Un robot dibujante puede darnos ideas sobre el arte

ORIGINAL: New Scientist

Por Sandrine Ceurstemont, productora de video

1 April 2010

Traducción: Mente Nómada

De lejos de esta imagen podría ser una fotografía de Stephen Hawking. La aproximas más cerca y se puede ver que es un dibujo bastante bueno, del tipo que un artista callejero puede hacer para los turistas. Sin embargo, este no es el trabajo de cualquier mano humana, sino de un robot.

El robot fue creado por Aikon Frédéric Fol Leymarie y Tresset Patrick, científicos de Computación en Goldsmiths, Universidad de Londres. Se trata de recrear el proceso del pensamiento de Tresset, quien era un delineante anteriormente, inconscientemente se mueve a cuando dibuja la cara de alguien. En primer lugar, Tresset identifica la orientación de la cara y mira a las regiones sombreadas subconscientemente, para determinar la forma de recrear esas regiones a mano. La forma en que flexiona la muñeca y la presión que se aplica a su pluma dan al boceto su estilo particular. El equipo ha desarrollado un algoritmo que permite que al robot una aproximación de estos pasos una vez que su cámara ha detectado un rostro.

Aikon completa su croquis de una sola vez, pero Leymarie dice que se construirán mecanismos de retroalimentación en los modelos de futuro para permitir al robot para modificar en qué esquema se basa, como lo haría un humano.

La investigación en la percepción visual se está moviendo rápido y debería contribuir a hacer Aikon más sofisticado. Un equipo de la Universidad Yeshiva en Nueva York ha descubierto quelos ojos de una personase mueven de una manera mucho más precisa en el dibujo de un objeto que cuando simplemente lo miran. Mientras tanto, las diferencias en los procesos cognitivos que utilizan los artistas y no artistas se están investigando en Camberwell College of Arts de Londres utilizando resonancias magnéticas del cerebro funcional. "[Nuestro enfoque] de atención es muy importante cuando nos acercamos", dice Tresset. "Esperamos que incorporar los resultados de investigaciones recientes en el robot en los próximos dos años".

El equipo espera que al ajustar su software, poco a poco se revelan los componentes fundamentales de la creatividad. Pero, ¿la creatividad puede ser programada? Y ¿es el trabajo de una máquina arte en realidad?

"El arte se refiere tanto al concepto y al observador, como lo es a la técnica", dice Leymarie. "Una pregunta difícil: ¿se puede reconocer un arte de máquina?" Uno de los objetivos a largo plazo del equipo es lograr que Aikon desarrolle su sentido crítico y decidir si mantiene o borra trazos de su propia pluma.

Hoy es un día histórico para la Física

ORIGINAL: CERN

7 TeV collision events seen today by the LHC's four major experiments
(clockwise from top-left: ALICE, ATLAS, CMS, LHCb).

Hoy a las 13:06 CEST, el experimento denominado LHC (Large Hadron Collider) del CERN (Gran colisionador de partículas subatómicas o Hadrones en el Centro de Investigación Nuclear Europeo) de la Comunidad Europea que ha tomado 16 años en su construcción y puesta a punto y más de USD10,000 Millones, ha logrado de manera estable y continua por varias horas, el choque frontal de partículas subatómicas con muy alta energía a una velocidad muy cercana a la de la luz (7TeV o 7,000,000,000,000 eV) , lo que permite reproducir las condiciones que se presentaron en momentos posteriores al Big Bang que dió origen al Universo. Estos eventos han sido meticulosamente registrados por los científicos y les permitirán analizarlos detalladamente y ampliar su comprensión sobre la naturaleza de la materia.

El LHC es una estructura circular gigantesca de 27 KM de longitud, que se extiende entre Suiza y Francia

Es importante resaltar que científicos del CERN han sido galardonados con el premio Nobel de Física en cinco oportunidades

(I a D) J. Steinberger(1988), F. Bloch(1952), S. Ting(1976), G. Charpak(1992), C. Rubbia(1984), S. van der Meer(1984)

y que un científico del CERN, Sir Tim Berners-Lee, fue el inventor de la web que hoy disfrutamos todos.

En este video de TED, Brian Cox del CERN explica de manera clara el propósito del experimento LHC. (Pueden elegirse subtítulos en Español)

SANAA de Japón ganó el premio Pritzker de Arquitectura 2010

ORIGINAL: PritzkerPrize

Los Angeles, CA-Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, socios de la firma de arquitectura, SANAA, han sido elegidos como Galardonados del Premio Pritzker de Arquitectura 2010. La ceremonia formal de lo que ha llegado a ser conocido en todo el mundo como la máxima distinción de la arquitectura se celebrará el 17 de mayo en la histórica Isla Ellis en Nueva York. En ese momento, un subsidio de $ 100.000 y medallones de bronce será otorgado a los dos arquitectos.

