una acción que se oponía a la práctica del secreto propia de los Estados absolutistas sino como principio de la crítica como derecho del público a debatir las decisiones políticas, esto es, el diálogo ciudadano.

Esta consideración redefine el concepto de opinión pública y la convierte en un espacio de articulación entre la sociedad civil y la sociedad política.

A juicio de Martín-Barbero, es Gabriel Tarde quien ubica a la opinión pública en el ámbito de la comunicación al analizar el cruce de la transformación de las creencias en opiniones públicas y el desarrollo del medio en que ésta se expresa: la prensa.

Carente de aquellos poderes que en el pasado representan el Estado, la Iglesia y los partidos políticos, lo público se identifica más con lo escenificado en los medios y el público con sus audiencias.

Concluye Martín-Barbero que “la opinión pública que los medios fabrican con las encuestas y sondeos tiene así cada vez menos debate y crítica ciudadana y más de simulacro”[8].

¿A qué conduce todo esto? A la desconfiguración de la política, pues ante el vacío social de la representación, se impondrá el discurso político que proponen la televisión y la publicidad, con los efectos que ello pueda tener en el tejido social.

Cambios en el tejido cultural y comunicacional de la política

Martín-Barbero replantea las relaciones entre comunicación y política a partir de las que considera las dos transformaciones socioculturales de mayor calado en la actualidad: los procesos de des-encantamiento del mundo que hoy culminan con la globalización, y la desestabilización del sentido del trabajo.

2.1.        La política en un mundo social desencantado

En un mundo globalizado, donde la racionalización y la administración se unen para enfrentar las expresiones sociales, es lógico que el discurso político y su vehiculización mediática se transformen de tal manera que pierdan sentido.

A propósito de mi Maestría en Teoría Crítica, en Ciudad de México, les comparto este interesante texto. Sobre 17 (en) obra* – Marcela Quiroz Luna

ORIGINAL: Letras Anónimas - LUCRECIA PIEDRAHÍTA

enero 29, 2012 Letras Arte y curaduría, La Historia del Arte todos los dias, Mirada Crítica, 

Hace poco regresé de Ciudad de México donde asistía a mi segundo año de Maestría en Teoría Crítica. Allí tuve la oportunidad de conocer personalmente a Marcela Quiroz, ya doctorada en Teoría Crítica y a quien invité al Homenaje que preparo desde el AUDITORIUM MAXIMUM para John Cage. 

Les comparto este interesante artículo y bello manejo de la escritura, autoría de esta destacada crítica y curadora que presentó en nuestro período de Coloquio en el D.F. 

*Ponencia presentada por Marcela Quiroz Luna en el marco del XII coloquio de 17, Instituto de Estudios Críticos  Casa Refugio Ciltlatépetl | México DF, enero 2012 |  imágenes: cortesía del artista

“…y si, para que algo pase, hiciera yo una promesa?” Roland Barthes. Fragmentos de un discurso amoroso

 La sola intención por pensar en 17 como se aproxima uno a una obra, supondría, por principio, colocar en el arte una importante apuesta de esperanza. Esa misma esperanza por la que Theodor W. Adorno –a pesar de creer, en alguna devastada medida, que efectivamente después de Auschwitz era ya imposible escribir poesía– continuó, sin embargo, escribiendo sobre los acordes fundantes de Beethoven y las palabras desiertas de Celan.

Intuyo así que aquella urgencia –acaso aún más íntima que ‘institucional’– que me entregó en las manos Benjamín Mayer una tarde hace no muchos jueves, apelaba a esa misma y precisa esperanza –radical hasta la médula– que finca en el arte su último y definitivo bastión. Esa tarde, a diez años de historia del 17, Instituto de Estudios Críticos, su fundador hablaba (utilizando conceptos derivados del mundo de la música, respondiendo a su formación/pasión como jazzista) [hablaba] de la necesidad de reconocer ese acorde compartido que, aún cuando silencioso o ensordecido, anima el encuentro entre una obra y su creador. Ese acorde que él mismo hace más de una década concibió como una ‘máquina productora de silencio’ consumada en el tenderse de sí como lazo social.[1] Una máquina –nunca solo individual– ejercitándose en la aventura inter e intra-disciplinar preocupada (es decir, de antemano ocupada por atender ese lugar-en-escucha al cuerpo del otro, el par); preocupada por poner en marcha una discursividad situada al cruce de los caminos académico, cultural y psicoanalítico.

Para iniciar, entendamos al creador no sólo como aquel que ‘factura’ sino también aquel que recibe la obra –y en este sentido es co-partícipe de su creación. Ello nos permitirá entender la obra de arte sobre una temporalidad potenciada ad infinitum que, como ciertos textos ‘escribibles’ –siguiendo a Roland Barthes– conforman y confirman su existencia en activo solamente si acontecen al encuentro con su lector. Así, para seguir las intenciones argumentales de este escrito, entendámonos también como (co)creadores de la obra que hoy es 17; es decir, en tanto nuestra presencia entre sus apuestas ha dejado ya su huella al tiempo del intercambio intelectual y por tanto nos destina creadores-en-compañía, colindancia, confidencia, confabulación y complicidad.