Al anunciar la decisión del jurado, Thomas J. Pritzker, presidente de la Fundación Hyatt, expresó, "Esta es la tercera vez en la historia del premio que dos arquitectos han sido nombrados en el mismo año. La primera fue en 1988 cuando Oscar Niemeyer de Brasil y el fallecido Gordon Bunshaft fueron honrados, y la segunda vez fue en 2001, cuando fueron seleccionados Jacques Herzog y Pierre de Meuron, los socios de una empresa suiza".

Museo de Arte Contemporáneo Siglo XXI

Kanazawa, Ishikawa, Japan 2004. Foto por SANAA

Continuó diciendo, "los arquitectos japoneses se han elegido tres veces en la historia de los treinta años del Premio Pritzker de Arquitectura - el primero fue el ya desaparecido Kenzo Tange en 1987, luego en 1993, Fumihiko Maki fue elegido, y en 1995, Tadao Ando fue el homenajeado ".

El objetivo del Premio Pritzker de Arquitectura es honrar anualmente a un arquitecto vivo cuyo trabajo construido demuestre una combinación de esas cualidades de talento, visión y compromiso, que ha producido contribuciones constantes y significativas a la humanidad y el medio ambiente construido a través del arte de la arquitectura.

El presidente del jurado del Premio Pritzker, Lord Palumbo hizo referencia a la citación del jurado para centrarse en la selección de este año: "Por una arquitectura que es a la vez delicada y potente, precisa y fluida, ingeniosa, pero no exagerada o abiertamente inteligente, para la creación de edificios que interactuar exitosamente con los contextos y las actividades que contienen, creando una sensación de plenitud y riqueza de la experiencia, de un lenguaje arquitectónico singular que surge de un proceso de colaboración que es único e inspirador, porque sus edificios notablemente terminados y la promesa de nuevos proyectos juntos, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa son los destinatarios de la 2010 Premio Pritzker de Arquitectura. "

Si bien la mayoría de su trabajo estan en Japón, Sejima y Nishizawa han diseñado proyectos en Alemania, Inglaterra, España, Francia, los Países Bajos y los Estados Unidos, bajo su nombre combinado SANAA. El primer proyecto SANAA en los Estados Unidos comenzó la construcción en 2004 en Ohio, de un Pabellón de Cristal para el Museo de Arte de Toledo. Terminado en 2006, es sede de la vasta colección del museo de obras de arte de cristal, que reflejan la historia de la ciudad, cuando era un importante centro de producción de vidrio.

Mientras que el edificio estaba todavía en construcción, el New Museum de Nueva York abrió en 2005 en 235 Bowery. Terminado en 2007, el edificio ha sido descrito como "una escultura de pila de cajas rectilínea dinámicamente desplazado fuera del eje en torno a un núcleo central de acero".

La citación del jurado menciona específicamente a estos proyectos, así como dos proyectos en Japón: "O-Museum en Nagano y la Muscum 21st Century de Arte Contemporánea en Kanazawa." El Museo Ogasawara era uno de sus primeros proyectos juntos.

La fundación Pritzker (Hyatt), los miembros del jurado, los clientes que han trabajado con nosotros, y todos nuestros colaboradores. He estado explorando cómo puedo hacer una arquitectura que se sienta libre, que creo que es importante para una nueva generación de la arquitectura. Con este premio voy a seguir tratando de hacer una arquitectura maravillosa. "

Y una reacción similar de Ryue Nishizawa: "Recibo este premio maravilloso con una gran humildad. Me siento muy honrado y al mismo tiempo muy sorprendido. Puedo recibir y comprender este premio como un estímulo para nuestros esfuerzos. Cada vez que termino un edificio que se deleitan con las posibilidades y al mismo tiempo, reflexionar sobre lo que ha sucedido. Cada proyecto se convierte en mi motivación para el nuevo proyecto que viene. De la misma manera maravillosa este premio me ha dado una energía dinámica que nunca he sentido antes. Le agradezco mucho. "

El distinguido jurado que seleccionó a los Galardonados 2010 se compone de su presidente, Lord Palumbo, internacionalmente conocido mecenas arquitectónico de Londres, presidente de los fideicomisarios de la Serpentine Gallery, ex presidente del Consejo de las Artes de Gran Bretaña, ex presidente de la Fundación Tate Gallery, y el ex administrador de la Fundación Mies van der Rohe Archive en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y por orden alfabético: Alejandro Aravena, arquitecto y director ejecutivo de Elemental en Santiago de Chile, Rolf Fehlbaum, presidente de la Junta de Vitra, en Basilea, Suiza; Carlos Jiménez, profesor de la Rice University School of Architecture, el director, Carlos Jiménez Studio en Houston, Texas; Juhani Pallasmaa, arquitecto, profesor y autor de Helsinki, Finlandia, Renzo Piano, arquitecto y laureado de Pritzker, de París, Francia, y Génova, Italia, y Karen Stein, escritora, editora y consultora de arquitectura en Nueva York. Martha Thorne, decano adjunto de Relaciones Exteriores, IE School of Architecture, Madrid, España, quien es director ejecutivo del premio, aumentado la citación del jurado, diciendo: "La arquitectura de Sejima y Nishizawa explora las ideas de ligereza y la transparencia y la empuja a la los límites de estos conceptos a nuevos extremos."

Además de los anteriores galardonados ya mencionados, el difunto Philip Johnson fue el primer laureado de Pritzker en 1979. El difunto Luis Barragán de México fue nombrado en 1980. El difunto James Stirling, del Reino Unido fue elegido en 1981, Kevin Roche en 1982, Ieoh Ming Pei en 1983, y Richard Meier en 1984. Hans Hollein de Austria fue el Nobel 1985. Gottfried Böhm de Alemania recibió el premio en 1986. Robert Venturi recibió el honor en 1991, y Alvaro Siza de Portugal en 1992. Christian de Portzamparc de Francia, fue elegido laureado de Pritzker en 1994. Frank Gehry de los Estados Unidos fue el destinatario, en 1989, las finales de Aldo Rossi de Italia en 1990. En 1996, Rafael Moneo de España era el Nobel, en 1997, el fallecido Sverre Fehn de Noruega, en 1998 Renzo Piano de Italia, en 1999 Sir Norman Foster del Reino Unido, y en 2000, Rem Koolhaas de los Países Bajos. Australiano Glenn Murcutt recibió el premio en 2002. Los finado Jørn Utzon de Dinamarca fue honrado en 2003, Zaha Hadid del Reino Unido en 2004, y Thom Mayne de los Estados Unidos en 2005. Paulo Mendes da Rocha de Brasil fue el Nobel en 2006, y Richard Rogers recibió el premio en 2007. Jean Nouvel de Francia fue el Nobel en 2008. El año pasado, Peter Zumthor de Suiza recibió el premio.

El campo de la arquitectura fue elegido por la familia Pritzker debido a su gran interés en la construcción debido a su participación con el desarrollo de los Hoteles Hyatt de todo el mundo y también porque la arquitectura era un esfuerzo creativo no incluido en los Premios Nobel. Los procedimientos fueron modelados después de los Nobel, con la selección final que se hizo por el jurado internacional con todas las deliberaciones y la votación en secreto. Las nominaciones son continuas año tras año con cientos de candidatos de países de todo el mundo se considera cada año.

O-Museum Iida, Nagano Japan 1999 (interior)

Foto de Hisao Suzuki Cortesía de SANAA

O-Museum Iida, Nagano Japan 1999 (exterior)

Foto de Hisao Suzuki Cortesía de SANAA

DeKunstlinie Teatro y Centro Cultural - Almere, Holanda 2007

Foto de Hisao Suzuki, Courtesía de SANAA

DeKunstlinie Theater and Cultural Center - Almere, Netherlands 2007

Foto de Hisao Suzuki, Cortesía de SANAA

Ryue Nishizawa y Kazuyo Sejima.

Foto de Takashi Okamoto, Cortesía de SANAA

Sobre el video incluído:

SANAA: Obra 1998 – 2008

New Museum of Contemporary Art, New York City

ORIGINAL: Vernissage.tv

Actualmente(28 de marzo 2008), el New Museum of Contemporary Art de Nueva York presenta la primera exhibición completaa en Nueva York de las obras de Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA, con sede en Tokio, los arquitectos que han diseñado el nuevo edificio del museo en el 235 de la calle Bowery. "SANAA: Works 1998-2008" ofrece no sólo el nuevo museo, que es el primer museo de arte jamás construido desde cero en el centro de Manhattan. Este programa proporciona una oportunidad para entender el nuevo Museo de nuevo en el contexto de otros proyectos de la empresa como el Edificio Christian Dior en Omotesando, Tokio, Japón (2001-2003) y Vitrashop Factory Hall en Basilea, Suiza (2004 -); arquitectura doméstica como la casa en un bosque de ciruelas, de Tokio, Japón (2001-2003) y flor de invernadero, Suiza, Suiza (2006 -); y proyectos culturales, incluyendo la Escuela Zollverein de Management y Diseño, Essen, Alemania (2003 -); EPFL Learning Center, Lausana, Suiza (2004 -); y el Louvre-Lens muy esperado, Francia (2005 -). Con ocasión de "SANAA: Works 1998-2008", el Museo lanzará SHIFT: SANAA y el nuevo museo, un libro sobre la realización de la construcción del nuevo museo en el Bowery. La exposición estará abierta hasta el 15 de junio 2008.

Jeff Koons: Dinero y Valor

ORIGINAL: Art:21

El artista Jeff Koons, opina sobre el dinero, el deseo, la perfección, y la responsabilidad moral. Filmada en su estudio de Nueva York ocupado y rodeado de numerosos asistentes en el trabajo de pintura y escultura, Koons se describe cómo los aspectos prácticos de la gestión de empresas, suelen estar al servicio de los fines creativos.