Volvamos así a la búsqueda de ese acorde que con esclarecida intuición me remitió a una suerte de ‘aura’ (siguiendo a Walter Benjamin) detrás de las palabras de Benjamín Mayer conforme ansiaba explicar(me)(se) la naturaleza del encuentro que incansablemente busca ofrecer 17, fincando sus anhelos en la experiencia de compenetración profunda que sucede dentro de quien dispone no sólo su tiempo sino por completo su cuerpo para recibir una obra de arte. Diez años después de fundado 17, quienes lo hemos ido conformando sabemos bien que no es sino en la apuesta radical que involucra la entrega del cuerpo entero, ‘dónde’, cómo y cuando sucede en potencia su ‘obrar virtual’. Ante la propuesta que habría de germinar en estas letras, comprendí que sobre los ejemplos, anécdotas, memorias y planes que entonces me compartía Benjamín, lo que en realidad me entregó esa tarde para poder contar (en cuento y entre cifras) el valor de 17, fue el ‘aura’ de un tiempo creativo (des)andado una y mil veces. Escuchándolo comprendí que el aura que emana la historia temporal de 17, precisa ante todo de cuerpos (como historias) a los cuales enamorar y hacerse en ellos como un juego de variables infinitas que hoy afirmaremos convoca a 17 (en) obra.

Dibujos en la arena: la obra de Jim Denevan

ORIGINAL: Jim  Denevan - Texto: PijamaSurf

Lo que más disfruta el talentoso Jim Denevan, después de montar olas con su tabla, es trazar espectaculares dibujos en la arena que manifiestan discursos geométricos.

Jim Denevan es un buen surfer, lleva ya varios años montando las olas del norte de California. Sin embargo, su mayor talento, a pesar de estar íntimamente relacionado con el mar, no se manifiesta sobre su tabla, sino sobre la arena en la playa, que Denevan transforma, cuando hay marea baja, en un gigantesco lienzo.

Equipado con trozos de madera que el mar arroja a tierra, Denevan realiza trazos que terminan por desdoblarse en una especie de increíbles mapas geométricos. Algo notable de la obra de Denevan es su relación con dos conceptos fundamentales para distintas corrientes artísticas.

• Por un lado lo sustentable: sobra decir que su trabajo es 100% orgánico. 
• Y el otro aspecto, aún más admirable, es la impermanencia: a pesar de que cada pieza le toma un gran cantidad de horas, Jim sabe que su trabajo esta completamente expuesto a elementos como la marea o el viento. 

Lo anterior de algún modo recuerda la obra de los monjes budistas, que luego de pasar días creando complejos mandalas con arena de colores, cuando han terminado y luego de rezar, barren su obra para siempre. 

Durante los últimos 17 años Jim ha realizado cientos de trazos sobre playas, principalmente, de su natal California, pero también ha llevado su obra a una decena de países alrededor el mundo. Así que si algún día te llegas a encontrar con sus inconfundibles dibujos sobre la arena, te recomendamos que te sientes a disfrutarlos, ya que la próxima marea podría diluirlos en un instante.

Formas de arte de la Naturaleza - La colección de Ernst Haeckel

ORIGINAL: Kuriositas

Crédito de la imagen del usuario de Flickr Rutger_vos 

Ernst Haeckel - filósofo, profesor, médico, naturalista, biólogo y artista. El pináculo de su trabajo - Formas de Arte de la Naturaleza - comenzó a publicarse en 1899 y sigue siendo un record asombroso de la vida en la tierra. Cuando el arte y ciencia se combinan, algo sublime puede llegar a pasar.

Crédito de la imagen del usuario de Flickr Rutger_vos 

Ciencia y el arte - una brecha, algunos podrían decir que es un abismo, siempre ha existido entre ambos. Luego de vez en cuando, sólo de vez en cuando, aparece alguien que intenta (y logra) para cerrar la brecha entre los dos. Así fue con el alemán Ernst Haeckel. En 1899 comenzó a publicar las Formas de Arte de la Naturaleza (Kunstformen der Natur en su alemán nativo). Un contemporáneo de Darwin, Haeckel que, a través de sus litografías, cambiar la forma en que muchos consideran la relación entre el arte y la ciencia.

Crédito de la imagen de Wikimedia

Haeckel produjo ilustraciones que la gente pueda tomar y comprender, las imágenes que brillaban con el color y llevó lo exótico y remoto a las bibliotecas del mundo. En realidad, no había habido nada antes de estas extraordinarias impresiones. Ellas fueron la culminación de décadas de trabajos de Haeckel, contemporáneo de Darwin y él hizo mucho para popularizar la obra del naturalista Inglés - aunque sus ideas se modificaron en varios puntos importantes, como más adelante se descubre. La anterior es la placa 89a de  Formas de Arte de la Naturaleza y muestra una gran variedad de especies de tortugas. Desde el laúd en la parte superior izquierda a la tortuga mordedora común (abajo a la derecha), Haeckel los captura maravillosamente. Esto no fue un intento de realismo fotográfico, sin embargo. Note cómo el mar y la tierra (sin problemas) se funden en la imagen. En sus imágenes logró, sin embargo, que encerraran su sentido del orden.

Crédito de la imagen de Wikimedia