Jeff Koons toma imágenes y objetos de la cultura popular, define los temas sobre el gusto y el placer. Su juego de contexto-de-mano, que transforma objetos banales en iconos suntuosos, adquiere una dimensión psicológica a través de cambios dramáticos en la escala, las superficies de ingeniería espectacular, y alegorías subliminal de animales, seres humanos y objetos antropomorfizados. El tema de la historia del arte es una corriente constante, ya sea Koons eleva lo kitsch al nivel del arte clásico, produce fotos en el modo de pinturas barrocas, o desarrolla las obras públicas que toman prestadas las técnicas y elementos del diseño de jardines franceses del siglo XVII. La organización de su propio estudio de producción es comarable con un taller renacentista, Koons con ayuda de computadora, hace obras artesanales que comunican a través de su atención meticulosa a los detalles.

Jeff Koons es el curador de dos exposiciones en la actualidad que se pueden ver en Nueva York, la exposición colectiva de la "Skin Fruit" (cáscaras de Frutas) en el New Museum (hasta 6 de junio 2010) y una retrospectiva de la obra de Ed Paschke (mentor de Koons) en la Gagosian Gallery ( 980 Madison Avenue, al 24 de abril de 2010).

Jeff Koons aparece en la Temporada 5 (2005) episodio "Fantasía del Arte" de la serie de televisión de PBS Art:21-Arte en siglo XXI.

Arte contemporáneo, una mirada desde las regiones

ORIGINAL: MedellinCultura.gov.co

Los artistas de Antioquia y el Eje Cafetero presentaron sus obras en el 13 Salón Regional de Artistas de la Zona Centro Occidente; sus creaciones se exhibirán hasta el 18 de abril en la Casa del Encuentro y el Palacio de la Cultura.

El arte, la economía, el intercambio, las inversiones, la ciencia, la violencia, el desplazamiento y los problemas ambientales, establecieron un diálogo directo en el 13 Salón Regional de Artistas de la Zona Centro Occidente. El Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe y la Casa del Encuentro, del Museo de Antioquia, les abrieron sus puertas a los 71 creadores de Medellín, Manizales, Pereira y Armenia, quienes plasmaron en sus obras una mirada particular sobre el arte contemporáneo.

El programa de Salones de Artistas es una de las manifestaciones artísticas con mayor permanencia en el país; además, descentraliza el arte y permite su constante transformación. “Es muy importante establecer intercambios de miradas, discursos y lecturas entre personas e instituciones, pues se deben ampliar los circuitos de conexión de las prácticas artísticas de nuestras regiones”, explica Carlos Uribe, artista plástico y director del Centro de Desarrollo Cultural de Moravia.

Proyectos curatoriales

Antioquia y el Eje Cafetero, preparándose para la celebración de los setenta años del Salón Nacional de Artistas, centraron su trabajo en dos propuestas curatoriales. La Curaduría Inversiones propone una reflexión sobre el arte y sus implicaciones económicas; esta búsqueda explora conceptos como el intercambio, las transacciones y las estrategias de consumo. Carlos Uribe, Adriana Ríos, Análida Cruz y Femke Lutgerink conformaron el equipo curatorial; ellos le apostaron a explorar la región en un contexto globalizado. “Pensamos que el tema de la economía es un asunto transversal en la vida de cualquier ser humano. Vivimos en una relación económica capitalista y los artistas también se ven envueltos en esas dinámicas de producción”, dice Uribe.

Por su parte, la Curaduría MICROmacro pone bajo el microscopio temas políticos, sociales y ambientales. En el Palacio de la Cultura se exhiben 17 obras que abordan asuntos universales y regionales. Los curadores, Fernando Arias y Jonathan Colin, se concentraron en los proyectos que proponían una interacción entre el arte y la ciencia; además, resaltaron el principio de la vida, la investigación y la observación microscópica del cuerpo.

Los artistas

Conozca las propuestas de tres creadores que llevaron sus obras al 13 Salón Regional de Artistas de la Zona Centro Occidente. Viviana Ángel del Colectivo Domingueros, Mauricio Rivera y Jorge Delgado, hablan de sus trabajos y de la importancia de participar en esta exhibición. Escuche sus testimonios.

Minga - Colectivo Domingueros

Con$ultor - Mauricio Rivera

El Bicentenario de la Independencia - Jorge Delgado

Fecha de publicación: 12/03/2010

El vacío como medio

ORIGINAL: Hacking The Museum - Catalina Vaughan

Z-Wave, Zada Hadid

Con el objeto de celebrar los cincuenta años de vida del Museo Guggenheim de Nueva York, su chief curator (Nancy Spector) convocó artistas, arquitectos y diseñadores a partipar en una muestra que con el nombre de “Contemplando el vacío” invita a reflexionar sobre el vacío central de este archi famoso museo (sí, muchos artistas lo han hecho desde hace décadas en este Museo, pero para esta ocasión la invitación es amplia y la forma de intervenirlo es con imágenes) Los cerca de doscientos invitados respondieron con fotografías, bocetos, dibujos y acuarelas que fueron dispuestas sin mayores arandelas en vitrinas y paredes del Museo.

A continuación haré un breve recorrido por algunas de las propuestas de esta exposición en el Guggenheim y sus formas de cuestionar y/o reflexionar sobre la historia de una institución.

En esta propuesta de Doris Salcedo para “Contemplando el Vacío” se yuxtaponen los edificios que documentó Hans Haacke para su exposición individual en el Guggenheim que, con el titulo de Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, A Real Time Social System, señaló las oscuras transacciones inmobiliarias de Harry Shapolsky y sus nexos con los negocios personales de los miembros del Consejo de Administración del Museo. Seis semanas antes de su inauguración la exposición fue cancelada por el director del Guggenheim como un acto desesperado por invisibilizar este asunto.

Art Trap (trampa del arte) es el titulo de esta mirada del arquitecto Minsuk Cho donde el público es absorbido y entra a formar parte del edificio gracias a unas sillas especiales que permite a los muchos visitantes del Museo experimentar su vacío central. Si desde hace décadas el museo es parte de la obra, por qué no pensar que el público hace parte del museo, más aún en una época donde lo primordial es el espacio museal como experiencia estética?

La propuesta de JDS (Julien de Smedt, ex PLOT) se titula “Experiencing the Void” y juega con la intención original de Frank Lloyd Wright (arquitecto del edificio) de recorrer el museo en forma descendente.

Este trabajo de Doug Aitken tranforma el Guggenheim en una suerte de museo caminante gracias a una estructura de espuma que viste a una amiga cercana con quien el artista se va a caminar por varios lugares de Nueva York (un gesto que aterriza la marca Guggenheim en una escala menos espectacular y brandificada).

Post historia institucional

En este contexto de reflexiones sobre el vacío, la historia institucional y teniendo en cuenta que en el 2010 cumple 40 años la Sala de Arte del Planetario ¿no creen que va siendo como hora de reflexionar sobre el vacío que dejará un lugar que despues de tantos años de funcionar como espacio de arte (primero fue sede del Museo de Arte Moderno y luego de la Galería Santa Fe) desaparecerá en el curso de este año pleno de celebraciones del Bicentenario?

Aunque la Fundación Alzate asegura que no se irá del lugar sin tener una nueve sede asegurada, el futuro de este espacio no está muy claro como señaló Lucas Ospina en su texto Entre lo serio y lo solemne:

“Lo más grave es que la Galería Santa Fe desaparecerá del Planetario de Bogotá a mediados de este año por obras de “reforzamiento estructural”, y aun no tiene sede fija o temporal. Se han hecho promesas solemnes como alojarla en un fantasioso “Palacio para las Artes” o tímidas insinuaciones que buscan por el centro de la ciudad un espacio con la misma escala y acceso peatonal”

Creo que antes de que deje el Planetario sería intereseante -y necesario- que desde la misma comunidad artística se iniciara un proceso de gestos y/o reflexiones en torno al limbo en el que se encuentra este espacio (en vez de organizar debates tardíos en torno al Luis Caballero, la FGAA podría abrir un espacio para socializar lo que se ha hecho en torno a la Galería Santa Fe y lo que queda por hacer..).

Cierro con un link para aquellos interesados en seguir contemplando el vacío (del Guggenheim) y con unas lecturas en torno al caso de la FGAA y la Galería Santa Fe.

Contemplating the void, Guggenheim Museum, NYC, febrero-marzo 2010

Lecturas recomendadas:

La contracontrareforma, Catalina Vaughan, febrero de 2010

Entre lo serio y lo solemne, Lucas Ospina, Silla Vacía, febrero de 2010

El medio y los medios, Catalina Vaughan, diciembre de 2009

Calma chicha, debate en Esfera Pública, agosto de 2008

Política distrital, Catalina Vaughan, junio de 2008

La Alzate en crisis, debate en Esfera Pública, abril de 2008

Dominó caníbal de Cuauhtémoc Medina

MATERIAL ORIGINAL DE:

El Cultural - por Miguel FERNÁNDEZ-CID 22/01/2010

PACMurcia

lacontramolto-YouTUBE

Tras aterrizar en 2008 como uno de los proyectos más ambiciosos de la nueva política cultural de Murcia para renovar la aburrida idea de bienal de arte, el 25 de enero se inaugura la segunda edición del PAC (Proyecto de Arte Contemporáneo) con nuevo comisario y formato expositivo. El mexicano Cuauhtémoc Medina, uno de los latinoamericanos de más prestigio en el mundo del arte, es el responsable de Dominó caníbal, proyecto que durante todo el año hará a seis artistas intervenir, destruir o reinventar la propuesta de su predecesor en la Sala Verónicas. Todo un reto del que hablamos con Medina, que hoy mantendrá en Murcia una charla abierta al público con Jimmie Durham, el primero en mover ficha en esta extraña partida.

El ritmo de trabajo de Cuauhtémoc Medina (Ciudad de México, 1965) es frenético. Nos atiende entre llamada y llamada: se ha acostado a las 4 de la mañana y aún tiene que dejar algún texto para su columna quincenal en el periódico mexicano Reforma, antes de coger el avión que le trae a Murcia, a inaugurar la segunda edición del PAC y la primera de las intervenciones de esta edición. Acostumbrado al debate, le gusta ir directo y suele responder incisivo: no es de los teóricos que se esconden tras un discurso retórico.

Le preguntamos por su propuesta, en la que, bajo el sugerente título de Dominó caníbal, plantea una sucesión de intervenciones en las que cada artista parte de lo realizado por el anterior. La respuesta es contundente: “La mecánica del proyecto en sí es algo que llevo varios años pensando. Tiene que ver con cierta insatisfacción por la forma en que eventos similares a una bienal proponen una retórica de diálogos, cuando en realidad son tan sólo una suma de despliegues de individualidades. Y, sobre todo, el proyecto deriva de la fascinación que siento por un tipo de dispositivo de colectividad en medio de las diferencias: las acciones del movimiento Popular Mechanics de Sergey Kuryokhin en la Unión Soviética de Bréshnev y la forma en que la antropofagia brasileña planteó que el arte del Sur debía reclamar el gusto caníbal por el robo de la cultura ajena. También es cierto que pensaba en los cuadros intervenidos de Asger Jorn en su etapa situacionista y el comportamiento de la escultura en transformación del Proyecto continuamente alterado diariamente (1969) de Robert Morris. Me interesa además mezclarlo con la mecánica del juego del dominó como objeto transcultural, tanto por las transformaciones que el juego significa en su paso desde China a Italia, a España y a América Latina, como por el hecho de que el juego implica actuar en un campo de tensiones definido por las jugadas previas”.

Lo profano entra en Verónicas

Cuauhtémoc Medina lanza un guiño a la primera edición del PAC, Estratos, que aglutinó actividades por distintos espacios de la ciudad: “Aunque no asistí, conocí el proyecto de Bourriaud, y admiro mucho el delicioso debate que provocó Lara Almárcegui en torno a su genial montaña de escombros”. El discurso de Dominó caníbal es distinto: “El proyecto está enteramente localizado en un espacio: la antigua iglesia de Verónicas, hoy convertida en sala de exposiciones. La implicación que tiene esa iglesia en la historia de la superposición del catolicismo sobre el pasado musulmán, y del arte contemporáneo sobre el catolicismo, seguramente será una parte importante a la que se aluda en el proyecto. En su primera jugada, Jimmie Durham lo discute al traer al templo de arte, que fue el templo de otra clase de religión, todo lo profano, lo que queda antes y fuera del templo”.

En su texto -afirmativo, directo, baudelairiano-, habla de la línea que va de la colonización a la globalización capitalista, pasando por el postcolonialismo, y su incidencia en el mundo del arte: “La mecánica del proyecto es tanto una crítica a la fragmentación de las bienales y su operación como festival en un tiempo concentrado, como a la idea de que un tema pueda servirle como paraguas. La selección de artistas está definida por la importancia que todos tienen en los debates de la condición postcolonial y los diversos modos en que se efectúa el canibalismo intercultural, pero el sentido en que cada artista ha de abordar el reto a la hora de hacer su intervención no es algo predispuesto”.

También hace referencia al Manifiesto Antropófago de 1928, del poeta brasileño Oswald de Andrade, y a los cadáveres exquisitos de los surrealistas: “Para mí, el Manifiesto Antropófago es un referente liberador porque implica romper con cualquier discurso identitario que busca una pureza nativista y, al mismo tiempo, convierte el estereotipo del salvaje caníbal en procedimiento de invención cultural. Como nací en México, siempre me ha asombrado el modo en que Andrade dinamitó la idea del nacionalismo cultural como posición latinoamericana. Mi fascinación en ese punto es muy concreta: concedo una gran importancia a esa genealogía porque se aparta de toda política identitaria de afirmación. Lo que me interesa de ese momento son las coaliciones revolucionarias, la importancia de la república española para quienes crecimos y pensamos desde México, el rol de Bataille y su relación con Alejo Carpentier, o el encuentro entre Trotsky, Breton y Rivera, la forma en que Glauber Rocha hablaba de Buñuel como el surrealista mexicano clave”.

Alternativa a la bienal

Cuauhtémoc Medina habla ahora de buscar una alternativa al modelo de bienales y proyectos específicos: “Estoy a favor de la violenta transformación que el protagonismo de las bienales ha tenido en las últimas dos décadas. Creo que, sobre todo, a partir del cambio de polaridad que introdujeron las bienales de La Habana, Johannesburgo o São Paulo desde los años 80, se hizo posible perturbar la centralidad que tenía el monólogo de algo que yo llamo el arte de la OTAN.

¿El lado oscuro de la bienalización del arte?: “La pérdida de energía y la no inclusión de nuevos artistas, geografías y prácticas disidentes por la presión, en eventos como Venecia, a complacer al público. Lo mismo sucede en los museos o en las publicaciones que tienen que lidiar con el bendito dilema que plantea que haya hoy millones de personas interesadas en el arte contemporáneo. También la forma en que a veces de modo acrítico estos eventos siguen siendo usados como medio de publicidad de los países, como diplomacia cultural, para vender imágenes edulcoradas de situaciones complejas o inaceptables como la de las consecuencias y valores detrás de las políticas de combate a las drogas en México”. Consciente de que tiende hacia lo próximo, retrocede: “Bienales como la de Venecia se están aburguesando, pero esa es una condición que hay que tener en cuenta al pensar un proyecto para ese evento. El problema no es el contexto, sino la falta de compromiso político”.

El plato fuerte

Dominó caníbal se abre y cierra con dos artistas habituados a provocar diferencias en las exposiciones colectivas, muy próximos a Cuauhtémoc Medina: Jimmie Durham y Francis Alÿs. Sorprende (por inhabitual) que el comisario acceda a señalar qué le interesó de cada uno de ellos para incluirlo en su proyecto.

-Pensé mucho a quién invitar a la exposición. Era importantísimo que el primer invitado, que al final es también la víctima del sacrificio caníbal, fuera un platillo muy fuerte y valioso. Durham es uno de los artistas que más importancia ha tenido en la reflexión y el debate del arte del Sur y como es el maestro de la operación de perturbar la cultura como un trickster, es decir, el personaje de los mitos, como la zorra, el coyote o la zarigöella (que en México llamamos tlacuache) que derrumba los mecanismos del poder con un truco, era el ideal para poner al resto de los artistas una trampa. La siguiente, Cristina Lucas, tiene un reto espinoso, pero la forma iconoclasta de su feminismo le permitirá pensar cómo usar alguna clase de picota, como hizo al filosofar con el martillo sobre el Moisés de Miguel ángel. La sucesión de los demás artistas, espero, tiene también la apuesta de introducir diversas modalidades de crítica y canibalismo. Bruce High Quality Foundation es un colectivo que ha hecho de cierto parasitismo y de la invención de la personalidad artística un dispositivo para repensar cuál es la energía del agente artístico. Me imagino que Kendell Geers va a tener que negociar con el peculiar balance entre agresión y elegancia de su posición. Tania Bruguera no sólo es extraordinaria en retomar modelos históricos y presentes de todo tipo para repolitizarlos, sino que su cuestionamiento ético sobre el compromiso artístico esta vez se expresó en pedirme explícitamente que quería “devorarse a Kendell y pedir que se la comiera Rivane”: ya veremos qué quiere decir con eso... Rivane Neuenschwander encarna una continua reinvención de cómo involucrar la sutileza en el acto de cuestionamiento del rol del artista global, y seguramente marcará un cambio de temperatura y tono en la serie.

-¿Por qué Francis Alÿs para terminar el proyecto?

-Hacia 1991 Alÿs hizo una pieza casi desconocida en forma de un texto que operaba como el dominó, que también inspiró el proyecto. De él he tenido en cuenta su capacidad para transitar entre lo poético y lo político en contextos inesperados como una ventaja para completar el descuartizamiento. A todos se les mostró el espacio con planos e imágenes y se les comunicará del modo más detallado posible cada intervención de la serie, pero ni los artistas ni los organizadores sabemos cómo se desarrollará la partida. Cada jugador tendrá sólo entre seis y ocho semanas para reflexionar, regular y realizar su proyecto. Cada uno puede retirar, resignificar, reutilizar o reponer elementos de las jugadas previas, pero creo que ya son demasiadas erres para tener además reuniones...”

Entre España y América

La conversación prosigue y las opiniones se vuelven seductoras (“No creo que la respuesta a una crisis sea gastar menos, sino criticar más”), prosiguen sinceras (“Debo confesar que durante unos años me desesperaba un poco la falta de sustancialidad que uno sentía en el arte español”), esperanzadas (“Me parece importante que los artistas latinoamericanos en España se han convertido en una parte decisiva del arte local, como sucede con Alexander Apóstol o Carlos Garaicoa”). O rotundas, cuando habla del arte latinoamericano: “Lo que es importante es que el arte de esta región es parte del campo de fuerzas donde se define la cultura mundial hoy y quizá la única región geográfica cuyos debates y tendencias internas se están diputando todo el tiempo en el circuito global. Lo que quiero decir es que la pregunta de qué es el arte latinoamericano es una cuestión que concierne a un circuito que ya no es latinoamericano y esa es una victoria de la transformación del arte hoy”.

También sé que las bienales son circos. Pero si no hubiera circos, los circuitos artísticos nunca hubieran querido tener nada que ver con los monstruos: con el arte problemático, politizado o hipercrítico, especialmente del Sur. Con mucho, la bienal es el modelo de exhibición que mejor ha representado la autoconciencia metodológica del comisariado contemporáneo. Lo que me inquieta es la posibilidad de que ese género pueda ir decayendo hasta convertirse en un estereotipo conservador y por eso es por lo que vale la pena participar en él desde un postulado crítico. Como todo dispositivo cultural, la bienal produce géneros de práctica artística y cómo se desempeñan los artistas ante esas distintas estructuras es un asunto crucial para quieres estudiamos y nos interesamos en el arte”.

Cuauhtémoc Medina vive en México DF, donde es uno de los críticos más activos e influyentes. Comisario del pabellón mexicano en la última Bienal de Venecia, España no le es ajena: “Estudié en un colegio republicano español, el Colegio Madrid. Mi relación con España tiene que ver con el conflicto con la antigua metrópoli, pero también con el hecho de que yo puedo cantar el himno republicano”, dice.

Miguel FERNÁNDEZ-CID

El efecto dominó

Con una presentación a modo de juego de relevos, el ciclo de exposiciones Dominó caníbal ocupará durante todo 2010 el espacio de la Sala Verónicas de Murcia, una antigua inglesia conventual del siglo XVIII, en la que cada uno de los siete artista que participan en el proyecto trabajará a partir de la propuesta del artista precedente.

• El norteamericano Jimmie Durham es el primero en abrir esta partida con una invasión en el espacio del templo cristiano de objetos y desechos hallados tras varias visitas a la región murciana. Trozos de cemento y vídrio, alambres, refrigeradores y barriles son el particular mapa del mundo con el que Durham cuestiona todo aquello que rechaza el espacio sagrado occidental.
  
• Un cadáver exquisito que mediante el residuo empieza hablando de exclusión y violencia y al que deberán dar réplica la intervención de la única artista española entre los seleccionados, Cristina Lucas (26 de marzo),
  
• el colectivo Bruce High Quality Foundation (21 de mayo),
  
• Kendell Geers (9 de julio),
  
• Tania Bruguera (24 de septiembre),
  
• Rivane Neuenschwander (12 noviembre) y
  
• Francis Alÿs (17 de diciembre).

Una nueva exposición sobre Henry Moore en el Museo Tate Britain

ORIGINAL: Tate Museum y BBC.co.uk

Acerca de la exposición

Radical, experimental y avant-garde, Henry Moore (1898-1986) fue uno de los más grandes artistas de Gran Bretaña. Esta exposición imponente toma una nueva mirada a su obra y su legado, presentando más de 150 esculturas de piedra, tallas de madera, bronces y dibujos.

Moore se rebeló contra la visión tradicional de sus maestros de la escultura, al contrario tomó inspiración de las obras no-occidentales que vió en los museos. Fue pionero en la talla directa de los materiales, la evolución de las formas abstractas que le son características procedentes del cuerpo humano. Esta exposición presenta ejemplos de los temas que definen su obra, como la figura reclinada, la madre y el niño, composiciones abstractas y dibujos de Londres de la guerra.

Las obras están situadas en el reflujo y el flujo turbulento de la historia del siglo XX, a veces, el descubrimiento de una dimensión obscura y cargada de erotismo que nos hace verlas bajo una nueva luz. El trauma de la guerra, el advenimiento del psicoanálisis, las nuevas ideas de la sexualidad, el arte primitivo y el surrealismo todos tuvieron una influencia sobre el trabajo de Moore.

Aspectos destacados del programa incluyen un grupo de las principales figuras reclinadas talladas en Elm, que ilustran el desarrollo de esta imagen clave en su carrera. Moore fue un Artista Oficial de Guerra y sus dibujos de londinenses acurrucados al abrigo de los ataques de los bombardeos capturado la imaginación popular, ganando un lugar en los corazones del público. Si tienes la posibilidad, no te pierdas esta fantástica oportunidad para entender verdaderamente de este artista muy querido de trabajo / escultor más exitoso de Gran Bretaña.

Se invita a visitar los studios de escultura de Henry Moore, el hogar y jardines de Perry Green, Hertfordshire, y el Instituto Henry Moore, en Leeds. Ambos son parte de la Henry Moore Foundation, creada por el artista en 1977.

Obras de Henry Moore en la Galería Tate

Una nueva exposición Henry Moore (BBC)

Una nueva exposición Henry Moore muestra en la Tate Britain de más de 150 obras entre esculturas de piedra, tallas de madera, bronces y dibujos

Una nueva exposición que reúne la más completa selección de obras Inglés artista Henry Moore es ir en la exhibición en la Tate Britain.

El espectáculo explora los temas que definen el trabajo de Moore como la figura reclinada, la famosa madre y esculturas y dibujos de niños de Londres durante los bombardeos.

"Madre y el Niño" 1932

Asimismo, reúne el mayor número de figuras reclinadas de Moore, tallada en madera de olmo, cada jamás se haya reunido. "

Figura Reclinada 1936

La exposición, una colaboración entre la Tate Britain y la Galería de Arte de Ontario, Toronto, estará en exhibición en las Galerías Linbury del 24 de febrero hasta el 8 de agosto,

"Mujer sentada 1957"